Una tradición Fantástica: Los Carteles de Sitges

Mientras aguardamos los resultados de la competencia oficial del festival de Cannes, en la que participan dos films argentinos, aprovechamos para repasar un poco los carteles históricos del festival de Sitges.
Sitges es una población catalana localizada en la comarca de Garraf, provincia de Barcelona. En esa ciudad se celebra desde 1967 el festival de cine fantástico más importante del mundo. La programación siempre cuenta con retrospectivas, homenajes y raros estrenos que difícilmente pasen al circuito comercial. Este año la celebración se dará entre el 2 y el 12 de octubre. La fecha les hará pensar por qué nos adelantamos tanto con la información. Primero porque Sitges es un lugar ideal para presentar cortometrajes o trabajos audiovisuales relacionados con el cine fantástico y podría invintar a cualquier persona a enviar sus trabajos. Segundo para destacar uno de los elementos artísticos que hacen de este festival un suceso único. Este último punto se refiere a los afiches que anuncian cada edición de la muestra. En esta galería ofrecemos todos los de su larga historia.





Pangea Day


El sábado 10 de mayo a las 15 hs en la Ciudad Cultural Konex se va a celebrar el "Pangea Day". El evento consiste en la proyección de una serie de films que promueven un cambio social a nivel mundial. Esta muestra va ser emitida simultáneamente a través de internet desde el sitio oficial www.pangeaday.org. Participarán del evento más de 180 países que emitirán películas sobre el tena a la misma hora.

El Nacimiento de un Genio

En algunas oportunidades, los grandes directores comenzaron con trabajos pequeños. Este es el caso del renombrado Orson Welles, que con muy pocos elementos debutaba en el cine allá por 1934 con un cortometraje titulado “The Hearts of Age”. La película fue rodada en dos horas durante una tarde ociosa de domingo motivada por pura experimentación e intentando emular el estilo del francés Jean Cocteau. En esta intersante labor de montaje, que no deja de ser narrativa, Welles nos acerca una visión surrealista, entre otras referencias, del Fausto de Goethe.

En un juego rítmico sustentado por la repetición de algunos fotogramas y la aparición sistemática de ciertos objetos, en este caso unas inquietantes campanas, Orson construye una intriga que involucra a tres personajes entre el cielo y el infierno. Esta elaboración tiene una gran carga expresionista que se manifiesta en la locura de los personajes, la presencia de un maquillaje cargado y la verticalidad del elemento místico religioso.

Como datos curiosos, la obra está co-dirigida por William Vance y actuada por Virginia Nicholson, que además fue la primer esposa del genial realizador.

Encuentros Clack!



JOSÉ LEVY
(Productor)
Presentación del proyecto "CLIPEADO"
El productor nos contará cómo participar en el
concurso de minimetrajes que integrarán la película
CLIPEADO, dirigida por Fernando Spiner.

Miércoles 23 de abril - 19.00 hs.

MARTÍN HODARA
(Director)
Cómo filmar una película clásica en la actualidad.
El co-director de la película La Señal, viene a charlar
de esta película del género cine negro.

Viernes 25 de abril - 19.00 hs.

Reservá tu lugar a los teléfonos
4300-7230 / 1892 4307-6170 / 7297

www.cievyc.edu.ar

www.cinecievyc.blogspot.com

info@cinecievyc.com.ar

The Story of 'Rapunzel'

Ray Harryhausen es el más importante de los creadores de efectos visuales de la historia del cine. Quizás esta frase de apertura sea contundente pero no existe otra forma tan clara para presentar a semejante personaje que desplegó su categoría e innovación a la hora de plasmar lo imposible en la pantalla grande. Su relación con el séptimo arte comenzó cuando de pequeño disfrutó del film “King Kong”(1933) en una sala de Los Angeles. Cautivado por el gran gorila, que sólo quería tener un romance con la blonda Fay Wray, decidió que otros seres fantásticos merecían vivir sus historias a través del cinematógrafo. En su extensa carrera que abarca increíbles trabajos de animación diseñados con la minuciosidad de un artesano perduran algunos títulos como “Jason and the Argonauts” (1963) o “One Million Years B.C.” (1966). Pero lo que presentamos a continuación es nada menos que un cortometraje dirigido por el propio Raymond. La obra se titula “The Story of Rapunzel” (1951) y está realizada bajo la técnico del stop motion. Al mejor estilo de “Caloi en su tinta” los invitamos a disfrutarla.






VI E N C U E N T R O C L A C K ! EL PERIODISMO CINEMATOGRÁFICO INVITADO: LEONARDO D´ESPÓSITO

¨Hay noticias importantes y noticias que no lo son. Hay información urgente (aquella que puede salvar una vida o que afecta inmediatamente a los ciudadanos) y otra que no lo es.(...) Nuestros medios -y muchos periodistas- están dominados por la urgencia. Ser primero no significa ser relevante, ni siquiera -en muchos casos es lo contrario- ser veraz.(...) Me parece que las tres necesidades básicas para un periodista son la buena fe, la veracidad y la relevancia“.
Las anteriores son palabras de Leonardo D´espósito, crítico, docente y periodista, quien entre variadas actividades actualmente forma parte la redacción deCrítica de la Argentina. Fue editor de cine de la revista La Maga (1997-1998). Colaboró en medios nacionales e internacionales (Internet Surf, Radar, Cinemanía, Brando, La Mano, Wired).En 2000, publicó un largo ensayo sobre el cine de Fernando Solanas en la revista-libro francesa CinémAction, editada por René Predal. Es miembro de la filial local de Fipresci y como tal fue jurado del Bafici (2001) y del Festival Internacional du Cinéma d'Animation de Annecy (2004). Es especialista en el campo del cine animado. Durante ocho años, fue editor de cine de Terra Networks Argentina (1999-2007), y allí está alojado su blog www.elbigote.blog.terra.com.ar De sí mismo dice que: tiene 39 años y goza de buena salud.
Los invitamos a la charla que dará el día 28 de marzo, a las 19.00 hs, en Cochabamba 868 – CABA.
La participación es LIBRE y GRATUITA. Se requiere inscripción telefónica: 4300-7230/ 1892 4307-6170/ 7297
www.cievyc.edu.ar - www.cinecievyc.blogspot.com - info@cinecievyc.com.ar

Poca plata Buenas Películas



El director de cine Robert Rodriguez nos regala una clase de 10 minutos sobre como rodar un film con muy bajo presupuesto.

» "Buenos días clase!.

Un director de cine famoso dijo hace mucho tiempo que "todo lo que se necesita saber sobre cine puede aprenderse en una sola semana". Fue muy generoso. Lo pueden aprender en 10 minutos.

Ajusten sus relojes, saldremos en diez minutos, jóvenes.

OK, ¿de modo que quieren ser directores de cine, eh?
(La clase dice a coro: "¡Sí!")


¡Falso! ya son cineastas. En el momento en que han elegido ser cineastas lo son. Hagan tarjetas de visita que digan que son cineastas, denlas a sus amigos, y en cuanto logren pasar la barrera y se consideren ustedes mismos como cineastas empezarán a pensar como uno de ellos. No sueñen con ser un director, ya son directores. Ahora, vamos al grano.


¡Vamos a jugar!


Lo que tienen que aprender es que ser creativo no es lo único que hay en este negocio. Tienen que convertirse en técnicos. La gente creativa nace con eso -es una suerte. La gente técnica no puede ser creativa; es algo que nunca tendrán. No se puede comprar, ni encontrar, ni estudiar. Uno nace con ello.

Hay mucha gente creativa que no quiere aprender cómo ser técnica, así que termina dependiendo de la gente técnica. Conviértanse en técnicos, lo pueden aprender, y si son creativos y técnicos serán imparables.

Experiencia

¿Tienen experiencia en la industria del cine? Sí, la tienen. ¿Ven películas, no? Ahora lo que necesitan es una experiencia que se aprende y no sólo se obtiene viendo películas sino con la cámara. Tomen una cámara y hagan sus propias películas, cometan sus propios errores. Los errores son algo muy subjetivo y de hecho no siempre son errores. Hay errores que son arte para algunos y errores para otros. Usen esa barrera como escondite y digan a todos que se trata de arte, aprendan de los errores y no renieguen de ellos.

Empiecen con un guión

¿Alguien sabe escribir? ¿No? ¿Bien!. Todo el mundo escribe más o menos de la misma manera. Empiecen a escribir a la suya y eso los hará únicos. Pueden tomar clases de escritura pero no vayan a las escuelas de cine para acabar haciendo las películas como los demás. Queremos ver sus propias películas.


¿Cómo se escribe un guión?

Bueno, obviamente no tenemos mucho presupuesto, o de lo contrario no estarían en esta clase... ¿Así que quieren hacer una película sin gastar mucho?. Tendrán problemas a cada momento en el set, y podrán manejarlos de dos formas: creativamente o usando la manguera del dinero. No hay dinero, así que no hay manguera, y lo que tenemos que hacer es crear un guión para una película que puedan hacer sin dejar a sus padres sin monedas. Vamos a hacer una película barata.


¿Cómo se hace una película barata?

Miren a su alrededor, ¿Qué es lo que ven? Usen lo que tienen. ¿Que su padre tiene un bar? Hagan una película sobre un bar. ¿Tienen un perro? Hagan una cinta sobre su perro. Si su madre trabaja en una guardería, hagan una película sobre una guardería. Cuando hice El mariachi tenía una tortuga, una caja de guitarra, un pueblo y decidí hacer una película sobre con estos elementos.


¿Cómo puedo visualizar una película?


Con Storyboards se puede. Pueden previsualizar su película y dibujarla, pero lo que deben hacer es poner su cabeza en blanco y ver su película. Cierren los ojos y quédense ahí. Imaginen una pantalla, imaginen su película. Plano por plano, corte por corte. Quédense allí sentados, desháganse de todo lo externo, de todos los pensamientos de su cabeza excepto los que tengan que ver con su película, y véanla ahí. ¿Es demasiado lenta? ¿Demasiado rápida? ¿Es divertida? ¿Tiene sentido? Véanla y escriban lo que ven, los planos que ven. Y filmen esos mismos planos.


Equipo

OK. Vamos al equipo. Cuanto peor, mejor. No van a usar nada que sea demasiado lujoso. recodemos que es su primera película, aún no son Spielberg. Yo usé esta cámara en "El mariachi", una 16mm, una 16S. Me ayudaba a moverme rápido porque era ligera; era muy ruidosa, así que el sonido se grabó de manera un poco absurda. Pero esta cosa cuesta $2000. No gasten el dinero en esto. Busquen alguien que se las preste. A mi me la prestó un tipo que no la estaba usando en ese momento. La tomé y filmé mi película.


(Apuntando a un pesado y sólido trípode) Miren esto: Es un hermoso soporte, muy sólido, ¿Saben qué es lo que va a pasar? La cámara se va a quedar ahí, la van a dejar ahí porque se ve bien, en este super-trípode. Eso significa que su película va a verse pesada, fija, anclada. Sáquenla de ahí, siéntense en una silla de ruedas, que los empujen y hagan que se mueva, pongan algo de energía en la película. Esa es una de las grandes cosas de las primeras películas. tienen tanta vida, tanta energía... Las grandes producciones nunca podrán emular esa energía, porque tienen trípodes demasiado buenos, hay demasiado equipo humano, y todo va realmente suave y pulido, y eso le quita vida. Pongan vida a su película deshaciéndose de los accesorios lujosos. (De nuevo apuntando el trípode) Demasiado bueno, demasiado pesado - sólo usen sus manos.


Aquí tienen un fotómetro. No es el bueno, rompí el otro. Este es un medidor puntual (spotmeter). Está bien pero es demasiado lujoso. Lo que necesitan es el modelo con la bolita blanca, apúntenlo al sujeto, lean el número, miren a la tabla de conversión (el fotómetro es un gran amigo), ajusten el foco y el diafragma, y ya está. Empiecen a filmar.


No usen demasiada luz. En El mariachi usábamos dos luces, bombillas normales, reguladas para luz interior, así que funcionaban bien. Después todo el mundo decía que la iluminación daba un ambiente triste porque había poca luz... Los errores, las deficiencias, se convierten de repente en expresión artística.


Finalmente, la postproducción

Cuando han acabado de filmar, ¿Qué hacen? (Toma un mezclador de video). Estos son sus amigos. Los sistemas de edición de video, los sistemas de edición por computadora... Es inmediato. Es fácil. Es barato. No editen sobre la película. La película es su enemiga. Pueden filmar en película pero no editen la película. Si alguno de ustedes quiere editar en película que salga de mi clase ahora mismo. Gástense $20.000 en una escuela de cine y háganlo. Nunca encontrarán un trabajo. Créanme.


En la actualidad, todo se hace en ordenadores o video. La película es lenta, cara no es creativa... Se tarda demasiado. Lo que yo hago es editar sobre video. Filmé El mariachi por nada. Lo edité en video. Tenía un master en video de 3/4" precioso, porque transferimos directamente desde la película. Calidad 35mm. Limpio. Hice copias en VHS y las mandé a todo Hollywood. Nunca imprimí una copia en película. (toma un trozo de película de cine) Una pérdida de dinero. Hay que empalmarla, tensarla, se degrada, es carísima de duplicar. El positivo se pone en cinta de video, donde es fácil de ver, duplicar y tener sus trabajos.


OK. Ya hicieron su película, la editaron, la mandaron, y empiezan a recibir ofertas. ¿Qué hacen? Lo primero es conseguir un agente. Enseguida. Hollywood está lleno de tiburones, contratad a uno que trabaje para ustedes. Estos tipos van y consiguen los mejores negocios, los mejores precios, te mandan las mejores películas.


Lo que han aprendido es lo que nadie más ha hecho. Cómo hacer una película barata. Nadie en Hollywood sabe cómo hacerlo. Ustedes son los que pueden hacer que las producciones sean baratas, pueden hacerlas mejores. No dejen que el sistema los trague, saquen partido de su posición.


Personalmente sigo haciendo películas de bajo presupuesto, que parecen de alto porque aprendí las técnicas que les mostré hoy.


Bueno, tengo que volver a mis películas, así que espero que hayan aprendido algo hoy. Espero que tomen algunas de esas cámaras y filmen algo ustedes mismos. Espero que escriban las ideas que tienen, los sueños que tienen.


Basta de aspirar a algo, empiecen a hacerlo.


Nos vemos en Hollywood, ¡tengan cuidado!"«

(Esta es una traducción libre de un escrito cuyos derechos y © pertenecen al mismo Rodríguez.)

16 Razones para amar Two Lane Blacktop - por Richard Linklater


Porque es la mas pura road-movie norteamericana

Porque parece una película para el autocine dirigida por un director de la nouvelle vague.

Porque lo único que puede interponerse entre un chico y su obsesión por un auto es una chica, y
Lori Bird arruina perfectamente esa comunión entre el Conductor, el Mecánico y el Automóvil.

Porque Dennis Wilson brinda la mejor actuación hecha alguna vez por un conductor.

Porque James Taylor parece un refugiado de una película de Robert Bresson.

Porque alguna vez hubo un dios que camino la tierra llamado Warren Oates.

Porque todavía se discute sobre cuál es efectivamente el protagonista en esta película. Existen diferentes bandos, para algunos es el Chevy 55, para otros es el GTO.

Porque tiene el final mas puramente cinematográfico de la historia.

Porque es como un western. Los flacos parecen viejos pistoleros listos para desafiar el arma más rápida del pueblo. Aunque ellos no hablan de viejas conquistas sino de otros viejos autos que han tenido.

Porque Warren Oates usa un sweater de cachemira distinto según la ocasión. Y, por supuesto, por el minibar en su baúl.,

Porque, a diferencia, de otros films de la época, con su diseñada alienación de la Cultura de la Droga y de las protestas contra la guerra, esta película trata sobre la alienacion de cualquiera de los otros, como “American Comes Alive” de Robert Frank.

Porque Warren Oates pide una hamburguesa y un Alka Seltzer y dice algo como “todo va demasiado rápido… y no lo suficientemente rápido”.

Porque es el ultimo film de los ‘60s –aunque haya salido en el ’71- y, al mismo tiempo, el primero de los ‘70s. Ustedes saben, la gran era de las películas tipo “cómo mierda fue posible que hayan logrado que un Studio haga esta película/Hollywood nunca haría esto hoy”.

Porque los motores nunca sonaron tan bien en una película.

Porque estos dos jóvenes en su viaje a ningún lado no saben hablar. El Conductor realmente no conversa cuando esta tras el volante, y el Mecánico realmente no habla cuando esta trabajando en el auto. Por eso es que esta es una experiencia primariamente visual, atmosférica. Mirar esta película correctamente significa ser absorbido por ella.

Y, por sobre todo esto, Two-Lane Blacktop recorre y lleva al extremo esta idea. Y eso es una cosa rara en este mundo; una película completamente honesta.



La ironía los hara libres - Death Race 2000 (Paul Bartel, 1975)

Este posteo debería llamarse "Corman lo logra de nuevo": acción, persecuciones, hermosas féminas, ritmo vertiginoso y mucha dinamita ideológica para un film con inescrupulosos guiños a Metrópolis que se transformó con los años en objeto de culto. En un futuro año 2000, los Estados Unidos disfrutan un gobierno dictatorial con matices místicos y el país entero se entretiene cual coliseo romano celebrando una carrera anual con pilotos de la muerte. Cinco magníficos para la última edición: Nerón, una Barbie que parece Penélope L´Amour salida de Hustler, otra fanática del nazismo oriunda de Milwaukee, un pseudogangaster histérico de Chicago (un ex
porno Sylvester Stallone) y un biónico corredor enmascarado, Frankenstein (David Carradine), esperanza blanca del Presidente (líder espiritual del régimen). En esta justa no hay buenos. Es más, la identificación pasa por estar del lado del menos malo o del villano más misterioso. Con un notable elenco de tipos duros, este film nos transporta hacia una siniestra masacre, de la que no se salvarán ni siquiera los niños: el puntaje se resuelve según las edades de cada ser humano atropellado. Trucajes, montaje efectista-didáctico, una cohesión narrativa digna de envidia pero insufrible en términos generales… Quizás el único defecto pase por las altas pretensiones en los temas que se quiere abarcar; por momentos hay críticas a los medios de comunicación, a la institución gubernamental, a la moral de los ciudadanos y a la iglesia. Todo esto sumado a la lucha de un movimiento de resistencia que planea atentados, una historia de amor, un grotesco diseño visual en vehículos y vestuario y el erotismo más barato propio de la época y de la exploitation. Y todo contado en menos de 80 minutos.
Como dato curioso, muchas de las escenas de autos fueron filmadas en las calles sin permiso y a alta velocidad, Stallone, Carradine manejaron en muchas de ellas sin usar dobles, y hasta el mismo Corman manejó autos para abaratar el costo del film. Tarantino, télefono…!

Dr. Insólito y el cine de Stanley Kubrick


Los editores del blog, en mesa redonda, discutieron los resultados de la encuesta sobre la obra de Stanley Kubrick. Lo que sigue a continuación son los extractos más jugosos y los que se pueden rescatar.



[…]

Raúl: Sinceramente, creo que Dr. Insólito no es su peor película. Supongo que los que aman a Tim Burton y su Mars Attacks! no deben haber votado en contra de este film…

Sebastián: Creo que no es la peor película de Kubrick pero debería serlo. Seguramente Espartaco es peor. Pero es una película anclada en los ’60. Esta sátira transgresiva está tan de modé como la camisa con volados de Polanski cuando se casa, en pleno swinging London, con Sharon Tate (dios la tenga en la gloria). Siempre pienso que Polanski se debe avergonzar de esa camisa como Kubrick de esta película.

Raúl: Como siempre, estás hablando de otra cosa. Lo que pasó con el tiempo nunca lo pudimos calcular… Volvamos a la película…

[…]

Darío: …yo no confundiría Kubrick con el cubo Rubik. (N. del E: cubo mágico)

Raúl: …

Sebastián: No pará, porque él decía que no es gratuita la mención.

Darío: Pensá esto…

Sebastián: …el cubo mágico es un juego tan gélido y cerebral como Kubrick…
Darío: Pensá esto: ¿qué es lo que más atrae a primera vista de Kubrick?

Raúl: Ahí va, esa es la cuestión. Porque habría que diferenciar la paja del trigo. Habría que ver si lo que se suele valorar de su cine no son simplemente los tópicos: la violencia, la transgresión, el aislamiento del hombre moderno…

Sebastián: …pero pará: ahí ya hay un tema relacionado con la puesta en escena. Este último problema tiene que ver con la marca de estilo fundamental del tipo, que es el plano general.

Raúl: Pará, a eso iba y no me dejaste terminar. Creo que, justamente, lo que falta es mayor atención a la traducción estética de sus obsesiones temáticas. Lo que vos marcás sobre el uso de la cámara fija es central: todas las tensiones están vistas antes que pensadas, los personajes y sus características, el medio del cual provienen, su relación con las instituciones que los enmarcan, todo eso queda implícito a un simple vistazo.

Sebastián: A mí lo que me sugiere esto es, lo que siempre se suele criticar, que Kubrick tiene agua en las venas. No creo que sea un Nicholas Ray, que realmente le preocupe de manera pasional la relación hombre-institución, sino que quizás ese es el tema que mejor se ajuste a esa puesta en escena aséptica que le interesa plasmar.

Raúl: Decis entonces que en Kubrick hay, antes que la exposición de temas pesados, una idea estética…

Darío: (que se mantuvo observando la fragilidad de una brasa que cae)…a eso me refería con el cubo Rubik. En Kubrick la forma se transforma en un vicio. Cuando veo una película de Stanley, no dejo de pensar en que esa puesta gélida nunca dejó de ser la mirada de un fotógrafo: aquél que siempre toma distancia del objeto como quien quiere protegerse.

[…]

Bye Bye Life

Se ha ido un hombre que supo construir una larga carrera como actor secundario. Roy Scheider acaba de fallecer a los 75 años. Muchos medios recordarán su participación en "Tiburón", pero la trayectoria de Roy va mucho más allá de ese film. Tan sólo hace falta evocar obras como "Sorcerer" de William Friedkin o "Marathon Man" de John Schlesinger para dar cuenta de su solvencia actoral. En esta revisión es inevitable no mencionar una extraña película para la tv norteamericana en la que interpretó al periodista argentino, torturado por la dictadura militar, Jacobo Timerman. El nombre del telefilm es "Jacobo Timerman: Prisioner Without a Name, Cell Without a Number". Desde aquí lo despedimos con el espectacular y emotivo final de "All That Jazz".

La trayectoria y el temperamento


Lanzado por la 20th Century Fox en 1971, este oscuro film se ha vuelto objeto de culto y homenaje en el correr de los últimos 20 años. De Guns n Roses, Primal Scream, Audioslave desde sus discos y clips, hasta la última Death proof de Quentin Tarantino, Vanishing point parece alzarse como un fuerte polo de referencia para expresiones artísticas que continúen deshilachando visiones excesivas de la libertad y de la resistencia a lo establecido, así como de ciertos componentes inconscientes del ser norteamericano.
El argumento parece bastante simple: el extraño empleado de un servicio de entregas de vehículos pretende llevar, a base de anfetas y callada desesperación, un automóvil deportivo desde Colorado hasta San Francisco en menos de 15 hs., cosa imposible además de suicida. A partir de allí, las fuerzas del orden de tres estados, intentando detener un exceso de velocidad, desplegarán una cacería violenta y totalmente desproporcionada en relación a la transgresión vehicular. Por sobre su constelación de citas, que incluye una remake para televisión de 1997 con Viggo Mortensen, la película de Richard C. Sarafian sigue sosteniéndose por méritos propios. Tanto la edición como la composición de las imágenes conjugan toda la horizontalidad necesaria para llegar a empatizar con la carrera demencial de uno de los personajes más herméticos del cine americano moderno a través del mismo desierto que esa misma tradición cinematográfica supo inventar. El ritmo de corte, las tomas aéreas y panorámicas e incluso el uso del zoom moldean un tour de force en el cual el Dodge blanco, y ya ni siquiera ese Kowalski conductor, se vuelve un demonio imparable, un ángel exterminador. Quien haya visto Vanishing point lo recuerda. La intensidad del film brota del movimiento del auto, la materia puesta en juego en el espacio. Hay quien dirá que el cine no puede ser más que esto.


Pero hay algo más. Y es que lo más provocante de Vanishing point tal vez radique en lo irracional de todo. Si la huida y la velocidad anudan la gran metáfora de la desobediencia, lo absurdo de los acontecimientos y lo desmedido de las reacciones hacen surgir un clima cuasikafkiano de sinsentido y desolación que también impregna al espectador. Lo único que se sabe es que el protagonista de la historia no ha cometido ningún crimen. Si bien unos pocos y aislados flashbacks aportan retazos sobre los fracasos de Kowalski –un Mr. K sin nombre propio…-, éste nunca se apoya en ellos como justificación. La narración juega erráticamente con el clásico vínculo entre información y motivación: no se retroalimentan. Es así como el film prefiere tender a lo contemplativo: busca exhibir la ilógica y lenta pero progresiva autodestrucción de un ser en un mundo que, ante tal espectáculo, se vuelve loco y decide perseguirlo, detenerlo, destruirlo él antes de que lo logre. Lo que nunca quedará realmente claro es cuál de los dos había enloquecido primero.


Si Vanishing point puede interpretarse en clave política como film anticonservador, enfrentado con una Norteamérica racista y antihippie, es decir con enemigos muy precisos, la alternativa no consiste aquí en responder, en ponerse de pie frente al sistema, actitudes sí pretendidas por diversas experiencias políticas vividas los años anteriores en los Estados Unidos. La “línea política” de Vanishing point tal vez sea menos clara aunque más filosa. La autoaniquilación elevada a la categoría de gesto mudo de resistencia, tan grandilocuente como el ataque de contención ante el que se activa, es la gran estrategia del film para exponer la básica irracionalidad de las instituciones de control social, las que ya ni saben qué ni por qué lo hacen. Por entre ellas circula, no menos indescifrable, el sujeto. Kowalski es una nada tan grande como el Estado que lo persigue, y lo sabe. Pero a nuestros ojos, la fidelidad que él ha encontrado para consigo mismo, para con Su Nada, es el punto de identificación más fuerte, la punzada verdaderamente fuerte de Vanishing point; el punto de encuentro, incluso, con la mejor escuela de la narrativa clásica americana (la mano de Guillermo Cabrera Infante en el guión, alias Guillermo Cain, se hace muy palpable). Llegado ese punto, ya no importa por qué, pero Kowalski no puede, no va a detenerse. Porque ha atravesado el punto en el que un ser humano llega a enfrentarse a sí mismo en el escenario de un mundo que no permite esa clase de encuentros, un mundo que se come a sí mismo sin saber por qué. Cerca del desvanecimiento, Kowalski habrá reaprendido las viejas lecciones de los Welles y los Ford: abandonando el mundo, incluso para salvarlo aún tratándose del mundo más hipócrita, un hombre tiene que hacer lo que tiene que hacer si considera que llegar a ser un hombre es algo que todavía tiene sentido. Cada quien sabrá qué. Kowalski corre.

Los Candidatos






Luego de muchas especulaciones se dió a conocer la lista de nominados que buscará alzarse con la mítica estatuilla dorada. A partir de ahora empiezan a correr las apuestas.

Mejor película:

* ‘Juno’

* ‘Michael Clayton’

* ‘Pozos de Ambición’

* ‘No es País Para Viejos’

* ‘Expiación: Más Allá de la Pasión’


Mejor director:

* Julian Schnabel (‘La Escafandra y la Mariposa’)

* Jason Reitman (‘Juno’)

* Tony Gilroy (‘Michael Clayton’)

* Joel Coen y Ethan Coen (‘No es País ara Viejos’)

* Paul Thomas Anderson (‘Pozos de Ambición’)


Mejor actor:

* George Clooney, por ‘Michael Clayton’

* Daniel Day-Lewis, por ‘Pozos de Ambición’

* Johnny Depp, por ‘Sweeney Todd’

* Tommy Lee Jones, por ‘En el Valle de Elah’

* Viggo Mortensen, por ‘Promesas del Este’


Mejor actriz:

* Cate Blanchett, por ‘Elizabeth: La Eddad de Oro’

* Julie Christie, por ‘Lejos de Ella’

* Marion Cotillard, por ‘La Vida en Rosa’

* Laura Linney, por ‘The Savages’

* Ellen Page, por ‘Juno’


Mejor guión original:

* ‘Juno’, Written by Diablo Cody

* ‘Lars and the Real Girl’, Written by Nancy Oliver

* ‘Michael Clayton’, Written by Tony Gilroy

* ‘Ratatouille’, Screenplay by Brad Bird, Story by Jan Pinkava, Jim Capobianco, Brad Bird

* ‘The Savages’, Written by Tamara Jenkins


Mejor guión adaptado:

* ‘Expiación’, Screenplay by Christopher Hampton

* ‘Lejos de Ella’, Written by Sarah Polley

* ‘La Escafandra y la mariposa’, Screenplay by Ronald Harwood

* ‘No es País Para Viejos’, Written for the screen by Joel Coen & Ethan Coen

* ‘Pozos de Ambición’, Written for the screen by Paul Thomas Anderson


Mejor actor secundario:

* Casey Affleck, por ‘El Asesinato de jesse James por el Cobarde Robert Ford’

* Javier Bardem, por ‘No es País Para Viejos’

* Philip Seymour Hoffman, por ‘La Guerra de Charlie Wilson’

* Hal Holbrook, por ‘Hacia Rutas Salvajes’

* Tom Wilkinson, por ‘Michael Clayton’


Mejor actriz secundaria:

* Cate Blanchett, por ‘I’m Not There’

* Ruby Dee, por ‘American Gangster’

* Saoirse Ronan, por ‘xpiación: Más Allá de la Pasión’

* Amy Ryan, por ‘Adiós Pequeña Adiós’

* Tilda Swinton, por ‘Michael Clayton’


Mejor película de lengua extranjera:

* ‘Beaufort’ (Israel)

* ‘The Counterfeiters’ (Austria)

* ‘Katyń’ (Polonia)

* ‘Mongol’ (Kazakhstan)

* ‘12’ (Rusia)


Mejor película de animación:

* ‘Ratatouille’

* ‘Persépolis’

* ‘Locos por el Surf’

Cine y Sol




El Instituto Nacional de Cine programará del 24 de enero al 6 de febrero una selección de films argentinos estrenados durante el 2007. Con la promoción de dos entradas al precio de una, se espera una gran afluencia de espectadores en las salas de Buenos Aires, Mar del Plata y Pinamar, que es donde regirá la oferta del ciclo. Las películas que forman parte de la programación son las suiguientes:

PELÍCULAS Forman parte de esta programación

- Argentina latente. Dirección, guión, textos y relato: Fernando E. Solanas

- Ciudad en celo. Dirección y guión: Hernán Gaffet

- ¿De quién es el portaligas?. Dirección y guión: Fito Páez

- El arca. Dirección: Juan Pablo Buscarini

- El otro. Dirección y guión: Ariel Rotter

- Encarnación. Dirección: Anahí Berneri

- Hacer patria. Dirección: David Blaustein

- Incorregibles. Dirección y guión: Rodolfo Ledo

- Isidoro. Dirección: José Luis Massa

- La antena. Dirección y guión: Esteban Sapir

- La señal. Dirección: Ricardo Darín y Martín Hodara

- Las mantenidas sin sueños. Dirección: Vera Fogwill y Martín Desalvo

- M. Dirección y guión: Nicolás Prividera

- Martín Fierro, la película. Dirección: Norman Ruiz y Liliana Romero

- Música nocturna. Dirección: Rafael Filippelli

- Pulqui, un instante en la patria de la felicidad. Dirección y guión: Alejandro Fernández Mouján,

- Quién dice que es fácil?. Dirección: Juan Taratuto

- Una novia errante. Dirección: Ana Katz


Ganadores Globos de Oro 2008



En una ceremonia atípica, en la que faltó el glamour y la alfombra roja debido a la huelga de guionistas, la nueva edición de los Globos de Oro tuvo a los siguientes ganadores:

Mejor Película Dramática:

"Expiación - Más allá de la pasión"

Mejor Actriz en Película Dramática: Julie Christie por “Lejos de ella”

Mejor Actor en Película Dramática: Daniel Day-Lewis por “Pozos de ambición”

Mejor Película Musical o Comedia: “Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet”

Mejor Actriz de Película Musical o Comedia: Marion Cotillard por La vida en rosa

Mejor Actor de Película Musical o Comedia:Johnny Deep por Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet

Mejor Actriz de Reparto: Cate Blanchett por “I’m not There”

Mejor Actor de Reparto: Javier Bardem por “No Country for Old Men”

Mejor Película Animada: “Ratatouille” (Pixar)

Mejor Película Extranjera: “La escafandra y la Mariposa” (Francia)

Mejor Director: Julian Schnabel por “La escafandra y la Mariposa”

Mejor Guión: Ethan y Joel Cohen por “No Country for Old Men”

Mejor Banda Sonora Original: Eddie Vedder, Michael Vedder, Kaki Vedder por “Hacia rutas salvajes”

Mejor Canción: Eddie Vedder por “Guaranteed” en “Hacia rutas salvajes”

Mejor Serie Dramática: “Mad Men”

Mejor Actriz de Serie Dramática: Glenn Close por “Damages”

Mejor Actor de Serie Dramática: Jon Hamm por “Mad Men”

Mejor Serie Musical o Comedia de TV: “El séquito”

Mejor Actriz de Serie Musical o Comedia de TV: Tina Fey por “3D Rock”

Mejor Actor en Serie Musical o Comedia de TV: David Duchovny por “Californication”

Mejor Mini-Serie o Película hecha para TV: “Longford”

Mejor Actriz de Serie o Película hecha para TV: Queen Latifah por “Life Support”

Mejor Actor de Serie o Película hecha para TV: Jim Broadbent por “Longford”

Mejor Actriz Secundaria de Serie Mini-Serie o Película hecha para TV: Samantha Morton por “Longford”

Mejor Actor Secundario en Serie Mini-Serie o Película hecha para TV:

Jeremy Piven por “El séquito”

Para cerrar siempre es bueno recordar que generalmente los films y actores que obtienen este galardón casi siempre se alzan con el Oscar de ese año.




Leccion de Cine de Alfred Hitchcock

El gran maestro del suspense nos enseña de manera directa y a través de un ejemplo como se debe llegar al climax de una escena. Para aprender e imitarlo.

Cada cual atiende su juego

Aprovechamos el fin de año para inaugurar una nueva sección en la que se podrán ver los cortos hechos por los estudiantes del Cievyc. Sería interesante que puedan expresar sus opiniones sobre los cortos para que se abra el debate.
Acá va el primero:
"Cada cual atiende su juego" (2007) de Daiana Rubio

La Ciudad que Huye

La prestigiosa cineasta salteña Lucrecia Martel nos da su visión sobre una problemática social que se ve reflejada en las nuevas planificaciones urbanas. Los countrys o barrios cerrados son el fenómeno a retratar por la mirada de la directora en este corto documental realizado para una muestra itinerante de la facultad de arquitectura de la Universidad de Buenos Aires.

VI Festival Internacional de Cortos de Punta del Este

CENTRO CULTURAL Y BIBLIOTECA POPULAR

CARLOS SÁNCHEZ VIAMONTE

Cineclub La Rosa

Se encuentra abierta la recepción de trabajos para el 6º Festival Internacional de Cortos de Punta del Este

Como sucedió el año pasado, la Biblioteca Carlos Sánchez Viamonte y el Cineclub "La Rosa" son los puntos de referencia porteños para este encuentro que ya es un clásico rioplatense.

Entre las novedades más destacadas, la nueva edición se realizará de manera conjunta con el 11º Festival Internacional de Cine de Punta del Este, que exhibe destacadas películas de todo el mundo, junto a figuras invitadas, lo que supone un atractivo extra para la competencia de cortometrajes.

Los cortos se recibirán en nuestra sede, Austria 2154 (1425) Ciudad de Buenos Aires, desde el martes 6 de diciembre.

Adjuntamos las bases, que también están disponibles en nuestra página web.

Hitchcock según Scorsese

Es muy común que los grandes directores de cine trabajen rodando publicidades, claro que la elección del producto siempre tiene que ver con una seductora propuesta artística y cierta libertad en la realización. La marca española de champagne Freixenet convocó en esta ocasión al neoyorkino Martin Scorsese para realizar un corto publicitario de nueve minutos. Las consignas fueron la aparición de una botella de bebida de la firma, un brindis y la palabra "reserva" en el título del film. Veamos el resultado:

Como se puede apreciar, Scorsese no dudó en honrar a uno de los más grandes maestros del cine como lo es Alfred Hitchcock. Para los más cinéfilos queda abierta la trivia para descubrir cuáles son las películas citadas.


100 Años De Terror Argentino

Este cortometraje fue realizado por Adrián García Bogliano ("Habitaciones para Turistas", "Grite una noche", "36 Pasos" y "No morire sola") en su época de estudiante. El mismo nos introduce en la curiosa historia del género de terror en el cine nacional.

"La Cruz de Hierro" (Cross of Iron), 1977 Por Retro


En 1941, la Wehrmacht, los señores de la guerra teutones, desatan una de las peores carnicerías humanas en su campaña y ocupación en el frente del Este. Ahora, tras su derrota en Stalingrado, se baten en una retirada -que fue más bien una desbandada-, en la que la represalia rusa convirtió al frente en una tierra de nadie donde se vivieron escenas de consumado salvajismo. No es raro que Sam Peckinpah elija este panorama para ir por primera vez a la guerra. Y teniendo en mente a sus atípicos héroes, tampoco sorprende que los protagonistas sean un batallón del ejército alemán. Liderados por el Sargento Steiner (James Coburn), tratan de escapar a la avanzada rusa. El problema es que quedaron detrás de las líneas enemigas por la traición de un cobarde militar aristocrático que quiere deshacerse de él -ya que puede atestiguar en contra de su valor- para conseguir la Cruz de Hierro. Steiner no se engaña con el sueño del Fuhrer del Reich de los mil años, es un fatalista pero con chispazos de moral entre la infinita miseria que lo rodea. Estos conflictos se dibujan sobre un fondo de cámaras lentas que se demoran sobre soldados remachados a balazos y escupiendo baldazos de sangre y cuerpos lacerados por las trincheras. La Cruz de Hierro trasunta -más allá de su mensaje contra la manipulación de la vida de muchos por parte de unos pocos- fascinación por la guerra y por sus señores; y desnuda la fijación fetichista con aquella prenda adorada de la tradición marcial prusiana: la Cruz de Hierro. Steiner nos lleva allí donde crece la Cruz de Hierro, a las entrañas del campo de batalla, y Peckinpah orquesta uno de los más imponentes filmes de guerra jamás filmados. Director: Sam Peckinpah. Elenco: James Coburn, Maximilian Schell, James Mason y David Warner. Género: Bélica.

Lunes 26, 22 hs por canal Retro

Le charme discret de la bourgeoisie / El discreto encanto de la burguesía (1972)


El discreto encanto… es la perfecta realización de aquella definición de François Truffaut: “el cine es una traición bien organizada a la realidad”


Si en El ángel exterminador un grupo de mexicanos de clase alta tratan de retirarse de un
Cocktail sin poder lograrlo (sabe Dios por que razón), en El discreto encanto de la burguesía un grupo de igualmente acomodados franceses tratan de juntarse sin éxito para celebrar una cena. Los seis sofisticados personajes tratan constantemente de celebrar un rendez-vous, que cada vez es fatalmente interrumpido por irrupciones de lo racional y lo irracional: amoríos ilícitos, trafico de drogas, maniobras militares, amenazas de un grupo guerrillero latinoamericano, sueños contados por extraños, sueños que ellos soñaron y sueños que ellos soñaron que otros soñaron.
En vena surrealista, Buñuel juega con la repetición al absurdo de una frase o una situación, pero logrando no romper la verosimilitud, acumulando obstáculos inesperados que –prueba del genio del maestro- nunca parecen absurdos o extravagantes.

Con: Fernando Rey, Jean-Pierre Cassel, Stéphane Audran, Paul Frankeur

Dir.: Luis Buñuel

Por Canal Retro:

Arg: Miércoles 14, 22 hs / Domingo 18, 22 hs.

Mex: Miércoles 14, 19 hs / Domingo 18, 19 hs.

VI EDICION DEL NOTODOFILMFEST


Ya arrancó el prestigioso festival mundial de cortos Notodofilmfest Festival Jameson de Cine Destilado que recibirá obras hasta el 8 de Enero de 2008. Esta VI edición cuenta con nuevo director, y es nada menos que el realizador español Bigas Luna ("Jamón jamón", La Teta y la Luna"), que por otra parte también será miembro del jurado. Entre los tantos jueces que tendrá el certamen, se encuentran muchos directores reconocidos de los que se destacan Javier Fresser ("La Gran Aventura de Moradelo y Filemón") y Guillermo del Toro ("El Laberinto del Fauno"). La suma de 50.000 euros que se repartirá en premios es más que jugosa y debería alentar a todos aquellos que amen la dirección a enviar un trabajo. También se otorgarán becas para estudiar en el NY Film Academy y en el Instituto Europeo Di Desing.
Si bien las bases se encuentran en la web oficial del festival, pueden participar ciudadanos de cualquier país del mundo que envíen gratuitamente cortos que no pesen más de 10mb y que no superen los 3 minutos de duración. A por ellos!!

Enlace Oficial: http://www.notodofilmfest.com/

LOS REYES DE LA COMEDIA

Si tuvieramos que escoger a uno de los máximos exponentes de la comedia dentro del cine mudo seguro que Charles Chaplin sería uno de ellos, pero si extendiésemos esta búsqueda hacia el cine sonoro, nadie dudaría de citar al gran director Biily Wilder como una prolongación de esta genialidad. La admiración del director vienés por Chaplin está plasmada en muchos momentos de su filmografía. Este clip es una sobrada prueba prueba de ello.

ESPERANDO "PROMESAS DEL ESTE"

Mientras aguardamos el estreno de su nuevo film "Eastern Promises", deleitémonos con este corto homenaje al director canadiense David Cronemberg realizado por Jim Emerson de Chicago Sun-Times.



El trabajo se llama "Written in The Flesh" y contiene imágenes de las películas "Videodrome", "The Fly", "Crash" y "A History of Violence" entre otras.

MARFICI 07


Por estos días en La Feliz se celebra un festival de fuste

MARFICI (Festival Internacional de Cine Independiente de Mar del Plata IV edición – del 2 al 11 de noviembre)

http://www.festivalmdp.org/2007/

El Marfici, título poco agraciado que resulta de la combinación de BAFICI y Mar del Plata, se inició de manera convulsiva cuando el entonces director del Festival de Cine Independiente de Buenos Aires (más conocido como Quintín) asume la conducción del festival marplatense, lo que le vale el despido del festival porteño. Las autoridades de Cultura, denuncian que utilizó un cargo público para llevar arena a su propio costal en la forma de contactos y películas para un festival privado, o eso es lo que justifica el cumplimiento de una vendetta que se veía venir hace tiempo. Así de peligrosas son las aguas de la gestión pública. Pero el festival actual esta calmo y tranquilo y sin mucha publicidad, presenta una programación interesante –para quien por alguna casualidad está por ahí-:

Klimt de Raul Ruiz: el director chileno radicado en Francia promete algo interesante con su biografía del genial pintor vienes -Ruiz ya había sorprendido con su mirada a la vida del escritor Marcel Proust- y un documental del tarkovskiano Alexander Sokurov. Abundan las secciones musicales (gesto común –y algo demagogo- de los festivales vernáculos en búsqueda de una complicidad asegurada con el público joven) entre las que figuran Mondo Tributo (documental sobre las insoportables bandas tributo) que tiene alumnos de la escuela en su realización. De afuera un docu sobre la banda psicodélica Love y la probablemente bizarra Joyside sobre una banda china de punk y un par de secciones de terror y cine bizarro.

BUENOS AIRES ROJO SANGRE


BUENOS AIRES ROJO SANGRE (Festival Internacional de cine ultraindependiente de terror, fantástico y bizarro VIII edición - del 1 al 7 de noviembre)

De las catacumbas de la facultad de ciencias sociales al complejo Tita Merello, ya no se puede decir que esto sea un fenómeno marginal. De una programación extensísima, proponemos a la la abrumadora legión de fans del terror que nos recomienden con que nos podemos angustiar este año.

Todas las funciones son en el complejo Tita Merello -Suipacha 442
Valor de la entrada: $5 por función.

Para mayor información o consultar la grilla de programación, este es el link oficial del Festival: http://rojosangre.quintadimension.com/