Travesuras de media tarde, De Fernando Cesario, Con Alan Romero, Facundo Serbian, Nicolás Crouspiere, 2008, 5’5’.
¿Los tres traviesos?
Travesuras de mediatarde comienza con una presentación de más de un minuto, lo cual de entrada nos predispone mal porque el corto tiene una duración total de cinco. La estética de la misma está perfectamente emparentada con la de los comienzos del cine, al igual que el resto del corto. A lo largo del film nos encontramos con claros ejemplos para definir el cliché. Desde la típica picardía del robo al almacenero de barrio, pasando por ensuciar la ropa colgada en el patio del conventillo (con su obvia penitencia para el perpetrador), hasta apedrear transeúntes. Todas formulas repetidas hasta el hartazgo, que ya no generan ni un atisbo de sonrisa en el espectador. Y como corolario final del lugar común: esconderse detrás de una puerta entornada, luego de una travesura, mostrando sólo una cabeza arriba de la otra. ¿Se habrá visto esta imagen en algún otro lugar? ¿Qué pensarían Larry, Moe y Curly?
Por último, la música oficia de acompañante sincronizado de la acción de los personajes, intentando prepararnos para la escena de la travesura graciosa que aguardamos ansiosos pero que lamentablemente… nunca llega.
Rouge, De Sonia Bertotti, Con Joaquín Belmonte, Raúl Schurlein, Elba Castellani, 2007, 7’
Todo sobre mis padres
Después de ver veintitrés cortos, varios muy buenos, muchos malos y algunos que dibujaban un signo de interrogación en mi cara, llegó Rouge, que desde sus créditos iniciales atrapó mi atención. Me agarró y me dijo: “Despertáte, hay más por ver y vale la pena”. Lo escucho y obedezco. El corto nos mete en el mundo gris y opresivo que vive un adolescente que se prostituye. Ese mundo es representado y reflejado por los padres del chico, dos criaturas inmundas y grotescas. La madre se pasa el día recostada en un sillón, fumando, bebiendo y viendo programas que queman el cerebro (Utilísima y Bricolage). Cuando se encuentra en la habitación viendo T.V. el empapelado se distorsiona con un juego de luces demostrando el desequilibrio y deterioro, de ella y su hogar. Es la madre despreocupada, que se dejó estar, que no hace nada y está tan ciega que no puede ver lo que sucede en su familia. El padre trabaja en una carnicería, es un hombre forzudo que devora la comida de su mujer (un plato defecado) y que hace visitas al cuarto de su hijo. Cuando lo vemos por primera vez, está incrustando un pedazo de carne en un gancho. Hay un corte y en el siguiente plano se ve la sangre chorreando por la pared de un blanco intenso. Penetración y sangre. No hace falta aclarar más. Con estas imágenes, la directora nos transmite y hace comprender la causa de la infelicidad del protagonista por qué se prostituye. Otro elemento a destacar, es la carta del novio –que es lo único en color del mundo diegético-, que con un cielo azul y nubes blancas simboliza su única felicidad y el anhelo de escapar. Los planos breves lo hacen a uno estremecer y entender todo en segundos. El montaje, cuando él sale por las noches, consta de una mano agarrando dinero, un cierre que se baja y un preservativo que sale de su envoltorio. Un montaje bien logrado con influencias de Réquiem por un sueño. Tal vez el final es lo único que se pierde, ya que no era necesario explicitar lo que el espectador ya había entendido que sucedía en la relación padre-hijo. Muchos cortos sólo logran mostrar imágenes en movimiento que pocas veces se entienden y que son justificadas aclarando que todo es un sueño o la psiquis de un personaje. Rouge termina logrando lo que muchos otros no: que se produzca una identificación entre el personaje y el espectador, y que haya una narración.
El nacimiento de una noción, De Bernabé Rivarola Con Martín Noriega, María Ruiseñor, 2008, 12’
La autoconciencia de una conciencia
El nacimiento de una noción es autoconsciente desde su título. Combina crítica social, cinefília y buen gusto. Inmerso en un mundo expresionista, en un blanco y negro del cine mudo, sorprende por tratarse de un corto de primer año. (No usan el recurso porque están filmando en 16 mm como los de segundo año, sino que fue una elección deliberada, por cierto original y acertada, por cierto mil veces superior a cualquier corto de segundo año). Su director Bernabé Rivarola tiene la conciencia necesaria para llevar a cabo su idea como guionista y concebirla, como director, en una puesta en escena que se disfruta. El uso de lentes que deforman, la disposición de las cámaras que representan muy bien esa deformidad, el juego de luces y sombras que meten suspenso, las perspectivas geométricas que meten expresión y, por supuesto, las actuaciones temerarias… logran el expresionismo posible de la actualidad, el buscado por este grupo de cineastas que se nota que ven cine de verdad (a los profesores de cine mudo se les debe caer un lagrimón, como a nosotros). En la articulación de los mínimos detalles escénicos se nota el esfuerzo de producción que merece ser destacado. Mención especial para la posproducción, tanto la composición de la banda sonora, como en la imagen astillada, las placas, en resumen, forma y contenido logran este reflejo palpable del cine mudo. Por eso la “patrulla mecánica” hace ruido. Un elemento trillado y criticable, pero que se justifica por ser la representación de violencia de otro mundo más reconocible, quién no vio acaso La naranja mecánica. En el guión esta pandilla será la motivación del personaje que luego provocará, en una estructura donde todo cierra, la triste pérdida del mundo de la inocencia.
La alarma, De Juan Manuel Domínguez, Con Jorge Proietto, 2008, 6' 5''
Un duelo silencioso
Un hombre que cuida autos en un estacionamiento planea quitarse la vida. Pero cada vez que se dispone a tomar el revólver que tiene sobre su escritorio suena la alarma de uno de los autos e impide que lo haga. ¿Realmente la escucha? ¿Ese auto cobra "vida" para evitar su muerte? ¿O es la voz de su inconsciente haciéndole saber que aún no es su hora? No está del todo claro; tampoco es lo importante.
Cuando el protagonista sale a ver cuál es el motivo de que la alarma se dispare, se ve un contraplano del auto en el que la cámara tiembla… ¿Quizás porque sabe lo que se viene? No, simplemente tiembla; desperfecto técnico. Sin embargo, los planos del principio son muy buenos y hay uno en especial, hacia la mitad: el hombre y el auto enfrentados, como en una discusión sin palabras o un duelo silencioso. En un momento se ve al protagonista con el arma en la sien; esta vez es predecible, la alarma vuelve a sonar. Y esta vez ya resulta molesta, no (sólo) porque ya se la escuchó antes, sino porque el espectador desea que, si va a suicidarse, lo haga de una buena vez (ya revisó el auto, ya sabe que no tiene nada malo… ¿Para qué hacerlo de nuevo?).
No hay mucho más que agregar… al igual que el espectador, Herbie y Christine estarían decepcionados.
La peor tortura de la tortuga, de Virginia Tournour, con Guido Romano y Pablo Martinez. 2008. 5´.
El otro, el mismo.
Desde las alturas caemos en picada sobre un chico antiguo que juega con un avión de lata. Pero no a hacerlo volar, sino a moverlo por el piso. El chico está también sentado en el piso y lo vemos en un plano picado casi cenital que lo aplasta. El “otro” del juego de dobles que propone el corto, es su padre. Los dos, hablándole a la cámara, se quejan de no ser entendidos.
El chico no quiere tomar la sopa, prefiere usar ese combustible para darle energía a ese avión terrestre, o sea para hacerlo volador. El padre entra en el comedor cubriendo al hijo con su sombra, le quita el juguete y lo deja en un estante alto. Él sí puede elevar al avión y no permitirá que el chico lo haga. Para servirle el plato de sopa, para alimentarlo, lo rodea con los brazos, se pone nuevamente sobre él sofocándolo.
El corto logra crear el clima apropiado gracias al arte y la fotografía, muy cuidadas y manteniendo su función narrativa. Es muy bueno el uso de la cámara que nos ahorra movimientos pretenciosos. La excepción, bien utilizada, es el zoom out con cambio de foco en el que el chico queda atrapado entre el padre y el embudo. La narración no es muy clara y permite interpretaciones diversas, sea eso buscado o no por la directora. La escena en la que el padre habla a cámara es un poco larga y a veces se hace abuso de alguno de los tópicos de los cortos cievyquianos como el ambiente onírico y alguna repetición innecesaria.
El plano final nos devela lo que subyace en toda la película. Los dos personajes aparecen simétricamente repitiendo los movimientos del otro como en un espejo. El casting y la caracterización son grandes aciertos, logrando crear a dos personas casi idénticas. La primera vez que vemos al padre podemos pensar que es el mismo chico de grande. El enfrentamiento que tienen es una opresión que se vuelve contra sí mismos. “La peor tortura de la tortuga es que se tropieza con su propia torpeza”.
La espera, de Víctor Germán Fernández, Con Román Tanoni, Lucero Marquilis, 2007, 7’5’’
Esperar (no) siempre vale la pena
Un chico de veinte y tantos años está parado en una esquina escuchando música que, creemos, es extradiegética. Cuando apaga su iPod, la música se para. La cámara lo sigue hasta que se detiene y se sienta en el umbral de una casa. Mira la hora y esperamos. Se le acerca un chico con una camiseta de Boca puesta y, con un lenguaje de la calle, le pide unas monedas y el protagonista se niega. Luego sigue en el umbral y esperamos. Habla con una extranjera y esperamos. Ayuda a empujar un auto (a regañadientes) y esperamos. Al igual que el personaje, esperamos hasta el cansancio que ocurra algo relevante y cuando el corto de Fernández llega a su fin nos quedamos con un gusto amargo en la boca. El chico esperó todo el día a una joven con la cual se encuentra al final, y como si nada se marchan mientras van apareciendo los créditos finales. No pasó nada. Ni siquiera se puede llegar a sentir una identificación con el personaje. Solo compartimos el fastidio de esperar. Lo único que vemos durante el corto es a este joven y como interactúa con los personajes que transitan esa cuadra. Estos personajes son muy poco verosímiles, ya que usan un lenguaje muy exagerado (como el chico que pide monedas o la chica que pregunta dónde queda Puerto Madero en inglés). Para destacar: la banda sonora compuesta por música de rock alternativo, no más.
En La espera no termina sucediendo demasiado. Tal vez si intento ponerme a filmar la esquina de mi casa puedo captar mucho más de lo que se ve aquí. Pero no perdamos la calma, continuemos en la sala que aún hay mucho para ver.
"Mi nueva Vecina" Dirección General Hernán Lowestein Actores Rodrigo Cauduro, Juan Manuel Dominguez, Paula Josserme Duración 5´5´´
Luego de ver Mi nueva vecina una sola palabra resuena en mi cabeza: interrogante.
A lo largo del corto podemos ver como el protagonista trata de dominar su yo perverso, y es justamente allí cuando comienzan las dudas: la persona que vemos en pantalla con la cara y el cuerpo tatuado ¿es parte de él o simplemente es un ente malvado que lo domina? Podemos evidenciar a través de un buen juego de imágenes superpuestas la lucha que tiene el personaje con ese lado, que no logra dominar y ante el que muestra total sumisión como un esclavo ante su amo.
La llegada de la vecina no logra introducir en el cortometraje la llave para poder comprenderlo. De su departamento, escucha cuando se le cae un vaso y sale a verla al hall. El primer encuentro con ella es bastante confuso, la actriz es acartonada y repite líneas de memoria sin poner el menor compromiso con la escena.
De nuevo en su casa lo vemos limpiando compulsivamente una mancha en la pared. Se logra descifrar que esa mancha representa algo malo pero… ¿es acaso sangre? ¿De qué manera se conecta con su yo malvado? ¿Existe una conexión o es solo un acto obsesivo? No hay respuestas que surjan claramente, solo suposiciones. Esperé ansiosamente el final para poder atar los cabos sueltos pero los interrogantes solo fueron en aumento. Este corto pudo haber explotado al máximo sus posibilidades pero lo vemos diluirse ante nuestros ojos como la voluntad propia de Damián.
Sucede que me canso,De Victoria Maffia, Con Alfredo Landaveri; Máximo Occhipinti , 5', 2007
La cámara también se cansa
Sucede que me canso es una historia de amor y de silencio; de dos adolescentes que se pelean todo el tiempo para ocultar lo que sienten el uno por el otro.
Hay un único testigo: el baño del colegio, que al mismo tiempo se convierte en cómplice de los protagonistas al ceder sus puertas, en las que se escriben fragmentos de un poema, como la única vía posible de verdadera comunicación entre ellos.
Es cierto que los personajes se cansan por tener que afrontar la situación de la manera en que lo hacen pero, de alguna manera, la cámara también. Durante la primera pelea, en la que ambos se golpean, permanece como si fuera un compañero más y quisiera ver el enfrentamiento más de cerca. Pero a la vez siguiente simplemente se aleja, como si ya no quisiera verlos así y ya fuera suficiente.
Hacia el final se produce lo que se espera desde el primer momento: el encuentro en el baño, donde pueden ser ellos mismos. La forma en que se miran, fijamente y durante varios segundos, dice más que mil palabras y compensa cada golpe, insulto, empujón. Y también tiene la calidez de un beso; un beso que cada espectador pudo ver aunque en la pantalla no se muestre.
Siga por el blog toda la cobertura del Festival realizada por los alumnos de la carrera de Periodismo y crítica cinematográfica del Cievyc, con reseñas, críticas y premios.
15 de noviembre de 2008 5º edición de La noche de los museos
La Dirección General de Museos presenta la quinta edición de La Noche de los Museos, que se realizará el sábado 15 de noviembre, desde las 19 horas hasta las 2 de la madrugada.
En el evento central de La Noche de los Museos se proyectará el mítico filme mudo alemán "Metrópolis" (1927) de Fritz Lang, con acompañamiento musical en vivo de La National Film Chamber Orchestra, integrada por Fernando Kabusacki (guitarra), Juan Carlos Mono Fontana (teclados), Fernando Samalea (percusión) y Matías Mango (teclados), y artistas invitados, frente al Centro de Museos de Buenos Aires, sede de la Dirección General de Museos, Av. de los Italianos 851, Puerto Madero, 21 hs. A continuación habrá un cierre a toda música con DJ Ale Kingston & Simon, VJ Carla Lucarella, DJ Javier Zuker, VJ Santiago Idelson, Chancha Vía Circuito, VJ Lucas DM, DJ Daleduro, VJ Soldelrio.
Será una larga noche de encuentros artísticos y culturales; una fiesta que vinculará a los museos y espacios de arte de las distintas zonas de nuestra ciudad.
Información al público: Tel.: 4313-4073 / 4077 / 4079
Graham Greene, el gran novelista británico, escribió una narración que sería la base de El Tercer Hombre, su más famosa adaptación al cine. Realizada por Carol Reed, el guión contó en un principio con la aportación del autor. Pero pronto surgieron los problemas. Los enfrentamientos entre Green y Reed fueron continuos y cada vez más violentos motivados por los deseos del realizador de profundizar más en los personajes levemente anotados en el original. Interviniendo en la redacción definitiva del guión el propio Carol Reed. A su vez, Orson Welles escribió diálogos de su personaje y sugirió la idea de ampliar las secuencias finales de la persecución en la alcantarilla por los subsuelos de Viena que en un principio iba a ser más corta y anecdótica. Graham Greene tuvo su último discurso con los responsables de la película al enterarse de que habían cambiado el final que había escrito. Anna no se reunía con su enamorado Holly sino que pasaba lentamente a su lado en la escena final. Una de las secuencias más largas, patéticas y memorables de la historia del cine.
Joseph Cotten, popular en 1949 en los estudios londinenses de Ell Street, donde había rodado a las órdenes de Alfred Hitchcock Under Capricorn siempre reconoció a lo largo de su prolífica carrera que sus mejores papeles y su entrada en el mundo del cine se lo debía a su amigo el actor y director Orson Welles. Al ser contratado para el papel del oscuro novelista del oeste Holly Martins propuso inmediatamente a su mentor y amigo para el papel de Harry Lime, el verdadero vértice del triángulo protagonista aunque su aparición tuviese lugar mediada la película. Orson Welles ansioso por conseguir financiación para uno de sus difíciles proyectos (la adaptación de Otelo) eligió a la hora de firmar el contrato un salario de cien mil dólares en vez del 20% de recaudación, lo que hubiese significado una fortuna dada la notable trayectoria comercial de la obra y su gran taquillaje a lo largo de los años. En 1951coescribió e interpretó una versión para la radio londinense de este personaje en 39 programas.
Alida Valli contratada para una fulgurante pero corta carrera en Estados Unidos por David O’ Selznickinterpretó con misterio y convicción a la gélida Anna, la fiel enamorada de Harry Line luchando con sus dificultades para disimular su pronunciado acento italiano. En cuanto a Trevor Howard había sido lanzado a la fama por el propio Carol Reed como protagonista de Brief Encounter, la interpretación del mayor Calloway le significó la consagración definitiva. El reparto incluía en cometidos episódicos al sobrio actor de la escena vienesa Paul Horbiger en el papel del portero del inmueble que ha visto salir al tercer hombre a Annie Rosar como su esposa, Siegfried Breuer como Popescu, Bernard Lee, el más tarde famoso como M de la serie de James Bond como el sargento Paine. El vienés Ernst Deutsch como el Baron Kurtz que sería famoso también por su participación en la biopic sobre Freud de John Huston y el británico y pusilánime Wilfrid Hyde-White como Crabbin. Hedwig Bleibtreu que a los ochenta años seguía llenando los teatros vieneses donde actuaba incansablemente encarnó a la patrona de Anna.
Carol Reed recibió con agrado el llamado de su productor y amigo Alexander Korda de colaborar en los interiores en los estudios Shepperton con su hermano Vincent, de acreditada fama como director artístico de sus películas. Fueron suyas las soberbiasambientaciones del cabaret, el domicilio de Harry Lime y las estaciones de policía. Los exteriores de la película se rodaron de forma contrastada y sobria gracias a la cámara maestra de Robert Krasker en la ciudad dividida de Viena sacando espléndido partido a la noria gigante del parque de atracciones.
Las tropas rusas ocupantes de la ciudad aunque en un principio dieron permiso de rodaje en su zona luego cambiaron de parecer. Interrumpieron el rodaje en la estación cuyas últimas tomas fueronrealizadas subrepticiamente por Guy Hamilton (primer ayudante de dirección), quien distrajo a las autoridades allí presentes durante el delicado momento.
Una frase escrita por Orson Welles y en boca de Harry Lime, personaje negativo pero fascinante de la película, se haría parte del rico anecdotario de la historia del cine: “En Italia, en 30 años de dominación de los Borgia hubo guerras, terror, sangre y muerte, pero surgieron Miguel Angel, Leonardo da Vinci y el Renacimiento. En Suiza hubo amor y fraternidad, 500 años de democracia y paz y ¿que tenemos? El reloj de cucú”
El tema de Harry Lime creado e interpretado con su cítara por Antón Karas fue uno de los grandes éxitos de la película y fue también una tumba remunerada pero peligrosa para el compositor que vivió desde entonces a la sombra de su éxito trabajando ante un público de salas de fiesta que tomara la cítara y tocara una y otra vez la pegadiza melodía. Antes de la película Karas se ganaba la vida tocando en las calles de la ciudad y fue ahí, en el aire libre, donde lo descubrió Carol Reed.
Término francés que significa “cortar” y que algunos críticos emplean para referirse a la organización de planos en una escena en particular o en una película en general. Lo que interesa es el estilo particular de montaje de una película, el diseño global de los planos. Los críticos franceses hablan de découpage classique para describir el estilo de montaje de continuidad-dramático-narrativa desarrollado en los estudios de Hollywood.
Los días viernes 24 y 31 de octubre se realizará a las 19 hs. una muestra de cine y video experimental en la galería LDF (Perú 711, 1º piso Nº 3). Entrada libre y gratuita.
El HOME MOVIE DAY (Día de las películas familiares) es un encuentro anual dedicado a la celebracion del cine amateur organizado por expertos en preservacion audiovisual. Se lleva a cabo en mas de cuarenta ciudades alrededor del mundo y este año por segunda vez en Argentina.
Si tenés peliculas familiares en 8mm, Super 8 o 16mm que hace mucho tiempo que no ves o que nunca viste desde que las heredaste, no dejes que se deterioren. Desempolvalas y traelas al Centro Cultural Ricardo Rojas (Av. Corrientes 2038), el sabado 18 de octubre, entre las 14 y las 19 hs.
El evento es libre y gratuito y ofrece la oportunidad de ver films propios y ajenos en una proyeccion abierta.
Para más información: http://www.homemoviedayargentina.blogspot.com/ http://laregioncentral.blogspot.com/
Mientras la gente del HMD nos deja unos consejos para preservar nuestro material fílmico:
Algunos consejos y cuidados básicos para sus películas familiares (recuerde que son únicas y muy probablemente no existe negativo del cual hacer copias nuevas)
1. Nunca se deshaga del material fílmico original. La transferencia de las películas familiares a video o DVD NO ES UN MODO DE PRESERVARLAS. Para obtener copias de visionado, el mejor método es transferir sus films a un formato de video de buena calidad (Betacam SP o DigiBeta son los más recomendables, DV-Cam o Mini DV los más económicos), para usar como copias master. Las copias en VHS o DVD son muy propensas al deterioro o la obsolescencia del equipo reproductor, y por lo tanto poco duraderas.
2. Guarde los films en un lugar fresco y seco. Evite altillos (temperatura alta y variable) y sótanos (humedad). Tampoco se recomienda guardarlas en heladeras o freezers.
3. Mantenerlos alejados de la luz solar directa.
4. Guardarlos en posición horizontal en contenedores de metal o plástico polipropileno, que no sean herméticos, claramente etiquetados. No incluir papel, bolsas de plástico ni otros materiales junto con las películas.
5. No proyecte sus films sin antes asegurarse que no tienen roturas o suciedad, y que el proyector no está dañado.
El pasado 17 de agosto se conmemoró el primer centenario del nacimiento del cine de animación. En 1908, un caricaturista francés llamado Émile Cohl concibió el primer cortometraje del género y lo tituló Fantasmagorie. Para dar vida a su obra, Cohl utilizó una sucesión de más de 700 dibujos de tinta negra sobre papel blanco impresos en negativo para lograr un efecto similar al de la tiza en un pizarrón. A raíz de este trabajo, el director francés continuó experimentando esta nueva técnica en otro film llamado The Haunted Hotel.Lejos de las muy avanzadas técnicas de animación 3d utilizadas en la actualidad pero cerca en las ganas de seguir innovando, podemos afirmar que el descubrimiento de Cohl no ha pasado desapercibido.
