Graham Greene, el gran novelista británico, escribió una narración que sería la base de El Tercer Hombre, su más famosa adaptación al cine. Realizada por Carol Reed, el guión contó en un principio con la aportación del autor. Pero pronto surgieron los problemas. Los enfrentamientos entre Green y Reed fueron continuos y cada vez más violentos motivados por los deseos del realizador de profundizar más en los personajes levemente anotados en el original. Interviniendo en la redacción definitiva del guión el propio Carol Reed. A su vez, Orson Welles escribió diálogos de su personaje y sugirió la idea de ampliar las secuencias finales de la persecución en la alcantarilla por los subsuelos de Viena que en un principio iba a ser más corta y anecdótica. Graham Greene tuvo su último discurso con los responsables de la película al enterarse de que habían cambiado el final que había escrito. Anna no se reunía con su enamorado Holly sino que pasaba lentamente a su lado en la escena final. Una de las secuencias más largas, patéticas y memorables de la historia del cine.
Joseph Cotten, popular en 1949 en los estudios londinenses de Ell Street, donde había rodado a las órdenes de Alfred Hitchcock Under Capricorn siempre reconoció a lo largo de su prolífica carrera que sus mejores papeles y su entrada en el mundo del cine se lo debía a su amigo el actor y director Orson Welles. Al ser contratado para el papel del oscuro novelista del oeste Holly Martins propuso inmediatamente a su mentor y amigo para el papel de Harry Lime, el verdadero vértice del triángulo protagonista aunque su aparición tuviese lugar mediada la película. Orson Welles ansioso por conseguir financiación para uno de sus difíciles proyectos (la adaptación de Otelo) eligió a la hora de firmar el contrato un salario de cien mil dólares en vez del 20% de recaudación, lo que hubiese significado una fortuna dada la notable trayectoria comercial de la obra y su gran taquillaje a lo largo de los años. En 1951coescribió e interpretó una versión para la radio londinense de este personaje en 39 programas.
Alida Valli contratada para una fulgurante pero corta carrera en Estados Unidos por David O’ Selznickinterpretó con misterio y convicción a la gélida Anna, la fiel enamorada de Harry Line luchando con sus dificultades para disimular su pronunciado acento italiano. En cuanto a Trevor Howard había sido lanzado a la fama por el propio Carol Reed como protagonista de Brief Encounter, la interpretación del mayor Calloway le significó la consagración definitiva. El reparto incluía en cometidos episódicos al sobrio actor de la escena vienesa Paul Horbiger en el papel del portero del inmueble que ha visto salir al tercer hombre a Annie Rosar como su esposa, Siegfried Breuer como Popescu, Bernard Lee, el más tarde famoso como M de la serie de James Bond como el sargento Paine. El vienés Ernst Deutsch como el Baron Kurtz que sería famoso también por su participación en la biopic sobre Freud de John Huston y el británico y pusilánime Wilfrid Hyde-White como Crabbin. Hedwig Bleibtreu que a los ochenta años seguía llenando los teatros vieneses donde actuaba incansablemente encarnó a la patrona de Anna.
Carol Reed recibió con agrado el llamado de su productor y amigo Alexander Korda de colaborar en los interiores en los estudios Shepperton con su hermano Vincent, de acreditada fama como director artístico de sus películas. Fueron suyas las soberbiasambientaciones del cabaret, el domicilio de Harry Lime y las estaciones de policía. Los exteriores de la película se rodaron de forma contrastada y sobria gracias a la cámara maestra de Robert Krasker en la ciudad dividida de Viena sacando espléndido partido a la noria gigante del parque de atracciones.
Las tropas rusas ocupantes de la ciudad aunque en un principio dieron permiso de rodaje en su zona luego cambiaron de parecer. Interrumpieron el rodaje en la estación cuyas últimas tomas fueronrealizadas subrepticiamente por Guy Hamilton (primer ayudante de dirección), quien distrajo a las autoridades allí presentes durante el delicado momento.
Una frase escrita por Orson Welles y en boca de Harry Lime, personaje negativo pero fascinante de la película, se haría parte del rico anecdotario de la historia del cine: “En Italia, en 30 años de dominación de los Borgia hubo guerras, terror, sangre y muerte, pero surgieron Miguel Angel, Leonardo da Vinci y el Renacimiento. En Suiza hubo amor y fraternidad, 500 años de democracia y paz y ¿que tenemos? El reloj de cucú”
El tema de Harry Lime creado e interpretado con su cítara por Antón Karas fue uno de los grandes éxitos de la película y fue también una tumba remunerada pero peligrosa para el compositor que vivió desde entonces a la sombra de su éxito trabajando ante un público de salas de fiesta que tomara la cítara y tocara una y otra vez la pegadiza melodía. Antes de la película Karas se ganaba la vida tocando en las calles de la ciudad y fue ahí, en el aire libre, donde lo descubrió Carol Reed.
Término francés que significa “cortar” y que algunos críticos emplean para referirse a la organización de planos en una escena en particular o en una película en general. Lo que interesa es el estilo particular de montaje de una película, el diseño global de los planos. Los críticos franceses hablan de découpage classique para describir el estilo de montaje de continuidad-dramático-narrativa desarrollado en los estudios de Hollywood.
Los días viernes 24 y 31 de octubre se realizará a las 19 hs. una muestra de cine y video experimental en la galería LDF (Perú 711, 1º piso Nº 3). Entrada libre y gratuita.
El HOME MOVIE DAY (Día de las películas familiares) es un encuentro anual dedicado a la celebracion del cine amateur organizado por expertos en preservacion audiovisual. Se lleva a cabo en mas de cuarenta ciudades alrededor del mundo y este año por segunda vez en Argentina.
Si tenés peliculas familiares en 8mm, Super 8 o 16mm que hace mucho tiempo que no ves o que nunca viste desde que las heredaste, no dejes que se deterioren. Desempolvalas y traelas al Centro Cultural Ricardo Rojas (Av. Corrientes 2038), el sabado 18 de octubre, entre las 14 y las 19 hs.
El evento es libre y gratuito y ofrece la oportunidad de ver films propios y ajenos en una proyeccion abierta.
Para más información: http://www.homemoviedayargentina.blogspot.com/ http://laregioncentral.blogspot.com/
Mientras la gente del HMD nos deja unos consejos para preservar nuestro material fílmico:
Algunos consejos y cuidados básicos para sus películas familiares (recuerde que son únicas y muy probablemente no existe negativo del cual hacer copias nuevas)
1. Nunca se deshaga del material fílmico original. La transferencia de las películas familiares a video o DVD NO ES UN MODO DE PRESERVARLAS. Para obtener copias de visionado, el mejor método es transferir sus films a un formato de video de buena calidad (Betacam SP o DigiBeta son los más recomendables, DV-Cam o Mini DV los más económicos), para usar como copias master. Las copias en VHS o DVD son muy propensas al deterioro o la obsolescencia del equipo reproductor, y por lo tanto poco duraderas.
2. Guarde los films en un lugar fresco y seco. Evite altillos (temperatura alta y variable) y sótanos (humedad). Tampoco se recomienda guardarlas en heladeras o freezers.
3. Mantenerlos alejados de la luz solar directa.
4. Guardarlos en posición horizontal en contenedores de metal o plástico polipropileno, que no sean herméticos, claramente etiquetados. No incluir papel, bolsas de plástico ni otros materiales junto con las películas.
5. No proyecte sus films sin antes asegurarse que no tienen roturas o suciedad, y que el proyector no está dañado.
El pasado 17 de agosto se conmemoró el primer centenario del nacimiento del cine de animación. En 1908, un caricaturista francés llamado Émile Cohl concibió el primer cortometraje del género y lo tituló Fantasmagorie. Para dar vida a su obra, Cohl utilizó una sucesión de más de 700 dibujos de tinta negra sobre papel blanco impresos en negativo para lograr un efecto similar al de la tiza en un pizarrón. A raíz de este trabajo, el director francés continuó experimentando esta nueva técnica en otro film llamado The Haunted Hotel.Lejos de las muy avanzadas técnicas de animación 3d utilizadas en la actualidad pero cerca en las ganas de seguir innovando, podemos afirmar que el descubrimiento de Cohl no ha pasado desapercibido.
Si hay un elemento que trabaja el cine y que da a quienes interpretan un plus por sobre los demás, ese rasgo es la mirada. Se dice que un actor con ojos cautivantes difícilmente fracase, y para corroborar este axioma no hay un ejemplo mejor que el de Paul Newman. Conocido por sus llamativos ojos azules, su belleza y sobre todo la arrogancia con la que se manejaba en la pantalla, Newman supo construir una carrera como estrella en el mundo de las películas.
Su formación actoral se corresponde a la de la generación de quienes comenzaron a ser reconocidos en la década de 1950 por el método del Actor’s Studio. En este contexto de trabajo de la técnica del psicodrama, Newman sacó su personalidad a relucir y consiguió un papel en la exitosa obra de Broadway “Picnic” que llamó la atención a los directivos de los estudios para ofrecerle un contrato en Hollywood como actor secundario.
Ya hacia fines de los años ’50, llegarían los primeros logros en la pantalla de plata con “La Gata sobre el Tejado de Zinc Caliente” (1958) dirigida por Richard Brooks. A partir de ese momento Paul dejaría de ser uno más para erguirse en el firmamento como una de las constelaciones más elevadas de la ciudad de Los Angeles.
En la década siguiente comenzaron a aparecer sus mejores trabajos a la orden de los directores más renombrados del momento, entre los que se destacan “Exodo” (1960) de Otto Preminger, “El Jugador” (1961) de Robert Rossen y “Cortina Rasgada” (1966) de Alfred Hitchcock. Pero me gustaría reservarme tres títulos que a mi juicio son los más representativos de la comunión entre el Newman actor y la persona. Un conjunto de obras que quedaron grabadas a fuego en las retinas de quienes tuvieron el placer de disfrutarlas alguna vez.
La primera que voy a citar es aquella maravillosa representación de un mítico cowboy en “Butch Cassidy y Sundance Kid” (1969). En aquella ocasión él y su inseparable compañero Robert Redford, encarnaban a dos asaltantes que eran expulsados para terminar robando bancos, de manera muy cómica por cierto, en Sudamérica. La segunda en cuestión, es también una colaboración en conjunto con Redford, se trata de la ganadora del oscar “El Golpe”. Allí, vuelven nuevamente a las andadas como estafadores en plena época de la depresión en la ciudad de Chicago. Y para concluir con esta galería de imprescindibles, aparece un trabajo que fue rodado antes que los otros dos y que además significa la cima de la carrera de este genio rubio: “La Leyenda del Indomable” de Stuart Rosemberg. Este film, masculino y de trama dispersa, es una obra maestra imprescindible de lo que puede lograr un actor cuando sabe trabajar su cuerpo como un instrumento. El por aquel entonces joven Paul nos daba una clase de cómo se puede ser cool en una prisión cuando no importa nada más que cumplir metas inalcanzables por el sólo placer de lograrlas. Tal vez esta última frase defina mejor que todo lo anterior la trayectoria de esta soberbia figura tan grande como sus personajes. Curiosidades Como muchos de los actores del cine clásico, Paul Newman participó en la Segunda Guerra Mundial para el cuerpo de la marina de los Estados Unidos.
También desarrolló una interesante carrera como director de cine realizando unas seis películas y dirigiendo en varias de ellas a su esposa.
Como actor, fue nominado nueve veces a los premios Oscar consiguiéndolo solo en 1987 por “El Color del Dinero” de Martin Scorsese.
Una de sus pasiones fue el automovilismo, donde en 1995 se convirtió en el piloto más veterano (70 años) en ganar una competencia internacional de esa disciplina.
Convocatoria a realizadores independientes y estudiantes de carreras de cine a participar en el 10º festival de cortometrajes FEJOREL.
Se efectuará el viernes 14 de noviembre de 2008 en la Asociación Dante Alighieri, Sala Manuel Belgrano, Avda Cabildo 2772, piso 2º, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Se aceptarán cortometrajes de hasta 15 minutos de duración en las categorías: Ficción, Documental, Experimental, Animación, Video Minuto Cierre de inscripción 11/10/2008
Carola Gliksberg Nació en Buenos Aires, Argentina en 1981. Realizó la carrera de Dirección Cinematográfica en el CIEVYC. En sus años de estudio dirigió siete cortometrajes en video digital y fílmico. Su cortometraje Fractales (2005) fue exhibido en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA). Se ha desempeñado en el Departamento de Arte en los largometrajes Como un avión estrellado y Rocío, ambas de Ezequiel Acuña.
Efecto Kuleshov: Significado e impacto emocional derivados del acto de poner en relación y yuxtaponer planos individuales en un contexto que existe sólo a partir del propio montaje y que no es inherente a ninguno de los fragmentos individuales de película. Éste es el concepto básico del montaje desarrollado por Kuleshov y sus estudiantes en la Escuela Estatal de Cine de Moscú en los primeros años de la década de los veinte.
El mayor festival de género fantástico de Buenos Aires anuncia la recepción de trabajos, cortos y largometrajes, para su próxima edición a realizarse entre el 30 de octubre y 5 de noviembre de 2008. Hay premios importantes!
Para más información y poder leer las bases:
http://rojosangre.quintadimension.com/reglamentos.shtml
El jueves 4 de septiembre de 2008 se realizará en Buenos Aires la octava edición del Festival Internacional de Cine Cortometraje de Temática Sexual, con proyecciones con entrada libre y gratuita a lo largo de todo el día en el Complejo Cinematográfico Tita Merello. Entre los cortos destacados participarán trabajos de Cuba, Méjico, España y Argentina. Para ver la grilla completa: http://www.galloverde.com.ar/8festsexFinal.html
Nos seguimos preguntando ¿qué es el cine?, ¿para que?, ¿para quien?, ¿por que?, y la pregunta a penas tolera la pausa de la respuesta; a veces contestamos con palabras, otras con películas. El mundo fluctúa. Se espiritualiza. Se industrializa. Se tecnifica. Hay crisis de espíritu.
De fe. De dinero. Repetidamente el capital se disfraza con piel de cordero, los estados totalitarios adoptan formas democráticas, la mitad del mundo lucha por el sustento, la otra mitad por sobrevivir a cualquier costa, o conserva cualquier cosa, o todas las cosas.
Mientras, ha nacido una nueva forma de expresión, un arte que tiene los elementos de otras artes y es distinto, y al mismo tiempo es industria y diversión y mensaje político y social y sirve alternativamente para la mentira y la verdad. Un arma poderosa que, por desgracia, gobierna el capital, pues su estructura formal requiere materiales caros y alta mano de obra. Al margen o en el centro de este mismo grupo de hombres ha ido aprendiendo a utilizar esta forma industrial o técnica como medio de expresión, tal como las palabras, los sonidos o los colores. Esos hombres son frecuentemente prevenidos, amenazados, difamados o enriquecidos, a consecuencia de lo que realizan o se proponen realizar, y eso guarda relación directa con épocas, circunstancias electorales, preeminencias de grupos políticos o económicos, razones que no guardan relación directa con la verdadera necesidad del hombre de expresarse, de dar testimonio de si mismo y del mundo que lo rodea. El cine gravita sobre las masas, puede deformar la mente de un niño, despertar simpatías hacia delincuentes, amorales o revolucionarios. El cine, se dice, debe ser controlado por municipalidades, censuras eclesiásticas o estatales, ligas de amas de casa, de padres de familia, de coleccionistas de mariposas. El cine no puede ser dejado en manos de cualquiera (ese puede ser un Rousseau, un Maiacosky, un Lawrence, un Joyce); es conveniente filtrarlo y poner en listas negras a todos aquellos que quieren expresar protestas, disconformidades, planteamientos presuntamente anárquicos, denuncias llámense Stroheim, Vigo, Orson Wells o Staley Kubrick, porque alguien pretende seguir creyendo que el mundo está muy bien así, con los “pogroms”, las matanzas de dos guerras mundiales, Corea, Hungría, el hambre de dos tercios de la humaniad. El cine no debe jamás atacar instituciones, dicen los códigos o previenen en voz baja; toda anomalía debe ser mostrada en función de hechos particulares, nunca por institución en forma global. El presunto creador cinematográfico vive infinitas tiranías además de la primera del capital. Luego las “restricciones” para formar “la perfecta estructura del mundo actual”…
Desde principios de Junio se están recibiendo cortometrajes para la 7ma Muestra Internacional de Cortometrajes "Video/Jujuy/Cortos" – primera en todo el Noroeste Argentino y única de S.S. de Jujuy, a llevarse a cabo a del 28 de octubre al 1 de noviembre de 2008. Se invita a todos los realizadores de cortos de hasta 40 minutos (documental, ficción, animación, experimental, musical, etc.), de Argentina y el Mundo, a que envíen su material a la muestra, hasta el viernes 3 de octubre de este año. La inscripción del material es gratuita.
Enviar ficha de inscripción y material a:
"7ma. Muestra de Cortometrajes "Video/Jujuy/Cortos" Casilla de Correo 83 - S.S. de Jujuy (4600) Provincia de Jujuy - Argentina. (si es por Correo Argentino)
Personalmente o por otras formas de envío (OCA/DHL/FEDEX, etc) a: "7ma. Muestra de Cortometrajes "Video/Jujuy/Cortos" Balcarce 340, 1er Piso, Of.3. S.S. de Jujuy (4600) Jujuy
El sábado 30 de agosto se realizará una muestra de cine experimental en el Malba. La misma constará de 3 funciones consecutivas (a las 14, 16 y 18hs.) y estarán compuestas de películas internacionales contemporáneas en 16mm, Super 8 argentino y un show de cine expandido con proyecciones múltiples en Super 8, 16 y 35mm.
La mejor parte de Blow - Up es una secuencia bien concebida e ingeniosamente compaginada en la que el héroe amplia una serie de fotografías y descubre que su cámara registró inadvertidamente un asesinato. Es una buena secuencia de misterio y suspenso, pero ¿simboliza (como escribe un crítico) “la futilidad de buscar los significados ocultos de la vida a través de medios puramente técnicos”? Creo que el héroe hizo muy bien en revelar el asesinato, pero este tipo de interpretación simbólica no es ajena al atractivo del filme: Antonioni carga la atmósfera con tanto simbolismo confuso y un sentido de trascendencia tan abrumador, que los espectadores utilizan la película como una suerte de incinerador para los desechos intelectuales. Encontramos frases tan trilladas como “La fría muerte del corazón”, “El erotismo estremece por su helada desolación”, un “Mundo tan trastornado por estímulos artificiales que los sentimientos naturales quedan ahogados”, etc. porque Antonioni inspira esta jerga.
Cuando el fotógrafo pierde el registro fotográfico del asesinato, pierde interés en este. Según la revista Time “el anti-héroe de Antonioni” – de quien se dice que es un “pequeño reptil” y un “retrato grincigly exacto de la clase de parásitos serpenteantes que suelen crecer en una sociedad en decadencia”- “tiene en sus manos, aunque sea por un solo instante, la alexina para su cura: la gracia salvadora del espíritu”. En otras palabras, si hiciera algo acerca del asesinato, como ir a la policía, por ejemplo, aceptaría participar de alguna manera en la vida y la muerte de los demás, se encontraría a sí mismo como ser humano y se convertiría aceptable para el Time.
Como el héroe es un fotógrafo y la secuencia de la ampliación relata una historia en imágenes, también se dice que la película refleja la opinión que tiene de sí mismo Antonioni como artista (aunque ni sus peores enemigos podrían acusarlo de “contar historias” en sus películas). Es posible que así sea pero quienes ven en Blow-Up la versión Antonioni de 8 y Medio – filmar una película acerca de cómo filmar una película- parecen valorar esto que el hacer simplemente una película, quizá porque colocan al filme en la misma categoría del material autobiográfico con el que luchan tantos jóvenes conscientes del mismo (la historia se termina cuando se convierten en escritores…), y de este modo es fácil equivocarse y tomarlo por el punto más alto del proceso artístico.
Cuando los detalles periodísticos se usan en forma simbólica – y es así como Antonioni utiliza al Londres “alegre”-, el artista no crea un marco de referencia que confiera sentido a los detalles; explota simplemente los significados simbólicos convencionales que la gente atribuye a ciertos detalles, y nos deja sumidos en una profunda confusión. (Los moralistas de clase media piensan que es profunda, y los hippies están encantados con la confusión). Y cuando agrega una convención teatral como la pantomima de la partida de tenis sin pelota - que solo se relaciona con los datos periodísticos porque también es simbólica – descarta el juego cinematográfico convirtiéndolo en un “ah-dulce-misterio-de-la-vida, todos-somos-locos”, lo cual, gritado en un tono demasiado alto para los oídos humanos, podría parecerse a una música grandiosa que escapa a nuestras posibilidades de captación. Pauline Kael- Febrero de 1967
(Kiss Kiss Bang Bang- El Tiempo del Cine)
Pauline Kael fue crítica de cine para el New York Magazine de 1968 a 1991 y es considerada como la opinion más influyente de su época.
Entre el 29 y el 31 de agosto se llevará a cabo en el Auditórium Cine Alfa del Centro Cultural Universitario la 5 edición del Festival Nacional de Cortometrajes de Tandil.
La competencia constará de cuatro categorías de géneros: experimental, documental, animación y ficción. También se realizará un homenaje a las trayectorias de Lito Cruz y Jorge Montejo (Paolo el rockero)
El premio para el corto ganador será de 5.000 pesos otorgados por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires.
El viernes 15 de agosto de 18:30 a 20:30 hs comenzará en el C.I.E.V.Y.C el seminario sobre cine y rock que dictará el prestigioso y joven realizador nacional Ezequiel Acuña (Nadar Sólo (2003) y Como un Avión Estrellado (2005). El mismo consta de 4 encuentros y el arancel es de $120.
Reservá tu lugar enviando tu apellido, nombre y teléfono a
cursos@cinecievyc.com.ar ocomunicate a los teléfonos:
Este telefilm poco visto de John Carpenter aventuraba lo que sería años más tarde el genio del terror. Lejos de la diferencia de calidad que uno puede ver entre un filme concebido para la televisión y otro para el cine, Someone's Watching Me! es de una factura técnica que no genera este tipo de prejuicio. Con un estilo muy “Depalmiano”, y por consiguiente una temática que hace honor a La Ventana Indiscreta del maestro Alfred Hitchcock, Carpenter da grandes conocimientos de como generar suspense en una de sus primeras películas. Los fundamentos formales con los que J.C. construye este thriller se basan en pasear la cámara con sutiles paneos perturbadores, el diseño de personajes con detalles que los configuran de una manera tan real pero a la vez tan inverosímiles y sobre todo un manejo del sonido que será uno de los pilares de su filmografía.
El estilo de Carpenter en esta película, que también se dio en la pantalla chica con el nombre de High Rise, transita por los caminos del terror que genera la cotidianidad. La premisa es partir de un lugar común para evitar caer en el cliché, del mismo modo que lo hacía su maestro Hitchcock.
Una mujer sola, atractiva, e independiente se muda a un edificio que esta rodeado por otras torres, en una de ellas hay alguien que la observa y la acosa al punto de llevarla a un estado de neurosis,pero la vuelta está en que nuestra heroína se sobrepone al miedo y logra enfrentar a su enemigo.
En esta pesadilla, hay que destacar una escena en la que Lauren Hutton queda atrapada en una alcantarilla luego de una sigilosa persecución a su desconocido acosador. Como en Extraños en un tren, la actriz pierde un objeto en una reja sobre el piso a una distancia a la que su mano no consigue llegar. Tensión en extremo, y una salida a la situación poco habitual que no sólo homenajea al gran Alfred sino que hasta le da un sello propio, la marca que a partir de allí veríamos de John Carpenter.
La Municipalidad de Olavarría y la Comisión Organizadora de la 11ª Muestra de Cine Nacional “Lucas Demare” convocan a participar del 2º Festival Internacional de Cortometrajes, cuyo objetivo es promover y difundir la realización audiovisual. La muestra se desarrollará entre los días 21 y 29 de noviembre y se aceptarán trabajos que no superen los 30 minutos de duración hasta el 24 de octubre. El premio al corto ganador será de $5.000. Las bases completas se encuentran en la web oficial: http://olavarriacine.blogspot.com/
Disturbia (2007) de uno de los directores del momento en los Estados Unidos, D.J. Caruso, nos presenta una nueva versión de la obra maestra de Alfred Hitchcock Rear Window (1954). En este caso la trama se centra en un joven problemático que debe cumplir una condena menor con arresto domiciliario. A través de un sensor colocado en el tobillo el muchacho va a quedar prisionero en su propio hogar al igual que lo estaba Scotty (James Stewart) en el film de Hitch. Y como en aquel argumento, van a pasar sucesos muy extraños en la casa de enfrente. Lo que comienza como un juego de espiar a la vecina bonita va a transformarse en una amenaza mortal. Ese impulso voyeurista que siempre propone el cine de mirar sin ser mirados va a ser el motor principal del film. Pero el problema de esta película no radica en su argumento, que por cierto es bastante entretenido, sino en la falta de lecturas simbólicas que siempre entregaban las tramas del director inglés. Caruso se queda con lo superficial del suspenso que otorga la acción y no le da una nueva visión de mundo al tema propuesto por su antecesor. Aquí no hay ventanas que nos muestren los diferentes tipos de relación de pareja ni tampoco una mujer que nos empuje a tomar una decisión sobre nuestro futuro. De hecho, éste personaje crucial que en La Ventana Indiscreta era interpretado por Grace Kelly, aquí es reemplazado por la figura de una madre que carece de sentido dramático y sólo está como elemento funcional al causa efecto de la narración.
En definitiva, lejos de lo que hacía Brian De Palma cuando reversionaba al maestro del suspense, Caruso se queda a mitad de camino por la carencia de capas de densidad en el plano formal y nos ofrece una versión vacía de aquella obra maestra de Alfred Hitchcock.
Los espectadores del cine argentino requieren un espacio de discusión y crítica que vaya más allá de la reseña periodística. Esperamos que esta colección aporte nuevas lecturas y miradas sobre el campo en formación del cine argentino contemporáneo.
Es por eso que iniciamos la Colección Nuevo Cine Argentino, que buscará presentar al público estudios críticos sobre la producción cinematográfica contemporánea realizados por conocidos profesionales. No creemos que el denominado “Nuevo Cine Argentino” sea un movimiento monolítico u homogéneo; no tiene programa, ni dogma o estatuto consensuado; sin embargo, más allá de sus diferencias, un clima de época atraviesa un grupo heterogéneo de filmes que poseen, además, otro denominador común: la ruptura con el cine realizado en la Argentina hasta la década del 90 del siglo pasado. Esta colección abordará esos títulos. Películas que incorporan nuevas temáticas, con una gran diversidad estética y estilística que va desde el neo-neorrealismo de Adrián Caetano y Pablo Trapero hasta búsquedas más alejadas de un registro costumbrista como las de Martín Rejtman y Lucrecia Martel. ¿Basta eso para definir este fenómeno? Sin duda no, como tampoco puede definírselo sólo contemplando sus modos de producción, ya que sus realizadores exploran desde nuevas formas de financiación independiente hasta una gradual inserción en el sistema industrial. De la misma manera que no alcanza para saber de qué se trata el señalar el creciente uso de formatos digitales o el exceso de “cámara en mano”. Es, tal vez, en el afán rupturista de estos nuevos realizadores —que inventan nuevos lenguajes y estrategias de acercamiento al público— donde podría encontrarse un elemento definitorio. En estas exploraciones el cine argentino consolida su identidad, ganando espectadores en las salas y prestigio en festivales internacionales.(Fuente Editorial Picnic)
Más información sobre la colección en http://www.picniceditorial.com.ar/
Como todos los años, llega una nueva edición del concurso de cortometrajes auspiciado por el Fondo Nacional de las Artes. En esta ocasión se premiará a realizadores cinematográficos que presenten trabajos que no superen los 20 minutos. El tema a elección es libre, por lo que se amplía bastante el rango. Se deben presentar 3 copias en Vhs o Dvd del corto con un currículum Vitae adjunto. Los premios van desde los 9.000 a los 1.500 pesos.
La directora del museo del cine, Paula Félix Didier1, encontró junto a su equipo de trabajo una copia del film alemán Metrópolis estrenado en 1927. Lo particular del material hallado radica en que esta versión es tal cual se exhibió en la lejana época de su estreno. Si bien la película no se ha conservado en las mejores condiciones, se someterá en Alemania a un trabajo de restauración que promete una exhibición futura.
En relación al cambio que aporta este nuevo metraje, se destacan escenas que ayudan a la comprensión sobre la participación de algunos de los personajes en la trama argumental. El material ya se encuentra en tierras germanas (fue llevado personalmente por Didier) donde será revisado nuevamente por expertos que decidirán qué destino tomará el mismo. Un final que, con justicia, pondrá a esta gema de la cinematografía universal en una sala de cine nuevamente.
1-Paula Félix Didier es coordinadora y docente de la carrera de crítica de la escuela de cine C.I.E.V.Y.C.
Entre los días 20 y 25 de octubre de este año se realizará un festival cuya convocatoria es de caracter simple e internacional. El ayuntamiento de la localidad de Navarra, en España, convoca a través de Berriozar Films a cortometrajes de ficción, documental y animación que respondan a la consigna que da título al evnto. Se reciben trabajos de cualquier parte del mundo y los mismos serán recibidos hasta el 12 de septiembre.
Para leer las bases y obtener mayor información dirigirse a la web oficial:
Uno de los directores del período clásico que brilló en la comedia, al punto de convertirse en uno de sus reyes, fue el genial Preston Sturges. Junto con Billy Wilder y Ernst Lubitsch coronó un triunvirato magistral que dió lo mejor del género en su larga historia. Entre tantas contribuciones al mundo del cine, Sturges elaboró un decálogo de tópicos que no deben faltar para realizar una comedia exitosa. Claro que éste no fue su único manifiesto, ya que más adelante confeccionó uno sobre los métodos para conseguir llevar adelante una producción. Pero primero vamos con los diez fundamentos para una buena comedia.
1)Una chica guapa es mejor que una fea
2)Una pierna es mejor que un brazo
3)Un dormitorio es mejor que un cuarto de estar
4)Una llegada es mejor que una partida
5)Un nacimiento es mejor que una muerte
6)Una persecución es mejor que una conversación
7)Un perro es mejor que un paisaje
8)Un gatito es mejor que un perro
09)Un bebé es mejor que un gatito
10)Un beso es mejor que un bebé
11)Que alguien se caiga de culo es mejor que todo lo demás.
Seminario de Producción para Cine y TV Dictado por Magali Nieva Duración: 4 encuentros
Viernes 4 de Julio de 18:30 a 20:30 hs Seminario de Dirección Publicitaria, Video Clip, VJ, Medios Alternativos Dictado por Alberto Resano Duración: 4 encuentros
Para reservar tu lugar comunícate a los teléfonos: 4300-7230/1892 4307-7297/6170 cursos@cinecievyc.com.ar
