cievyc

Hatari cine: http://www.hataricine.com.ar/

2010-04-12T11:59:00.003-03:00

http://www.hataricine.com.ar/

4to C ONCURSO RAYMUNDO GLEYZER 2010

2010-03-31T14:55:00.002-03:00

El INCAA informa que está abierta la inscripción para el 4º Concurso Federal de Proyectos de Largometrajes Raymundo Gleyzer 2010. El mismo constará con un amplio programa de capacitación en distintas zonas del país y luego con 6 premios de 20.000 pesos cada uno (uno por cada región del país) para el desarrollo del film y la posibilidad de presentarlo ante el comité de preclasificación (2ª o 5ª vía). Este año, además, podrán participar proyectos de los países del Mercosur.

La recepción de proyectos será del 1º de abril al 1º de junio de 2010.
La lectura y selección será del 2 junio al 2 agosto de 2010.
Las clínicas de capacitación serán entre agosto y noviembre de 2010.
El Anuncio de los ganadores por región se producirá entre diciembre de 2010 y enero de 2011.

La Madre un film de Gustavo Fontán

2010-03-10T16:43:00.002-03:00

Cine Gaumont

Av Rivadavia 1635 - Centro
Horarios 13.15 - 14.40 -19.20 - 20.40

Guión: Gustavo Fontán, Alicia Rey
Intérpretes: Gloria Stingo, Federico Fontán, Marisol Martínez
Fotografía: Diego Poleri
Edición: Marcos Pastor
Dirección: Gustavo Fontán

por David Obarrio

en Cinemarama

Qué es esta extraña película. No sabemos. Tendemos a perdernos en ella, dentro de sus imágenes, de su ambiente, en sus inquietantes murmullos y en la circularidad casi maníaca con la que las acciones de los personajes horadan discretamente sus planos. Misterio y más misterio. Mejor para nosotros: La madre, en algún punto, es todo ganancia, porque ¿cuántas veces en el cine que nos deparan nuestros días uno tiene la oportunidad de sentir que nada en una película le es dado sino que, por el contrario, todo hay que ir a buscarlo –y sin embargo está ahí, tan lejos, tan cerca, en parte es cuestión de voluntad – como se va detrás de un pensamiento, un recuerdo o un sueño que despiadadamente se escabullen dentro nuestro? Hay que jugar, dejarse ir en esta película, abandonarse a la lógica aparentemente amorfa con la que sus planos se suceden, siempre dotados sin embargo de un raro esplendor diurno, una condición irrenunciable de materialidad.
Es que Fontán no cede un ápice a la tentación de refugiarse en un onirismo fácil para poder así justificar de un modo espurio la ausencia de una narración lineal y de una progresión dramática en su película. Y por qué habría de hacerlo. Por el contrario, las escenas de La madre son implacablemente concretas sin perder por ello su cualidad misteriosa (milagros del cine): la madre que se tambalea con la copa de vino en la mano o permanece en el jardín bajo la lluvia, o deja el cigarrillo apoyado en el colchón. En algún momento, la voz de su hijo adolescente que la llama –“mamá,” dice, “¡qué hiciste, mamá!” – y la voz en off de la mujer empieza a contar el fragmento de un sueño que es maravilloso, y también aterrador, y que retoma luego con parsimonia, una y otra vez. Y de nuevo a empezar. El chico, por su parte, tiene sexo con una mujer que tal vez sea su novia y que aparece de a ratos por la casa, o se dedica a darle sepultura en el jardín al cadáver ya rígido del perro, mientras el ojo abierto del animal parece que permaneciera expectante hasta el último adiós, antes de que las paladas de tierra terminen de quitarlo de la vista del mundo. La película parece postular una conexión obligatoria entre la madre degradada por la soledad y (acaso) el abandono, y la serena perplejidad del hijo que deambula por la casa y por los alrededores ante el universo que se abre delante suyo.
La madre es una película en la que abundan escenas cuyo significado es perfectamente legible pero que a pesar de ello no sabemos cabalmente cómo hay que interpretar. Como en El árbol o en La orilla que se abisma, Fontán se revela como un cineasta preocupado en extremo por el peso de los detalles, que se evidencia por ejemplo en el extraordinario trabajo con el sonido y con la luz. Solo los fragmentos le importan al cine, parece decir. La tarea de Fontán como director entonces, podría ser la captura incesante de esos segmentos sueltos del mundo, esos destellos con los que todo parece iluminarse brevemente, para volver luego a su inconsolable opacidad.

Logorama, el corto producido por Nicolás Schmerkin,

2010-03-09T00:12:00.002-03:00

En la última ceremonia de los premios Oscar hubo un corto producido por un argentino que se llevó una estatuilla dorada en la categoría Mejor corto de animación. Aquí está para disfrutar:
Parte 1

Parte 2

Metrópolis Refundada

2010-02-14T19:34:00.002-03:00

METRÓPOLIS REFUNDADA

Sorpresivamente, en junio de 2008 la arqueología cinematográfica estaba en los titulares de todo el mundo: las escenas de Metrópolis (1927, Fritz Lang) que no se habían visto por más de ocho décadas y ya se daban por perdidas, habían reaparecido en la ciudad de Buenos Aires.

El documental argentino Metrópolis refundada – Metropolis Refound recorre el azaroso camino de la copia íntegra que llega a la Argentina en 1928, descubriendo la compleja historia detrás de una pelicula que construyó parte de su leyenda en las distintas versiones en que vio la luz debido a las múltiples mutilaciones y “enriquecimientos” que sufrieron las copias y que hicieron de la concepción original de Fritz Lang un interrogante.

Metrópolis refundada cuenta con los testimonios de los artífices de este hallazgo (Fernando Martín Peña y Paula Félix-Didier) y de personajes claves en la búsqueda del film original, como el historiador y restaurador Enno Patalas, así como de numerosos especialistas que contribuyen con su testimonio a la reconstrucción de un capítulo importante no sólo del cine mundial, sino de la historia que la Argentina mantuvo con el cine.

Remate alternativo: expone los puntos de giro que determinaron la suerte de esta película a lo largo de 80 años.

Metrópolis Refundada se proyectará el 13 de febrero en Berlin durante la presentación de la última restauración de Metrópolis en el marco de Retrospektiv de Berlinale. A partir de esa fecha y hasta el 25 de abril se podrá ver en el marco de la exhibición 'The complete Metropolis' en Deutsche Kinemathek, Berlin.

Trailer

Nominaciones Oscar 2010

2010-02-06T19:58:00.006-03:00

Mejor Película

Avatar
The Blind Side
District 9
An Education
The Hurt Locker
Inglorious Basterds
Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire
A Serious Man
Up
Up in the Air

Mejor Dirección

James Cameron por Avatar
Kathryn Bigelow por The Hurt Locker
Quentin Tarantino por Inglorious Basterds
Lee Daniels por Precious
Jason Reitman por Up in the Air

Mejor Actor

Jeff Bridges por Corazón rebelde
George Clooney por Up in the Air
Colin Firth por A Single Man
Morgan Freeman por Invictus
Jeremy Renner por The Hurt Locker

Mejor Actor de Reparto

Matt Damon por Invictus
Woody Harrelson por The Messenger
Christopher Plummer por The Last Station
Stanley Tucci por The Lovely Bones
Christoph Waltz por Inglourious Basterds

Mejor Actriz

Sandra Bullock por The Blind Side
Helen Mirren por The Last Station
Carey Mulligan por An Education
Gabourey Sidibe por Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire
Meryl Streep por Julie & Julia

Mejor Actriz de Reparto

Penélope Cruz por Nine
Vera Farmiga por Up in the Air
Maggie Gyllenhaal por Crazy Heart
Anna Kendrick por Up in the Air
Mo’Nique por Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire

Mejor Película de Animación

Coraline
Fantastic Mr Fox
The Princess and the Frog
The Secret of Kells
Up

Mejor Dirección Artística

Avatar
El imaginario del Doctor Parnassus
Nine
Sherlock Holmes
La Reina Victoria

Mejor Cinematografía

Avatar, Mauro Fiore
Harry Potter y el Misterio del Príncipe, Bruno Delbonnel
The Hurt Locker, Barry Ackroyd
Inglourious Basterds, Robert Richardson
La cinta blanca, Christian Berger

Mejor Diseño de Vestuario

Bright Star
Coco: de la rebeldía a la leyenda de Chanel
El imaginario del Doctor Parnassus
Nine
La Reina Victoria

Mejor Documental

Burma VJ
The Cove
Food, Inc.
The Most Dangerous Man in America: Daniel Ellsberg and the Pentagon Papers
Which Way Home

Mejor Cortometraje Documental

China’s Unnatural Disaster: The Tears of Sichuan Province
The Last Campaign of Governor Booth Gardner
The Last Truck: Closing of a GM Plant
Music by Prudence
Rabbit à la Berlin

Mejor Edición/Montaje

Avatar
District 9
The Hurt Locker
Inglourious Basterds
Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire

Mejor Película en Lengua Extranjera

Ajami (Israel)
El secreto de sus ojos (Argentina)
La cinta blanca (Alemania)
La teta asustada (Perú)
Un profeta (Francia)

Mejor Maquillaje

Il Divo
Star Trek
La Reina Victoria

Mejor Música Original

Avatar, James Horner
Fantastic Mr. Fox, Alexandre Desplat
En tierra hostil, Marco Beltrami y Buck Sanders
Sherlock Holmes, Hans Zimmer
Up, Michael Giacchino

Mejor Canción Original

‘Almost There’, de The Princess and the Frog, por Randy Newman
‘Down in New Orleans’ de The Princess and the Frog, por Randy Newman
‘Loin de Paname’, de Paris 36, música de Reinhardt Wagner, letra de Frank Thomas
‘Take It All’, de Nine, por Maury Yeston
‘The Weary Kind (Theme from Crazy Heart)’, de Crazy Heart, por Ryan Bingham y T Bone Burnett

Mejor Cortometraje de Animación

French Roast
Granny O’Grimm’s Sleeping Beauty
La dama y la muerte
Logorama
A Matter of Loaf and Death

Mejor Cortometraje

The Door
Instead of Abracadabra
Kavi
Miracle Fish
The New Tenants

Mejor Edición de Efectos de Sonido (Sound Editing)

Avatar
The Hurt Locker
Inglourious Basterds
Star Trek
Up

Mejor Sonido (Sound Mixing)

Avatar
The Hurt Locker
Inglourious Basterds
Star Trek
Transformers: Revenge of the Fallen

Mejores Efectos Visuales

Avatar
District 9
Star Trek

Mejor Guión Adaptado

District 9
An Education
In the loop
Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire
Up In The Air

Mejor Guión Original

The Hurt Locker
Inglourious Basterds
The Messenger
A Serious Man
Up

París, je t'aime : Faubourg Saint-Denis (Tom Tykwer)

2010-01-11T15:12:00.002-03:00

Uno de los cortos de la obra París, je t'aime realizado por el director alemán Tom Tykwer

Festival de cine Cievyc 09: Modelo vivo

2009-12-23T16:31:00.002-03:00

Modelo vivo, de Lucila Frank, con Bernardo Kehoe y Marta Billordo, 15´, 3º año 2009

Modelo vivo, pintor ¿vivo?

“Un cuadro debe ser pintado con el mismo sentimiento con que un criminal comete un crimen.”

Edgar Degas

Lo primero que se oye en Modelo vivo son gritos y llantos, una mujer suplicando no ser torturada, quizás la madre de la modelo. En el siguiente plano vemos a un hombre, quizás el torturador, regando sus plantas y cortando tela, quizás el hilo del relato. El agua que usa no se destina al verde esperanza de las hojas sino a sus errores y pecados, quedando limpio y puro. Todo el corto es en blanco y negro, quizás para mostrar la relación entre el pasado y el presente o porque a la directora se le ocurrió que así era más simple. Un primer plano a una pastilla disolviéndose -al igual que en Taxi Driver-, nos abstrae completamente, distrayéndonos del relato hasta que llega la modelo al departamento del “torturador”, para ser retratada por él. Un plano a su bolso llama la atención por el ruido de un reloj despertador… pero no es esto lo que lleva dentro sino un arma con la que piensa matar al pintor, es decir, al supuesto torturador de su madre.

El pintor hace desnudar a su modelo para poder apreciarla. Ella se desviste por completo, abriéndose a que el artista haga lo que tenga que hacer. De la misma forma en que la picana picaba, el pincel pinta. Ella desnuda, se presta a ser torturada con el pincel. Pero esto no le hace olvidar lo que él hizo con su madre y el propósito con el que fue al departamento. Mientras se ve la cara de indecisión de la modelo por matarlo o no, el pintor la va retratando. Ambos toman vino, la sangre de Cristo, en una especie de celebración religiosa en la que se liberan de pecados. Celebración en la que él muestra cómo la pintura reemplazó a la sangre y en la que llama a sus víctimas, modelos. Luego el pintor empieza a besarla y ella parece disfrutarlo. Pero en cuanto él se pone sus guantes blancos, ella trae a su mente la tortura y a su madre sufriendo. Varios planos al bolso nos van inquietando, los sonidos del reloj despertador nos enloquecen. Hasta que la modelo recoge el arma de su bolso y gatilla, quizás matándolo.

Luciano J Díaz.

(Alumno de 1º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: ¿Dónde está el maestro?

2009-12-17T16:14:00.002-03:00

¿Dónde está el maestro?, de Luis Urquiza, con Ricardo Piazza y Tatin Ponce, 16´25”, 3° año 2009

Arqueología del ídolo

La duda es -junto con el asombro y las situaciones límite- uno de los motivadores del saber. Y la duda titula este corto, que pretende, desde la metáfora, explicar el método de creación del ídolo en el pueblo.

Desaparecer implica un misterio que a veces no se quiere revelar. El misterio lleva una intriga que apasiona, que interesa, que atrapa. Hace tiempo leí que la mujer más atractiva es la que tiene ropa: es la mujer que oculta, la que guarda un misterio, a la que se debe desnudar con los ojos, la que hace trabajar en equipo a la imaginación y al deseo. Ahí estaba Pugliese, demasiado tranquilo. Fue cubierto por la invisibilidad y un barrio lo llora. “¿Dónde está el maestro?” es la pregunta que no deja dormir a Villa Crespo.

El vacío es molesto. Tener un marco conlleva una foto dentro. Un fondo negro es muy triste, necesita llenarse para exhibirse. En este corto, la molestia es presentada por un taburete de piano sin su ejecutor. La banda está completa, sólo falta el maestro. Por ahí alguien dijo que “la falta de algo delimita su valor; si tuviéramos cantidad de diamantes como cantos rodados, no valdrían lo que valen”. Tuvimos nuestros casos: Rodrigo, Gilda, Gardel. ¿Serían tan conocidos y valorados si hubieran muerto de viejos?

En los noventa, una salsa entonaba: “Nadie sabe lo que tiene hasta que lo pierde”. Y al momento de perderlo se lo quiere como nunca. Se lo extraña. Se lo llora. Se hace un monumento para llenar su vacío. Sin vacío, no hay espacio. El secuestrador crea vacío (si se me permite el filosófico oxímoron). La mística y el pueblo, hacen lo suyo. Algunas preguntas es mejor no contestarlas.

Adrián Zorgno

(Alumno de 1º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Exequiel Reydó también escribió sobre ¿Dónde está el maestro? acá

Festival de cine Cievyc 09: Marlene

2009-12-15T10:30:00.000-03:00

Marlene, de Francisco López, con Valeria Bon Catalán y Guillermo Rodríguez, 9’, 3° año, 2009.

¿Personalidad o personajes múltiples?

Marlene es un personaje deformado y a la vez un corto deformado, o debería escribir malformado. Debido al manejo de la cámara que parece estar siempre al borde de colapsar. Tiembla moviéndose por doquier entregándole al espectador una molestia que, salvo en algunos planos estáticos, es muy similar al mareo que generan algunos films realizados con cámara en mano. Marlene también posee un desequilibrio que genera su deformación. Ella es una especie de novia de Frankenstein. Es un rejunte de personajes sacados tanto de la pantalla cinematográfica como televisiva. Se la podría catalogar como un pastiche… pero no. El pastiche se encarga de aportar algo nuevo o distinto partiendo de elementos ya existentes, los resignifica. No es el caso del personaje creado por Francisco López. No hay innovación alguna por parte de esta mujer.

Lo primero que el director muestra de su protagonista es un enfoque de sus largas piernas. Aquí dice presente Dietrich como primer cadáver que dona sus piernas, y obviamente su nombre, a la ciencia. Ésta mujer encuentra placer al entrar en casas ajenas y torturar y asesinar a quien viva allí. Algo así como los personajes desquiciados de Funny Games (Michael Haneke, 1997 y 2007) pero en versión femenina. Por último el director, o podría decirse Marlene, crea del asesinato un ritual onírico en el que la joven mujer se convierte en directora, pero de orquesta. Planos detalle de sus manos moviéndose al compás de la música utilizando como batuta un revólver y planos de un cuadro en la habitación. Parece que Marlene posee un Lynch interior (horror onírico y visual), tal vez su corazón, las manos de Mozart y el cerebro de Dexter Morgan. Esto último evidenciado, no solo en el acto de entrar y salir de un lugar sin dejar rastro alguno, sino en el guardar un pequeño souvenir. Una muestra de sangre de su víctima en un puro que guarda en su cigarrera.

El corto finaliza con la cámara alejándose de la casa nuevamente con ese temblequeo exasperante. Ese desequilibrio es el que tiene Marlene en su personalidad y que tiene el señor López a la hora de darle vida a su joven Frankenstein.

Nicolás Ponisio.

(Alumno de 2° año de la carrera de Periodismo y Crítica).

Festival de cine Cievyc 09: Es tan Violeta

2009-12-14T09:00:00.000-03:00

Es tan Violeta…, de Karina Donantueno, con Cecilia Layus. 2º año, 2009.

“Mi soledad está hecha de ti.

Lleva tu nombre en su versión de piedra,

en un silencio tenso donde pueden sonar todas las melodías del infierno”

“No hay puertas”, Olga Orozco

Un corazón hecho cenizas

¿Cuál voz podría explicar que la existencia duele? ¿En qué imagen podría hablarse de la angustia? Karina Donantueno encontró la manera de construir un signo de la interioridad en Es tan Violeta… Como una Olga Orozco de la imagen que no habla, del sonido sin origen, lentamente elabora un universo a través de un discurso caótico, una fuente fluida de sensaciones y sentimientos. No es hablar de la soledad. Violeta no habla, no explica, no muestra. Su aislamiento es real, su soledad es palpable pero sin representación única. A través de un collage de disecciones de Violeta en cámara lenta, de movimientos extremadamente lentos, o en el otro extremo, reacciones rápidas, vemos a una Violeta (Cecilia Layus) acosada por un sonido que no se explica de dónde viene: son voces alegóricas ancladas en una sola realidad: Violeta sufre, Violeta no se haya en el universo que la rodea. El entorno es una prisión, el arte –el mural de peces- la libera.

Donantueno logra en este corto de absoluta simpleza lo que Deleuze llama una disyunción entre imagen y sonido. La consecución del despertar de Violeta y el acoso en el patio escolar no estarían completos sin el sonido caótico de voces entremezcladas con ruido de calle. Dos elementos que no tienen nada que ver entre sí de manera aparente logran un enlace en el estrato subyacente y sintetizan un signo de la angustia, que dice más que mil palabras. Es una integración que sólo el cine logra. La síntesis en la ruptura en palabras de Alain Badiou.

Violeta escucha una voz clara entre el ruido que expresa:

Te vas a quedar sola en el recreo.

Estás muerta Violeta.

Violeta, tu silencio grita.

Llega la parálisis, el silencio. En la pausa de la cotidianeidad, ese domingo de muerte, Donantueno alcanza el signo artístico de la palabra dolor.

Norya García

Festival de cine Cievyc 09: Te ví

2009-12-13T16:32:00.001-03:00

Te ví, de Cecilia Balbi, con Romina Santoni, Juan Corti, 8´15´´, 2º año, 2009

Te ví, estudiabas contaduría sobre un mantel

El corto se entiende. El relato induce a los sueños, para luego regresar a la realidad, o a la búsqueda de ese sueño en la realidad. No se le puede reprochar nada a la puesta en escena, que trabaja estimulada por el arte, que se mantiene solemne ante la historia. Su destreza se reduce a implantar los planos necesarios, para que se soporte la propuesta. Si bien no sobresale, tampoco importuna gracias a su representación austera y medida. La utilización de los recursos no es lo que aturde, sino la historia, que se vuelve vacía, cursi y molesta. Sin lugar a dudas en Te ví, el contenido es más importante que la forma.

Una joven se queda dormida estudiando. Sueña con un príncipe, que le regala una rosa, que la invita a bailar en una plaza. Se despierta y su impulso la lleva a recorrer el camino transitado en el sueño, exactamente el mismo camino, hasta con la misma luz. Si bien hay cambios en la puesta de cámara, estos carecen de fines narrativos. En la contrapartida de la realidad se intentan dos momentos intensos. Primero, en una larga vereda cubierta en su lateral por arbustos, donde antes conoció al príncipe, ahora se choca con un ser insignificante vestido de humano. Luego, un mimo, fotograma paradigma del corto, le entrega aquella rosa. Parece el príncipe, pero no, es solo un mimo. Después del angustiante retraso del encuentro con su amor azul que ya parece imposible y lejano, inesperadamente aparece un joven con cara de príncipe y la invita a bailar. No es otro que el mismísimo enviado de los sueños, pero vestido como un mortal. Terminan bailando, otra vez con besos incluidos. Final feliz.

Cecilia Balbi, directora y guionista de este corto, no tuvo tiempo para desarrollar una historia original e interesante. Se limitó quizás a la fantasía de tener una aventura amorosa de otra época. Filma de acuerdo a las circunstancias planteadas, que la limitan a desarrollar plenamente su arte. Solo resta felicitar a los actores, por animarse a bailar un intento de vals en una plaza pública, vestidos ni más ni menos que de príncipe y princesa, y también de humanos, que no es poca cosa.

Soledad Bianchi

Festival de cine Cievyc 09: Sr. López

2009-12-11T20:47:00.001-03:00

Sr. López. De Jerónimo Clemente, con Claudio Rissi y Alejandra Tossi, 17´, 3º año 2009.

SPOILER ALERT!!

(Atención: se rebelan detalles del argumento)

Un old boy y su pecado de amor

Sr. López se destaca enseguida por la calidad de todos los rubros técnicos, por la capacidad para narrar y por sus actuaciones. Sin embargo, lo que distingue a este corto de los demás es la paciencia. Desde el principio hasta el final tiene claro lo que quiere contar y cómo quiere hacerlo. A contrapelo de la tendencia general que supone contar una sola cosa en cada escena, o que cada escena sirva para una sola cosa, en Sr. López, cada escena forma parte de una narración que fluye constantemente. Jerónimo Clemente no precisa detener la historia para brindarnos información. Las cosas suceden con naturalidad y continuidad como si le pasaran a alguien regido por la lógica del azar, no a un ser incorpóreo y guionado.

También las emociones están racionadas. La historia tiene fe en sí misma y en la narración, no busca emocionar con sentimentalismos ad hoc. Ni gritos a la nada, ni secuencias de actuaciones pretenciosas, ni marcas musicales que indiquen cuando emocionarse.

Otra diferencia con la mayoría de los cortos -algo que se relaciona directamente con los dos puntos anteriores- son las actuaciones. La de Claudio Rissi es la mejor actuación del festival. En ningún momento intenta mostrarnos que sabe actuar: sólo lo hace. Parece compartir la confianza del director en su personaje y en las acciones para transmitir lo que le pasa. Sabe que no se busca su lucimiento personal sino la funcionalidad para con la película. Incluso en el plano final es un hombre desencajado, y no un actor desencajado. Este registro actoral realista y contenido aparece en todos los actores por lo que cabe que el director comparta el mérito

La película se disfruta y se presta a la búsqueda de detalles simbólicos. En uno de los primeros planos del Citroen en la ruta llaman la atención dos carteles viales. Un aviso de curva y otro de cruce de caminos. En ese plano se resume la historia que vendrá. Será un desvío en su camino lo que producirá el cruce no deseado con la persona buscada. Clemente confía en la mirada del espectador. Sabe qué cosas se notan y qué cosas alcanzan con mostrarlas una sola vez. Al principio del corto nos muestra el rosario y la figura religiosa que el protagonista lleva en su auto: en ningún momento se detiene a remarcarlo nuevamente ni a decirlo con palabras. Lo que ahí se revela queda incorporado al personaje. Con una confianza similar se narra el final de la historia en dos planos: el de López con su cara desencajada y el del asfalto con sus camiones.

La suerte parece acompañar a los mejores. Cuando al protagonista se le para el auto en la ruta vemos de fondo un paisaje rural con algunas vacas. Se destacan una vaca y su ternera que caminan hacia la derecha mientras las demás están quietas. Una madre, una hija y el Sr. López, tal vez: todos los protagonistas de la historia en un solo plano.

Al ver el corto por segunda vez queda la duda de si el final no es un poco predecible. La respuesta quedará en la opinión y la experiencia de cada uno. Otra pequeña molestia son algunos planos detalles de los brazos de las bailarinas en el burdel. En un corto que se destaca por la narración, este manierismo rompe con el registro general. Algo similar ocurre con el demasiado estetizado plano de López y Clavel en la cama. Aunque ese plano se resignifica como una imagen trágica cuando se devela que los dos personajes son padre e hija.

Dentro de las sutilezas quedan dos frases de Clavel a su padre. La primera cuando aun no sabemos la verdad. Ella le dice que él está “buscando una mujer”. El enojo de López es porque su hija no es una mujer, es una hija, una nena, un ser asexuado. La otra es cuando ya sabemos quien es quien. Recorrimos todo el corto en busca de una hija. Cuando la encontramos ella misma dice: “Y ya sabés donde encontrarme”. En esa frase, la puta y la hija conviven: la que el padre busca y la que se vende por sexo. Intolerablemente remarcado para el padre y para nosotros, pero no para la narración que no pierde su naturalidad.

Ignacio Izaguirre

(Alumno de 2º año de la carrera de Periodismo y crítica)

Otras dos visiones sobre Sr. López acá y acá

Festival de cine Cievyc 09: Alto detalle

2009-12-11T18:40:00.005-03:00

Todo es consumido, todo se consume

Alto detalle, de Helmuth Bohle, con Tomás Scillama, Lucía Nemeth, 6´03´´, 2º año 2009

La ciudad crece en intensidad, se vuelve más veloz ante el paso del tiempo. La pureza, reflejada por la desnudez, peligra por unas manos que se enturbian ante el despertar sigiloso. En el bosque, el carácter humano evoluciona según la niñez, la juventud y la vejez. Carriles de una autopista, que parece seguir trepando hasta el infinito, interfieren esta aparente pasividad. En la ciudad, el estado de percepción cambia. La evasión que permiten los auriculares no alcanza para defenderse del bullicio visual. Un montaje repetitivo, que compone un video clip de imágenes parpadeantes, describe el entorno señalando íconos que representan un malestar cotidiano pero invisibles ante el hábito. Autos importados, casinos, multinacionales, oficinas seriadas, antenas de celular, policía, alcantarillas, cabarets y revistas que muestran una perfección artificial, destellan en pantalla, implantando una esquizofrenia contagiosa.

La contaminación de esos detalles sin importancia de la ciudad, ciega a quien la transita. El mal viaje del personaje, con quien el espectador se identifica por la propia mirada, es logrado gracias a la variación de la cadencia y la profundidad de campo. Luego, varios televisores reflejan lo que sin permiso se introduce en la mente del personaje/espectador. El aparato maligno aparece, y él mismo multiplicado es el que proyecta las imágenes que implanta la ciudad, de consumo y alerta, de no reflexión. El escenario cambia a un niño de traje. El encuadre contrapicado lo hace poderoso frente a una maqueta, que representa la zona más peligrosa de la ciudad en cuanto consumo, ultimando la idea del progresivo resquebrajamiento de las formas, del inevitable avance hacia las jerarquías cada vez más desproporcionadas. Un cigarrillo se consume, y con él, todos.

La cámara representa un lugar cotidiano para los citadinos, pero desde un costado perceptivo, usa recursos funcionales a la trama y se acentúa el ritmo con la manipulación abismal del montaje. Variación de cadencia, stop motion animación, steady cam, diferentes escenarios y formas… todo en función de un relato que se construye con un objetivo nada pretencioso. Acaso, ¿quién no se sintió absorbido por una ciudad cubierta de destellos manipuladores, que arrasan con las sensaciones e impulsan al consumo? Massive Attack conduce musicalmente este camino tan frío y distante, como dinámico al crear ambientes, pero sobre todo, funcional en actitud.

Soledad Bianchi

(Alumna de 2º año de la carrera de Periodismo y crítica)

Festival de cine Cievyc 09: Échenle sal

2009-12-10T18:30:00.002-03:00

Échenle sal, de Sonia Bertotti, con Carolina Silva y Daniela Espectro, 8’ 15”. 3º año 2009.

Un aplauso para el cocinero

El corto comienza con una clara referencia almodovariana y no es en vano, pues tocará temas bien trabajados por el director español (como la familia y la muerte) y habrá también referencias estéticas como los collares y pulseras que usan los personajes, los peinados, los colores y la música.

Los primeros planos nos muestran a Carolina, la protagonista, cocinando; vemos un cuchillo y verduras de color rojo. La predominancia de este color es más que significativa, el rojo estará todo el tiempo para recordarnos constantemente que la muerte está presente. Y la muerte se relaciona, ante todo, con el hecho alimenticio. Se muestra la alimentación como un acto de homicidio. Es necesario matar a otro para sobrevivir, y aquel que no está de acuerdo con lo establecido, es víctima de una reprimenda. La madre de las tres mujeres mata a un cerdo para comerlo, y cuando Carolina decide no hacerlo, recibe un regaño. Pero el reto de la señora mayor es mostrado de frente a la cámara, de modo que el espectador se siente directamente afectado: ya no está retando a su hija, nos está atacando a nosotros. Esto, sumado a los escenarios cerrados, a la grotesca caracterización de las dos hermanas (las vemos reír, mostrando sus dientes torcidos), terminan por distanciarnos de estos tres personajes y nos identificamos con la protagonista. Cansada del hostigamiento, Carolina resuelve matar a su madre y comerla como si fuera un cerdo más. El cerdo es el símbolo más conocido de los deseos impuros y la depravación, lo que establece una clara analogía con el personaje materno. De esta manera termina de convencernos de que lo que hace la protagonista es lo correcto, y que la madre merece morir. A pesar de que el acto es horrible, el corto termina haciéndolo loable porque nos convence como sólo los recursos cinematográficos pueden hacerlo: mediante el rítmico montaje, el sonido, los planos detalles de los chocantes personajes. No hay diálogos, no son necesarios los intertítulos; la imagen significa, habla y, vale decir, cuenta con un muy buen manejo léxico.

Romina Quevedo

(Alumna de 1º año de la carrera de Periodismo y crítica)

Otro elogio más a Échenle sal acá

Festival de cine Cievyc 09: Entrevista a Vieytes

2009-12-10T14:00:00.000-03:00

Entrevista a Marcos Vieytes, nuevo integrante del jurado del décimosexto Festival Cievyc Cine ’09. Estuvo a cargo de ver y puntuar los cortometrajes de tercer año.

A continuación comparte con nosotros su experiencia y qué impresiones le ha dejado.

¿Cómo fue tu primera experiencia en el festival?¿Es la primera vez que participás como jurado?

Esta no fue mi primera experiencia en un festival. Participé como jurado del FEESALP (Festival de Artes Audiovisuales de La Plata), pero sí mi primera experiencia como jurado de cortometrajes. Creo que no soy un buen espectador de cortos (risas); la mayoría de los que vi fueron de gente ya consagrada, cuando Godard ya era Godard, cuando Herzog ya era Herzog.

Me tocó ver los de tercer año, que son una buena cantidad. Lo primero que tengo para decir es que si me dicen que tengo que ver cortos me gustaría que sean cortos; el tema tiempo me parece muy importante. Hay cortos de 15 minutos que pueden parecer breves y otros de 4 que pueden parecer insoportables. Pero en líneas generales, mientras más sintético me parece mejor. De los cortos de tercer año los que más me gustaron fueron los más sintéticos, aquellos que no exceden los cinco, seis minutos de duración.

Observé en los cortos de tercero dos tendencias: algunos se inclinan por ser más narrativos, con algún caso cercano al género, y otros se acercan más a la estética del cine moderno. Me refiero fundamentalmente a la Nouvelle Vague. La mayoría de esos no me gustaron. Y no es porque tenga una predilección por el género, que la tengo, sino porque, para hacer un corto y enseguida tratar de trabajar con los mismos materiales que trabajaron Truffaut, Resnais, Godard, Rohmer, hay que estar muy seguro de sí mismo. O tener una arrogancia sobrehumana. A juzgar por el resultado final me inclino por lo segundo (risas).

Como no conozco a quienes lo realizaron puedo sonar antipático a priori, pero hay algo que me chocó. Si se empieza con un corto y en los primeros minutos se acumulan citas cinéfilas o signos que son como carteles: “RESNAIS; DURAS; LACAN”, ya se predispone al espectador a ver un material que está a la altura de esos nombres. Es estratégicamente una mala decisión porque la mente del espectador va a trazar una asociación continua con la imagen que está viendo y los referentes que se les da. Generalmente se sale perdiendo de esa comparación.

Hay otros que no se ponen un listón tan alto desde el comienzo y que no le tiran al espectador esa fuente, entonces uno se dispone a una situación crítica menos prejuiciosa. No es que uno los juzgue de manera más benevolente, sino que uno puede tratar de descubrir por sí mismo por dónde van, qué quisieron hacer, cuáles fueron sus influencias o simplemente entregarse al goce que ofrecen las imágenes. En los otros cortos uno está obligado desde el principio a tejer asociaciones muy precisas, muy puntuales, te acotan las posibilidades de descubrimiento. Te encasillan a leer la película como ellos quieran y corren riesgo de no estar a la altura. En líneas generales esta es la situación con la que me encontré.

¿Qué diferencia importante notaste en comparación entre ambas experiencias como jurado?

Principalmente que en los otros juzgaba largometrajes. Pero la mayor diferencia es el criterio de evaluación. En mis otras experiencias tenía que elegir los tres largos que más me gustaban en orden de primera, segunda y tercera posición. Ahí había una selección; extraía lo que más me gustaba. Acá uno tiene que puntuar a todos los cortos del uno al diez. Lo cual te obliga (al menos a mí) a otorgar puntuaciones muy altas a los que más te gustan y muy bajas a los que menos, si votás pensando en que tus favoritos deberían ganar. Con lo cual uno termina no siendo del todo justo.

Un jurado vota para sostener un criterio, y para que ese criterio sea premiado. En los otros festivales uno podía discutir con otros jurados, comparar. Acá somos muchos, y no se puede poner de acuerdo a treinta y tres jurados.

¿Pudiste charlar con alguno de los jurados? ¿Coincidieron en algo visto?

Por casualidad, estando en el Festival de Mar del Plata, pude charlar con Marcela Pietragalla, que es docente en la carrera de Guión, y vimos los cortos justo cuando viajamos al festival. Hubo cortos que desde lo argumental no me gustaron y sin embargo ella, desde la posición de guionista y realizadora, observaba otras características (técnicas) que podían darles un puntaje mayor. Ella tenía un punto de vista más puntal, más preciso. Yo vengo del lado de la crítica, y se tiene todo metido dentro de una misma bolsa; tuve la tendencia a evaluar el conjunto. Por ejemplo, hubo un corto que me pareció técnicamente uno de los más interesantes que se llama Señor López. Técnicamente estaba buenísimo, unos encuadres de pantalla ancha… muy buenos. Yo estaba pidiendo que me guste porque era uno de los más largos. Pero finalmente la resolución me pareció pavorosa.

Pero tiene momentos esplendorosos, como los que tienen lugar en el cabaret, y de eso hablábamos con Marcela. Su percepción era otra, porque a pesar de que tampoco le gustaba la resolución, esos aspectos técnicos le parecían mucho más importantes y la llevaban a rescatarlo, cuando a mí me llevaba a bajar la nota al analizarlo en su conjunto.

¿Notaste algunas fallas (o cosas buenas) que se repiten entre la mayoría de los cortos?

Es complicado, hay que generar una visión del conjunto. Por lo general, se hace evidente que narrar, en los términos convencionales, no le interesa a la mayoría; pero eso no es una falla sino una característica.

Hay pocos cortos de género, en general el acercamiento es a través de lo que se llamó cine de autor o cine moderno. Me imagino que debe ser algo natural viniendo de una escuela de cine, lo que queda explícito en el corto es que hay alguien haciéndolo. Es la técnica cinematográfica, por más que este en un proceso de aprendizaje, la que salta a la vista. Aquella premisa clásica de que el espectador no sienta la presencia de la cámara hoy ya no corre, ni en líneas generales. Eso no significa que sea una falla pero yo particularmente lo siento como una carencia, porque no me parece un detalle menor saber narrar con fluidez. Para mí eso significa que el director sabe utilizar elementos claves como la elipsis, el punto de vista, sin ostentarlo. Es más, creo que primero tiene que aprenderse la narración clásica para que después la trasgresión tenga sentido.

También tengo la sensación de que en general los cortos evidencian la conciencia, en parte, de los directores del lenguaje cinematográfico. Entonces pasan al corto la conciencia de lenguaje que ellos tienen. Pero en realidad es alguien que esta aprendiendo a narrar; yo tomo una cámara no hago ni el diez por ciento de lo que hacen ellos. Igual me hubiera gustado que en conjunto hubiera cortos que narraran un poco más, o que las referencias cinéfilas fueran más amplias, la mayoría va a la Nouvelle Vague. Es cierto que fue importantísima, pero como dije al principio, se tiene que estar a la altura de eso; y además no es la única referencia.

En uno de los cortos que más me gusta, Golem, el uso de los colores habla de que el director vio o tiene una conciencia somera sobre el cine de terror europeo de los sesenta. Por las dos gamas de colores que usa hace recordar mucho a Mario Bava y al esplendor del Giallo italiano; desconozco si los ha visto o lo heredó de otro lado pero por lo menos, tuvo ganas de utilizar otras referencias cinéfilas.

También vi algunos cortos costumbristas. El costumbrismo descansa sobre una operación muy básica: que el espectador reconozca lo que esta viendo, “Uy mira el barrio tal, uy mira la esquina aquella”… pero justamente creo que al hacer ese planteo el costumbrismo juega con el realismo pero no deja de ser una ficción. Tal vez es la más falsa de las ficciones en el sentido moral, porque se cree que poniendo la cámara y utilizando referentes cercanos se hace una operación interesante y es la operación más falsa de todas. Es como las malas novelas. Cuando uno ve los diálogos amorosos tales como “te quiero, te amo”. El discurso amoroso no se puede representar al menos que se haga literatura, que se trabaje, y con la realidad más cotidiana pasa lo mismo.

Lo que me llamó mucho la atención y me pareció negativo es el elogio a la muerte que aparece en un par de cortos, en uno en particular ligado a la religión. Trabajar con la poesía de lo horrendo está bien, pero eso es simplemente una apología de la muerte horrible.

Otra cosa que puedo mencionar es que un director de cortos no tiene porque ser un buen escritor. Con ser un buen lector alcanza, pero algo q puede predisponer mal a alguien que está viendo un corto es un mal título. Un ejemplo es anteponer el adjetivo al sustantivo, porque genera una cierta sensación poética que en realidad obra en contra de lo que se está proponiendo. A veces el mal título se corresponde con un mal corto y en otras ocasiones no. Eco decía que el título no tenía que decir demasiado, porque así genera un enigma.

Lo que quiero decir es que el título es una cosa muy importante, tan importante que creo que el director tendría que pensarlo mucho. Dialogar con los participantes, o simplemente acercarse a un profesor que esté más relacionado con el área literaria; eso ayudaría mucho.

¿Viste algún director o corto que hayas sentido muy fallido; un corto que no estuvo bueno pero que sientas que hay materia prima para trabajar?

Sólo porque quizás lo mencioné, el del Señor López… hay encuadres y un juego con las prostitutas del cabaret de provincia venido abajo, hay algo con la iluminación y los cortes del montaje que están muy buenos. Quizás no hubiera reparado tanto si no lo hubiera conversado con Mariela.

Aparte de Golem me gustó mucho Échenle Sal, de Sonia Bertotti. También cabe destacar La Mía casa, de Marcelo Scoccia. Ahí hay algo raro, se crea una situación en un espacio de dos dimensiones que es interesante pero que no se termina de aprovechar del todo. El vaivén no genera la emoción que podría generar, porque las películas caseras dan para muchísimo, el futuro del cine esta ahí, en el Found Footage. No alcanza a transmitir del todo que lo que se proyecta en esa casa son fantasmas, que toda esa gente esta muerta, pero está la idea y se puede trabajar a futuro

La falla siempre dice más que el logro, en esa falla veo algo, hay una brutalidad en el mejor sentido de la palabra, un pozo de donde puede salir algo interesante. En el plano final volvemos al plano inicial de la casa vista de la vereda de enfrente y hay un muchacho en la vereda. La postura del cuerpo de ese muchacho es extraña, pero de ahí proviene una emoción muy grande. Es una sola imagen, pero se siente que el tipo dejó el alma en lo que hizo. Capaz es un fake y me lo comí todo. Ese plano final logra transmitir emoción; así que la respuesta a tu pregunta, donde veo “materia prima para trabajar”, sería en Marcelo Scoccia, en el corto La Mía Casa.

Entrevista realizada por Germán González Sosa, Nicolás Ponisio y M. Sol Salaberría, (alumnos de 2º año de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: Una nota de azul

2009-12-10T11:00:00.001-03:00

Una nota de azul, de Ignacio Balbuena, con Daniella Collini y Rodrigo Yacciofani. 1er año, 2009.

Pretendo descobrir

No último momento

Um tempo que refaz o que desfez,

Que recolhe todo sentimento

E bota no corpo uma outra vez.

Chico Buarque

Colección de sentimiento

No es la historia de Nana, contada en 12 cuadros. No es la historia de una caída. Es sólo un día, una noche, y el recuerdo del comienzo. Pero es indudable que lo que Anna Karina fue para Godard, Daniella Collini lo es para el director Ignacio Balbuena en Una nota de azul. El rostro de la actriz que encarna a la protagonista tiene ese parecido a Nana acentuado por el blanco y negro de la imagen. El director se encarga de enmarcar ese rostro, antes y ahora, más allá y después. La madura cantante y la insegura estudiante.

La diferencia con la historia de Godard estriba en la satisfacción. Nana soñaba con ser actriz de teatro y nunca llegó a serlo. Daniella (se desconoce el nombre del personaje) no sueña con ser cantante. Es una estudiante más, amante del jazz. Amante del blues. Es su amigo, Alejandro (Rodrigo Yacciofani), quien llega para azuzarle las ganas.

Una noche, una salida de amigos, la promesa de un recital que no llega. Es aquí cuando se palpa la diferencia entre la mujer que vemos bailando y cantando en el principio y la chica en blanco y negro. Porque logra crear en el espectador las ganas de ver a esa mujer del principio, cantando. Y ese momento llegará después para Daniella, ahí, en la mujer que ya disfruta de su realización musical. Es increíble lo que un cambio de peinado, de luz y principalmente de actitud pueden lograr en la imagen haciendo pasar a la actriz de chica aniñada a mujer plena.

Se logra a través de la composición. De construir a partir de los detalles, de los toques. Por eso es reiterativo el azul, por eso el leit-motiv del color que se extiende hasta la música siendo el destino de estos dos amigos. Apostando a un color frío logra la atmósfera de calidez para hacer sentir cómodo al espectador, y dejarle un buen sabor de boca. Nada sobra, hasta la conversación trivial del bar acentúa el clima de amistad, de sinceridad, de ingenuidad. Y hacia el final, cuando se teme lo peor, cuando se piensa “y ahora ponen a la chica a doblar una canción y mandan la belleza de lo sencillo de paseo”, surge el mejor de los detalles: la música no concuerda con la imagen porque no es necesario ver a Daniella cantando. Eso habría eliminado el aura de misterio que rodea a la mujer cantante del comienzo, que con una canción –azul, el color más humano- recuerda la noche en que su vida cambió.

Impregnado de nostalgia (sentirse blue, es sentir nostalgia, melancolía), tal vez por la música, el ritmo, la sensación del recuerdo, la calidez de la amistad…

No será Godard, que nos deja suspendidos. Pero Balbuena no necesita serlo. Tiene ese toque de saudade necesario para construir su propia poética.

Norya García

(Alumna del 2º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: Delicados pastos

2009-12-10T10:00:00.001-03:00

Delicados pastos, de Ángel Calvo, con Julio Serrat y Samy Sarember, 5' 45",

3 año, 2009

Lo que mata es el somatismo

“¿Adónde quieres llegar?” Diálogo entre un sacerdote y un moribundo. Marqués de Sade.

Son interminables las discusiones entre cristianos católicos y cristianos no-católicos. Desde la reforma luterana se hicieron muchos avances en el ecumenismo aunque hay ciertas heridas que no cierran. Una de ellas: la iconografía. “No te harás escultura ni imagen alguna” (Exodo 20, 4) ordena Dios a Moisés. Es por eso que los templos cristianos católicos poseen símbolos por doquier y los templos cristianos no-católicos generalmente no poseen. Y es por esto también que este corto presenta el problema de no poder transmitir, a través de la cámara o la puesta en escena, la angustia y la agonía que, creo, debería transmitir. El proselitismo del corto es víctima de la iconoclastía de su credo.

No hay nada en esa habitación que demuestre algo más que un respirador continuo; más cercano a un cover de Darth Vader que a un paciente con las horas contadas. Aunque la unión de manos en el final, la música y las letras de los títulos son un buen cierre, todo lo anterior es una nube tan blanca como las cortinas. Un punto débil sin duda es una mesita de luz que nos dice muy poco: una Biblia y un vaso de agua. No hay remedios, no hay un reloj: su salud y su tiempo ya están marcados. El mensaje es claro, el Salmo se recita. Pero la falencia aquí tiene que ver con las imágenes, no con el guión. Un producto muy blanco para un título tan verde.

Blog con fotos del rodaje: delicados-pastos.blogspot.com

Adrián Zorgno

(Alumno de 1º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Joel Orellano también escribió sobre Delicados pastos acá

Festival de cine Cievyc 09: No me digas adiós…

2009-12-09T15:00:00.000-03:00

No me digas adiós… (Todavía), de Jorge Espinoza, con Javier Olguin y Maximiliano Re, 13’, 3° año 2009.

¿Te puedo decir adiós ahora?

Decisiones. Hay ciertas oportunidades que uno no puede dejar escapar, eso es cierto. Pero ¿a qué costo? Sí, el corto llegó al festival, pero despliega tanta cantidad de horrores técnicos que no se sabe qué convenía más: no participar de la muestra o dejar que un corto hecho a las apuradas (o no, que es lo que más asusta) hable mal de sus creadores.

Ya en la primera toma se ven las desprolijidades. Un auto se detiene mientras la cámara se mueve de derecha a izquierda hasta enfocarlo; en este travelling la cámara llega a vacilar tanto, que marea. Como también marea en las escenas desde dentro del auto que va a toda velocidad, y que finalizan con un zoom que logra que el espectador ya necesite un Alka-zeltzer o un Dramamine. En cuanto al montaje y cómo avanza la historia, el corto hace que uno nunca sepa en qué momento del relato se encuentra: no hay un indicativo de nada, ni del día, ni de la hora, y los cortes bruscos entre escena y escena no ayudan tampoco (de hecho, descolocan al espectador dejándolo más confundido de lo que estaba). En la iluminación y el color, también hay cambios abruptos, como en la escena en la que Adrián y Gastón están en un bar, y el color cambia de normal a azul, sin razón aparente. Por último, unas breves líneas sobre el sonido, la joyita de la corona del corto. Las voces se ven pisadas por la música en varias ocasiones (la escena en la que revisan las fotos casi ni se les entiende lo que hablan) o por el sonido ambiente. Una curiosidad: cuando a Gastón le suena el celular, ¡ni siquiera se cuidaron de eliminar la interferencia que genera la llamada entrante con los micrófonos! Y si de micrófonos se trata, vale la pena mencionar el que se ve en la escena del bar. Sí, así de cuidado está el corto (por eso la duda de si está hecho a las apuradas o no).

Decisiones. En el corto, el personaje de Gastón toma la decisión de no seguir con Adrián, si es correcta o incorrecta sólo el tiempo lo dirá. Como así también se dirá en el caso de la que tomaron Espinoza y cía. al decidir presentar este corto.

Exequiel Reydó

(Alumno de 1° año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: Lola

2009-12-09T14:00:00.000-03:00

Lola, de Cecilia Balbi, con Lorena Schiavone y Omar Galtieri, 3’ 53’’, 2º año 2009

La ausencia de la ausencia

Lola es una historia de amor que, como tantas otras, no puede ser. ¿No puede ser porque es un amor no correspondido? No lo sabemos; en ese sentido el corto no es del todo claro. Es una historia de amor que no puede ser porque uno de sus protagonistas ya no pertenece a este mundo. Lo malo es que, en ese sentido, el corto tampoco es del todo claro.

Si bien los primeros minutos son alentadores, el cierre lo convierte en un film fallido. En la escena final, Agustín (Omar Galtieri) encuentra la carta que Lola (Lorena Schiavone) le dejó para confesarle lo que sentía por él. Aparece de perfil mientras la lee, y ella está mirándolo desde un costado. A esa altura, el espectador espera que se miren, que el romance se concrete. Pero luego la cámara se aleja hacia atrás, y se deja de ver a Lola. ¿Eso debería dar a entender que en realidad el romance no puede concretarse porque está muerta? Quizás sí. Y hubiera funcionado si el espacio del plano fuera más amplio y mostrara que ya no está allí donde estaba, realzando el vacío que deja su ausencia; pero sólo se ve la espalda de Agustín. Incluso si las intenciones fueran otras y ella siguiera en la habitación, también se hubiera dejado de verla.

El problema principal es que, ante esta situación, el espectador puede suponer, puede inferir, pero no confirmar. A no ser que lea la sinopsis del corto en el programa del festival, donde finalmente se revela el misterio.

M. Sol Salaberría

(Alumna de 2 º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: El día infinito

2009-12-09T11:45:00.001-03:00

El día infinito, de Eduardo Rizzi, con Lisandro Colaberardino y Estefania Bavassi, 17´56´´, 3º año 2009

¡La puerta! ¡¡La puerta!! ¡¡¡La puerta!!! ¡¡¡¡La puerta!!!!

¡Por favor!, ¿no hay un psicólogo por ahí? Una frase de Lacan dice en letras blancas sobre un fondo negro: “la verdad del yo surge precisamente en la locura, cuando el mundo parece disolverse y es puesta en tela de juicio la diferencia entre uno mismo y el otro”. De igual forma, un travelling detallista sobre una llave representa el ocaso y la dicotomía entre el consciente e inconsciente, y de la posibilidad de saber de lo inconsciente a partir de hacerlo consciente. El psicoanálisis como guía y su objeto (la llave) intentan abrir ¡la puerta! para ver lo que sí o no conocemos.

Un relato hipnotiza al espectador a través de apariciones ocultas, un ojo, una mirada y un rostro evitan florecer para entrar en una oscuridad llena de intrigas. Señales que se entrelazan representados por un símbolo, una llave... un enigma. Allí el sonido, profundo y desértico, está acompañado de una luz tenue. La escenografía atrapa con objetos absurdos como una cabeza echa por alambres o un cuadro cubierto por marcas que van de un lado hacia el otro sin un principio y fin.

Aparece una búsqueda de libertad combinada con el miedo a la soledad. En esos lapsos piezas de un rompecabezas, las llaves entrelazadas o el pasar de una mujer acompañado de un fondo musical que dice “I don't need the time, I need your grace alone”… dan cuenta al pasar de la búsqueda de una puerta o una salida. Alcanza con el buen uso de la cámara, la utilización de las luces, el vestuario opaco, la voz en off en el relato y la continuidad musical en su desarrollo. Es discreta la actuación de los protagonistas al cruzar la puerta, miradas perdidas, los golpes de una cabeza contra un espejo y el encuentro tierno con esa mujer a la que busca (la salida). Retoques que renuevan la visión de Lacan en considerar al yo como algo constituido en el campo del otro, es decir, en lo externo.

¿Qué posee esta historia para que el espectador quede atrapado, o no? El buen trabajo de lo absurdo que crea una atmósfera onírica a partir del choque entre el hombre y la sociedad. Pero también la incoherencia, el disparate y lo ilógico. A pesar de que sea una historia bastante metafórica, el autor encuentra ¡La puerta! ¡¡La puerta!! ¡¡¡La puerta!!! ¡¡¡¡La puerta!!!! En su día infinito.

Carlos Lizarraga

(Alumno de 1º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: El traslado

2009-12-09T10:00:00.000-03:00

El traslado, de Darío Scarnatto, con Marcia Lufeudo y Leonardo Krause, 5”. 3° año 2009

Esta es una odisea de amor y enredos narrada por su protagonista: Vera (Marcia Lufeudo). Solterona de 35 años y con apuro. Antes de ir al casamiento de su amiga, tiene que hacerle el favor de llevar a su primo Brandon (Leonardo Krause) a la iglesia. Según le dijeron, “un gordito de camisa verde” que resulta ser un bombonazo extranjero. Yendo de acá para allá con un fitito que tiene picada hasta la cédula verde, deben llegar a la boda como sea. Quien haya sido parte de un casamiento, sabe que los preparativos no son solo un quilombo para los protagonistas sino también para las invitadas (peluquero, maquilladora, manicura, el vestido, los zapatos, la cartera, el horario, estacionar, controlar a los nenes… uff).

El traslado es de lo más hermoso de este festival. Nos recuerda por qué son tan repetidas y satisfactorias las comedias de Olmedo y Porcel los domingos a la tarde. Y lo más importante: que no hace falta putear hasta el hartazgo para hacer una buena comedia argentina. Una sobreactuación maravillosa de la protagonista, nos recuerda las mejores actuaciones de Susana Giménez y Moria Casán. El humor inocente y físico logra dejar de lado el sonido: el único punto flojo de este corto. Scarnatto nos regala cinco minutos que combinan Gimme gimme gimme de Abba y una cumbia como nunca nos lo hubiéramos imaginado.

Adrián Zorgno
(Alumno de 1º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: Enajenados

2009-12-08T19:30:00.004-03:00

Enajenados. De Luciana Digiglio, foto y cámara de Matías Calzolari. 3´30´´, 3º año, 2009

Todo se nota

Para un espectador poco atento Enajenados parece basar su atractivo en la técnica de stop motion, en los personajes de plastilina (supongo que es plastilina) o en un perro simpático. Se puede llegar a pensar que estas características por sí solas producen necesariamente ese efecto adorable. Obviamente no es así.

El corto funciona gracias a una conmovedora dedicación al detalle. Cada objeto y cada movimiento están cuidadosamente realizados y pensados. Las expresiones de los personajes les dan vida propia y una existencia real. La película demuestra cómo la verosimilitud, la creación de un mundo propio y la invisibilidad clásica no dependen del parecido con la realidad sino del trabajo en la construcción de ese mundo.

La directora Luciana Digiglio se toma un trabajo obsesivo y dedicado mientras se ocupa de desaparecer de la acción. Sin duda cada uno de los gestos y detalles que vemos llevan mucho más trabajo que cualquier acción espectacular, efecto de montaje o movimiento con cámara en mano. Sin embargo Luciana se entrega a ellos sin pedir nada a cambio. Cada acción del corto está pensada y luego maquillada hasta hacerla absolutamente natural.

La historia en sí es casi nada, es difícil enunciarla sin sonar banal. Un hombre vive enajenado por la televisión. Su perro –conscientemente, o sólo en función de la historia- trata de rescatarlo de esa enajenación. Sus ladridos hasta logran voltear el televisor pero no rescatar al hombre de su alienación.

El logro está en enriquecerla en los detalles hasta el punto de que cada pequeño acto toma importancia, sea narrativa o estética. Hipnóticamente encantador, se nota confianza y amor en todos los recursos utilizados y en el trabajo en sí. Es conmovedor pensar en el minuto a minuto de este rodaje. Acomodar un brazo, modificar un gesto, diseñar un decorado, analizar los movimientos de las manos de una anciana al tejer hasta lograr que sean naturales en un pedacito de plastilina.

Hacer que un perro cobre vida y lo sintamos, al mismo tiempo, lo suficientemente perro para enternecernos y lo suficientemente humano para adivinarle una intención y una emoción. Por ejemplo la decepción cuando el hombre logra acomodarse de costado y seguir con su rutina televisiva.

Alguien me dijo alguna vez que todo se nota. Parece ser la primera regla con la que está hecho este corto. Tanto la fotografía como el sonido tienen las mismas características ya mencionadas. Pasión por el detalle al servicio de la totalidad. Con una enorme generosidad hacia el espectador y una falta de soberbia que provoca envidia a falta de otros pecados.

Sólo dos personas en el equipo técnico son suficientes para cubrir todas las áreas con la misma riqueza, siempre al servicio de la historia. La cámara siempre colocada con criterio y el uso de los cambios de foco alternado con los cambios de planos para pasar la atención de un personaje a otro, demuestran trabajo y observación. El montaje es el que lleva el tiempo de la historia creando un adorable suspenso.

Además de los detalles que enriquecen y producen las acciones principales están los pequeños detalles que le dan cuerpo y profundidad a la historia. El movimiento de la cola del perro, pensado y realizado aunque sea fuera de foco y en la oscuridad, la cara de cada personaje en los portarretratos, el ya mencionado tejido de la mujer. Un movimiento mínimo es el ejemplo máximo de este cuidado amoroso por el detalle. Cuando el televisor ya ha caído vemos la habitación en plano general. Antes de que el hombre baje lentamente su brazo con el control remoto, la mujer del tejido baja, apenas, su brazo libre y mueve casi imperceptiblemente su cabeza. Eso es construir realidad desinteresadamente.

La próxima vez que escuchen un “dejalo así que es lo mismo” o un “igual nadie se da cuenta” comparen Enajenados con la gran mayoría de los cortos de este festival.

Ignacio Izaguirre

(Alumno de 2º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: Delicados pastos

2009-12-08T16:30:00.001-03:00

Delicados pastos, de Ángel Calvo, con Julio Serrat y Samy Sarember, 5' 45",

3 año, 2009

De blanco alas

En la agonía de su vida, un padre es visitado por su hijo. Delicados pastos tiene una estética austera y cuidada. El predominio de blancos en la puesta en escena nos sumerge en la visión del director, y augura el desenlace.

Delicados pastos no es sencillo, más allá de que a simple vista lo parezca; es el pasillo a la eternidad. La simbología que recorre el interior de la habitación es magistral: desde la puerta blanca con marco blanco que abre el hijo mostrando la puerta que los une a una ultima reunión, las agujas del tubo de oxigeno que señalan hacia arriba y grafican la inmediata ascensión del internado, la cortina blanca derecha entre corrida que simboliza la salida del alma hacia el paraíso, sillas blancas, mesas blancas y el fundido en blanco hacen del blanco un significante ideal.

El hijo deja sus anteojos y se pone de espaldas a la cámara, mira hacia la ventana para conversar con Dios y muestra su pesar y su sentir ante el irremediable final. Esos azulejos rotos en la pared a su derecha expresan el estado de su alma. La inversión de roles es clara en el momento de que el hijo cita los Salmos 23:1-2 ("El Señor es mi pastor, nada me faltará / En lugares de verdes pastos me hace descansar...") convirtiéndose en esos últimos segundos en el padre, con el dolor y el sufrimiento que un padre tiene al perder un hijo y el padre convirtiéndose en el hijo al esperar ante un exasperante silencio un mensaje alentador. El cierre con el tema: Soul Mortality de Rick Wakeman da ese clímax necesario ante el llamado a la eternidad.

Joel Orellano

(Alumno de 1º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: Un espíritu sorprendido

2009-12-08T11:30:00.002-03:00

Un espíritu sorprendido, de Pablo Flores, con Diego Martinsen, Mercedes Arturo, 10’ 22’’, 2º año 2009.

Cada uno hace lo que puede...

Narrar el paso de la muerte sin sensiblería y, más aún, su drástica presencia evidenciada en la ausencia de los otros, debe ser igual de difícil que aceptarla.

Un espíritu sorprendido de Pablo Flores consigue mantenerse dentro del límite de lo tolerable –a pesar de la música-, y esto ocurre porque el dramatismo se mantiene en el personaje y no traspasa hacia el exterior. El reproche, la queja, la angustia hablada, la crítica estúpida amparada en las convenciones de lo que hay o no que hacer frente al hecho mortuorio están condensados en las palabras de la mujer, quedándole al personaje masculino lugar sólo para la inactividad aparente de la reflexión.

Una casita vista desde lejos sugiere algo que ya no está, los caminos que se cruzan aluden a la muerte, la familia feliz que atraviesa el campo varias veces remiten a las relaciones fraternales y las chicas sonriendo en oposición a la angustia del personaje que viene detrás, son del todo entendibles y funcionales al relato. No obstante, cuando el hombre entra en su casa y arrastra adrede el pie empujando un papel que incluso va a ser iluminado insistentemente, para dos minutos después hacer rodar una botella que lo va a llevar al mismo papel y todo porque va a importar para la resolución final… es un poco excesivo; la anticipación remarcada le juega en contra al corto. Al igual que la incómoda presencia de la familia en profundidad de campo una vez que el protagonista está en la casa del padre (para poder asociar un tiempo pasado y feliz como contraposición del momento actual).

Sin embargo, el cortometraje problematiza de forma interesante ya no el sufrimiento ante la muerte de otro, sino el miedo del personaje a ocupar el lugar de aquél que ya no está. Dejar de ser hijo, para pasar a ser sólo padre y así sustituirlo en la línea de tiempo es lo que lo acaba angustiando. Gaspar pasa de ocupar el lugar en la cama que ocupaba su hija al que ocupaba su padre. Tal vez entender las altas probabilidades de ser “el próximo” sea la forma para que el personaje se amigue con su mundo.

En el final se vuelve a caer en la redundancia y en la falta de sorpresa. Gaspar acaba tocando el violín de su padre, imagen que sólo sirve para remarcar lo que ya en los planos anteriores había quedado claro: la toma de su lugar.

Mariné Fernández Gianni

(Alumna de 2º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: Peces retozan junto a los perros

2009-12-08T10:00:00.001-03:00

Peces retozan junto a los perros, de Diego Ruíz, con Carolina Molini y Sergio Barattucci, 14’30’’, 2 º año 2009

El tragador tragado

El trabajo de guión de Peces retozan junto a los perros, del director Diego Ruíz, da la impresión de estar frente a un rompecabezas cuyas piezas están forzadas a encajar incómodamente en lugares donde no funcionan. La historia: cuatro hermanos -equitativamente dos chicas y dos chicos, disímiles todos entre sí (lo que ya promete drama)- se reúnen en una casa cerca del mar para deliberar qué hacer con las cenizas de su padre recién fallecido (más promesa de drama). Se toma este plot principal y se le agrega un sueño raro sobre peces muertos al borde del mar y un perro negro feliz de estar en esa playa; no importan los peces muertos alrededor, mientras Julia (Carolina Molini) -la intelectual- corre entre ellos y se postra a llorar con desasosiego (implícito: algo malo, trágico tiene que pasar). También se suma un comentario sobre Saturno y su odio por sus propios hijos leído en off por el padre de los protagonistas (para quien no conozca la historia sobre Saturno ni la pintura de Goya al respecto, este personaje se traga a sus hijos). Todo eso se junta, se fracciona, se mezcla, se reparte. Ahora, qué sucede con el todo, por dónde se escapa esa promesa de drama, es la pregunta.

El recurso del sueño, los peces muertos y el llanto de Julia, quedan aislados de no ser por la voz masculina que habla sobre Saturno, y todo depende del conocimiento que el espectador tenga sobre ese personaje para “juntar” estos fragmentos de información. Sólo al leer los títulos del final, se confirma que es la voz en off del padre, lo que suma algo de sentido. También se agrega la aparición breve del libro Una chica cualquiera de Arthur Miller, justo antes del sueño, y sin relación con la trama (salvo que sea para darle forma al carácter intelectual de Julia).

Los diálogos son escuetos y no dejan en claro si lo dicho sobre Saturno lo escribió “el viejo” presumiblemente en el libro de Miller. La risa suena falsa, el enojo sobreactuado, y los enfrentamientos basados en insultos, liberan a cuentagotas la poca información, dejando una sensación de intriga hueca. En varias ocasiones afirman que su padre los odiaba y eso justifica la cita al dios romano, pero falla al intentar generar tensión.

El narrador es omnisciente –está presente en el sueño, por ejemplo- pero esto no ayuda porque el diálogo es inverosímil. Tan carente de sentido como el desnudo de Gloria (Eugenia Lombardi) -la no intelectual-, que luce forzado y no ayuda a la forma o al desarrollo de lo que sigue. El momento en que se quita la toalla abriéndola de frente hacia la cámara y la cabeza ladeada incómodamente hacia su derecha, no es un movimiento natural, funciona al contrario: remarca el deseo de mostrar un desnudo frontal. Pero, aunque se olvide este detalle, que se quiera dejar en claro que Gloria es -como su hermano Manuel (Sergio Barattucci) le grita en varias ocasiones- "una vaga y una puta", no justifica el desnudo, ni su presentación conjunta con la acción inmediata en que Gloria aspira una línea de cocaína.

El final parece un remate apurado, todo sucede y se diluye muy rápido: estalla la bronca entre Gloria y Manuel, se instala la tregua entre todos mientras beben un té que preparó Julia y donde ha vertido las cenizas de su padre; acto seguido hacen un hueco en el jardín, colocan un algarrobo y la urna, cubren el agujero e inmediatamente se suben al auto –apurados- y se van. Sí, irónicamente y al contrario de la historia de Saturno, los hijos se tragan al padre antes de que éste los destruya a ellos. Pero aun el desarrollo de este momento bizarro no sorprende, y carece de resolución última. Los personajes lucen cansados dentro del auto, y la paz aparente parece responder más a ese cansancio del ánimo que al poder curativo-milagroso de tragarse al tragador y ser los vencedores. La historia tenía a su heroína en Julia, pero el sendero transitado por ella y por cada uno de los protagonistas, no está bien definido. La idea era sumamente interesante, pero ¿qué hicieron con los pedazos?

Norya García

(Alumna del 2º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: Par de ases

2009-12-07T18:30:00.001-03:00

Par de ases, de Victor Postiglione, con Amancay Kazgudenian, Alberto Mosquera, Oscar Coronas y Alex Scott 11´35´´, 2º año 2008

Recordando un poco el viejo noir

Par de ases es un pequeño homenaje al cine negro y de gangsters. Intuyo que quienes filmaron este corto vieron muchas películas de estos dos géneros tan relacionados.

Es una historia de enredos entre una familia de la mafia, por culpa de una prostituta que no tiene códigos y se acuesta con el capo y su hermano al mismo tiempo. La primer escena pasa en un cabaret, música ambiental de fondo, unas hermosas señoritas ligeras de ropa, un señor bastante bien, fumando un puro y totalmente descontrolado. Entre movimientos de cámara aparece una mujer que identificamos muy rápido, no sólo por el sonido de sus pasos, si no también por su vestimenta. Ella entra a una habitación donde hay un caballero esperándola. Luego, la cámara sigue mostrando este oscuro pero tentador cabaret. La próxima escena es un flash back donde se ve a este señor que tan importante parecía y otros más muertos sobre una mesa de poker, la pantalla se torna negra y se lee: Par de ases.

Ya los primeros minutos cumplen con su objetivo y es atrapar al espectador. Luego, no haber escuchado ni una palabra, de que las imágenes y cuadros estén tan bien logrados, hasta hacen olvidar que estamos viendo un corto. Los juegos de sombras muy bien logrados, por momentos inspirados en películas de Lang o Huston, sumergen a los personajes en lugares tan oscuros que los rasgos de las caras parecen pintados. Los primeros planos en la escena del partido de poker provocan una sensación de soledad e individualismo. Pero al mismo tiempo terror y maldad, un juego de dos caras entre la luz y la sombra. Y por otro lado la música tiene ecos de algunas bandas sonoras de Scorsese o De Palma donde la música pasa a primer plano. Suena un coro italiano muy oportuno para la escena ya que sus tonos altos van generando intriga y nos indican que algo importante se aproxima.

Par de ases está contado con todo lo que tiene que tener un Film Noir, intriga, traición, tiros, una femme fatale y principalmente estar filmado como en los viejos tiempos.

Marcos Di Biase

(Alumno de 2º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: El laberinto de Jonás

2009-12-07T17:00:00.001-03:00

El laberinto de Jonás, de Pablo Gargiulo, con Juan Privitera y Cecilia Cabrera, 10’, 2° año, 2009.

El fauno y la ballena

En la Biblia, Jonás era atrapado y devorado por una ballena. En el cortometraje de Pablo Gargiulo su personaje también está siendo devorado… pero por el sistema. Jonás vive encerrado entre los cubículos que forman ese laberinto de oficinas. La cámara se pasea entre ellos buscando signo de vida alguno, porque los trabajadores de esa empresa no son personas, son autómatas con una labor técnica asignada. El personaje del gerente es quien lo deja en claro: son engranajes. Piezas de una gran maquinaria empresarial.

Pero Jonás podría ser la excepción. A pesar de ser un esclavo más, comenzará a despertarse demostrando que no es como sus compañeros de trabajo. Él es un ser vivo. Es más, podría ser un fauno en su laberinto. Un ser natural que está en contacto con la naturaleza (una planta que esconde bajo su escritorio) y que despierta a una mujer (su compañera de trabajo) para acompañarla fuera de ese mundo. Así como Ofelia en el film de Del Toro entraba al mundo soñado del palacio lleno de colores vivos, lo mismo se da con estos personajes: paralizan la empresa y los tonos opacos de la fotografía pasan a ser colores vivos que explotan en la mirada acompañados por el desfile y el cabello en ralentí de la joven que seduce a Jonás.

El protagonista pasa de ser devorado por la empresa a ser devorado por la fantasía, por el amor. Y en esta ocasión la ballena encolerizada pierde la lucha y es abandonada en ese océano industrial muy lejos de donde Jonás y su compañera están.

Nicolás Ponisio

(Alumno de 2° año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: Golem

2009-12-07T15:21:00.001-03:00

Golem, de Víctor Gerometta y Lucas Bauzá, con Rolando Marcuzzi, 5’ 30”, 3º año 2009.

Algo anormal y tosco hubo en el Golem…

Si (como afirma el griego en el Cratilo)
el nombre es arquetipo de la cosa
en las letras de 'rosa' está la rosa
y todo el Nilo en la palabra 'Nilo'.

Jorge Luis Borges (El Golem)

Evidentemente, no todo el Golem está en la palabra “Golem”. En el folleto del 16º Festival Cievyc Cine 09, la sinopsis establecía orgullosamente: “En las entrañas de la ciudad, un hombre vuelve herido a su hogar; una criatura de la noche que no descansa. Cuando los gritos de la sociedad aparezcan, él se levantará como un Golem de carne y hueso”. A todos aquellos poseedores de dicho folleto, se recomienda rezar una novena en agradecimiento, ya que de no tenerlo resultaría imposible concluir que el personaje es un Golem.

Este corto cuenta con una interesante fotografía (juega con los contrastes entre luz y sombra), y en algún punto el manejo del color es llamativo (se alternan escenarios azules con escenarios rojos). La ambientación es muy buena, genera una atmósfera propia del cine de terror -más cercano al gore-, especialmente en la toma en que se muestran cuchillos de diferentes tipos, lo que remite bastante a la tortura y mutilación. Pero la forma tiene que estar en armonía con el contenido, y aquí parece no haber contenido, por lo que toda la belleza que pueden proporcionar las imágenes, es obsoleta, porque su significado es ininteligible o, si se quiere, la imagen es por demás polisémica.

Este corto podría haberse titulado “Golem”, “El increíble Hulk” o “Jossie y las gatimelódicas”, puesto que en ningún momento se hace referencia al ser mítico como tal. Lo único que se muestra es un hombre herido (no se sabe por qué), que hace mucho ejercicio, tiene cuchillos y sale a la calle al escuchar sirenas (tampoco se sabe si sale a hacer justicia benévolamente o a proporcionar pena y dolor, ya que la forma en que es mostrado el personaje lo torna oscuro y no muy amable). Ese ser mítico, folklórico, se caracteriza por estar alienado. En este caso, si alguien aliena al personaje, tampoco se sabe quién. No existen referencias hacia la película El Golem (Der Golem, Paul Wegener, 1920), hacia el poema de Borges arriba citado, ni siquiera hacia el tema El Golem de Paternal, de Skay Beilinson y los seguidores de la diosa Kali.

Se dice que el mejor arte es el que nadie entiende. En ese sentido, Golem, de Gerometta y Bauzá, es toda una obra de arte.

Romina Quevedo

(Alumno de 1º año de la carrera de Periodismo y crítica)

Festival de cine Cievyc 09: Sonríeme

2009-12-07T11:30:00.000-03:00

Sonríeme, pero sin que note el esfuerzo.

Sonríeme, de Constanza Bugnard, con Santiago Schuffer y Facundo Berzuk, 8´ 48´´, 3º año 2009.

De fondo, la banda sonora de la película de suspenso Sexto sentido. Un plano secuencia en blanco y negro intenta describir el pasado del personaje principal; la cámara se mueve y sigue la línea de los estantes que contienen las fotos de su infancia que pareciera ser feliz. Corte.

En la siguiente escena -ahora en colores- el niño de las fotos aparece sobre-actuando un estado de tristeza, se enoja porque no hay más leche en la caja, la tira y sale de su casa. Corte. Joaquín camina por la calle con una sobre-expresión de angustia, patea una lata y no responde al llamado de sus amigos. Corte.

Estas dos escenas son coherentes con la primera; aquella en la que el plano secuencia hace un intento fallido por presentar al personaje, pero lo único que logra es confundir al espectador -ya que sólo se remarcan momentos “felices” y no se explican los motivos de su angustia-. Por otro lado, la música sitúa en un género que nada tiene que ver con el corto; es decir, no existe ninguna relación entre el comienzo y el desarrollo. Sonríeme intenta dejar un mensaje; generar humor a través de algún chiste intrascendente; tiene bruscos movimientos de cámara, malos encuadres, iluminación despareja y poco cuidada, y recursos usados sin justificación estética.

El argumento no termina de sustentar el relato, carece de conflicto y confunde al espectador. Pero el final termina de armonizar la obra, convirtiéndose en un digno epílogo para un mal comienzo. Una sonrisa incrustada, completamente esforzada cierra Sonríeme que intenta, intenta e intenta pero no llega.

Sol Moschetti

(Alumna de 1º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: El señoricito de las calles de barro

2009-12-07T09:00:00.000-03:00

El señoricito de las calles de barro, Ludmila Rapoport, con Tomás Liberti, Silvina Bujaldón, 6’8’’, 2 º año 2009.

De la abyección

Ludmila Rapoport nos cuenta la divertida historia de Joel, un chico de ocho años que tiene a su madre postrada en su cama por una enfermedad terminal. El corto empieza con un plano de Joel sentado en la calle. Sucio, ojeroso, triste, obviamente se trata de un chico con carencias. Las mismas pueden ser, afectivas, de necesidades básicas… o cualquiera que el espectador asocie o sienta más atroz, será bienvenida. La cámara se encarga de captar cada instante de sufrimiento de la criatura. Sus ojitos parecen decir: ¿Por qué me pasa esto? Todo un mundo que recae sobre el castigado niño. De pronto, un personaje nos llama y nos pide que entremos rápido a la casa. Claro, ¿cómo íbamos a perdernos a la agonizante madre en sus últimos minutos de vida? ¿Acaso podía privarse a Joel y al espectador de tan glorioso momento? Parece que no. Parece que la cámara disfrutara poniendo incómodo al espectador. Desde el comienzo nos bombardea con imágenes abyectas. Primeros planos, planos detalles del niño tomando la mano de su madre moribunda, primer plano de la cara jadeante de la madre, cada elección de la directora es una abyección. Si Godard decía que todo travelling es una cuestión moral, el corto es lo más amoral que pudo filmarse. Todo recurso del lenguaje cinematográfico es funcional a un goce morboso y desagradable de parte de la directora con su protagonista. Los encuadres intentan estetizar el sufrimiento pero no lo logra y el espectador tiende a distanciarse. No se llega a sufrir esa ambigüedad de verse atraído por lo horripilante. Si ese fue el objetivo se falló. Si se quiso ser artísticamente cruel, le faltó mucho. Pero si algo se le debe agradecer, es la brevedad.

Germán González

(Alumno de 2º año de la carrera de Periodismo y crítica)

Festival de cine Cievyc 09: El Muro de Máxima

2009-12-06T21:30:00.001-03:00

Ficha técnica
El Muro de Máxima, de Juan Manuel Cardozo, con Tamara Giubi y Gustavo Tabeada, 12´27´´, 1º año 2009

Máxima Reacción

El principal problema de El Muro de Máxima es la pobreza en la composición del personaje principal. El cortometraje remarca hasta el hartazgo la orientación política del protagonista, por lo que se amontonan símbolos sin demasiado criterio: una canción de Víctor Jara, una foto de Salvador Allende, y dos cuadros y dos fotos del “Che” Guevara, compradas en oferta por diez pesos, que la directora de arte no pudo rechazar. Toda esta acumulación de elementos y sin mencionar que al comienzo del corto el protagonista está leyendo un libro de una colección que todavía se vende en los quioscos llamada Colección Fundadores de la Izquierda Latinoamericana. Ese libro es algo así como un “Allende para principiantes” –literatura poco probable para que alguien que hace del socialismo una bandera, lea con tanto entusiasmo, como parece hacerlo el personaje en cuestión-.

Otro problema es que la concepción misma del proyecto parte desde un prejuicio y un estereotipo: supone, por ejemplo, que un socialista no puede usar tecnología de punta. Por lo tanto, escucha a Jara en vinilo en un Wincofón y, tanto su ropa como la decoración de la casa parecen estar estancadas en los años setentas. Como cierre para esta obra reaccionaria, la trampa en la que encierra Máxima a su esposo se trata de una casa con las ventanas y puertas tapiadas, sin medios de comunicación con el exterior y sin luz eléctrica. De este modo, la ideología que subyace responde al mito de que el socialismo indefectiblemente lleva al aislamiento y al atraso.

Cristian Sema

(Alumno de 2º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

A Soledad Bianchi le gustó un poco más El muro de Máxima acá

Festival de cine Cievyc 09: La buena madre

2009-12-06T17:45:00.000-03:00

La buena madre, de Natalia Cejas, con Maria Inés Alluz y Nicolás Crouspeire, 7´58´´, 3º año 2009

Me olvidarás, me olvidarás

La buena madre comienza con el corte de un tomate. Corte que se ejecutó (y no fue filmado) en todos los planos por el camarógrafo con la mano que le quedaba libre, la que no sostenía la cámara. Ya justificados los temblequeos, se puede decir que La buena madre es un corto tan original y creativo como lo es su título. Una madre y esposa (Maria Inés Alluz) se encuentra deprimida y muy compenetrada con su rol de madre. Madre de un hijo (Nicolás Crouspeire) de más de diez años quien aparentemente y para sorpresa de todos no sabe atarse los cordones. Aparentemente, solo porque el brusco cambio de plano que se efectúa en las vías del tren distrae al espectador al punto de desconcentrarlo y no dejarle ver lo que está pasando.

Notable, es más, casi perfecta la actuación de la chica que espera el colectivo, el resto de los actores simplemente se destacan por el hastío.

La directora (Natalia Cejas) pronostica desde el comienzo lo que le va a suceder al espectador a medida que va mirando el corto. Al igual que la buena madre, los espectadores van a ir mirando la hora, esperando a que finalice de una vez. Pero no es esto lo único que se anuncia. El corto finaliza con la canción de José Luis Perales “Por qué te vas”, y con el último fragmento que se escucha: “me olvidarás, me olvidarás”, nuevamente la directora habla sobre su proyecto. La buena madre logra con pocos recursos ser menos de lo que se espera antes de verse.

Luciano J Díaz.

(Alumno de 1º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: El amor de las almas

2009-12-06T14:00:00.002-03:00

El amor de las almas, de Karina Huerta, con Nicolás Sorrivas, Jorge Espinoza, Dolores Lafolla, Gustavo Moro, Gabriel González, Mariela Santilli, Jonathan Joaquín, Jorge Lazcano.

Me Artaud

Margarite Duras. Un mar. La inmensidad. Otra vez un mar. ¿Otra vez un mar? ¿Es malo ser pretencioso? No, si se usa esa pretensión para transgredir. El amor de las almas es un corto que reúne (si no lo mejor) las más destacadas influencias de la Nouvelle Vague. El dilema es: ¿qué hacer con todo eso? ¿Amontonar citas y citas porque sí? En el corto de Karina Huerta desfilan todos sus conocimientos sobre el cine francés de los 60´s. Se pone a la altura e imita su estilo punto por punto. El amor de las almas llego tarde, cincuenta años tarde. No es novedoso. No es trasgresor. No es nada. Termina logrando el efecto contrario al que, suponemos, buscaba la directora. Los aires poéticos y la belleza inagotable del mar plateado, la digresión de los diálogos, la “mujer encinta”, el poeta frustrado que grita su angustia solitaria en la playa, todos esos tópicos juntos generan un aire de parodia. El corto podría funcionar si abandonara la solemnidad y la excesiva pretensión de condensar las grandes obras de la Nouvelle Vague. Si en vez de intentar abarcar el tema buscando esa profundidad que nunca alcanza hubiera jugado con el estilo de falso trailer, como The Horribly Slow Murderer with the Extremely Inefficient Weapon, o Machete en el film de Robert Rodriguez, o los de Tropic Thunder de Ben Stiller, el corto sería mucho más disfrutable y su directora podría haber utilizado mejor todas esas referencias.

Es muy bueno tener de referente a la Nouvelle Vague, pero quizás sea mejor hacer algo que realmente intente adaptar el estilo de la Nouvelle Vague al presente para sacar lo mejor de ese cine, en lugar de anclarse en esa época. Toda película funciona y se relaciona con un contexto. El amor de las almas carece de uno y termina banalizando a ese cine que tanto admira. El hombre gritando solo en la playa causa gracia porque uno se anticipa a lo que va a suceder desde el momento que la cámara en picado lo muestra por primera vez. Los diálogos herméticos, cerrados, incoherentes y en español no colaboran. ¿De cuántas maneras piensa transgredir la narración? Tanto exceso realmente constituye una parodia, que puede verse hasta en los títulos finales cuando la placa negra anuncia a los actores y sus personajes “El viajante”, “El bailarín”, “La mujer en cinta”. Todo lo bueno que puede verse en el trabajo de fotografía y puesta en escena se pierde en la pretensión de grandeza. El espectador se encuentra comparando el trabajo de este corto con el trabajo que Godard, Resnais y Truffaut llevaron a la perfección. Se le pide más de lo que un estudiante de 3º año puede dar, pero esto no es arbitrario, el corto se ubica en esa situación. Situación incómoda para todos.

Germán González

(Alumno de 2º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Diana González opinó todo lo contrario acá

Festival de cine Cievyc 09: Dos extraños

2009-12-05T17:00:00.000-03:00

Metrô-sexual

Dos extraños, de Pablo Gargiulo, con Malena Medici y Camilo Parodi, 5’06’’, 2º año 2009

Dos extraños es una atractiva irrupción en el policial. Cinco minutos le bastan para contar una historia que no fue y marcar la tensión entre estos dos personajes sumergidos y cegados por sus soledades.

Las luces desde arriba crean una atmosfera fría a la vez que proyectan las sombras de los personajes. Los ruidos penetran con su eco y la soledad que invade cada centímetro de la locación. La profundidad de campo deja disfrutar de la arquitectura de la puesta en escena con sus líneas rectas enmarcándolo todo. La distancia de la cámara que nos coloca en el lugar de espectador directo de la acción, y el corte abrupto de los planos que sin virtuosismos pretenciosos muestra lo que hay que ver con una efectividad calculable, un verdadero disfrute.

Al final, pasada la tensión lo que queda es un andén desierto y ciertamente ya no importa qué barrio de la capital había arriba, en la superficie, sino lo que no pasó abajo entre ellos.

Mariné Fernandez Gianni

(Alumna de 2º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: Personaacéfaloyo

2009-12-05T15:00:00.000-03:00

Personaacéfaloyo, de Gastón Juárez, con Santiago Avalo y Mariana Cesar, 5´33´´, 2º año 2009

Delacamaaltrabajodeltrabajoalacama

Personaacéfaloyo se trata de un corto de estética onírica que nos muestra los sueños de un joven oficinista. Nada más que eso… lo que termina por contagiar el sopor del personaje al espectador, porque no podemos ver ningún tipo de evolución en él.

El protagonista se aburre en el trabajo y quiere seducir a su compañera, pero no se anima. Y parece que tampoco se va a animar nunca, porque en sus sueños, el psicólogo que atiende en el baño de su casa, no le aconsejó -ni a él ni al director- que pase del sueño a la acción. Tal vez el director pertenezca a esa escuela psicológica -que abundó en el festival anterior- que desaconseja lo narrativo.

El estilo visual está inspirado en los films escritos por Charlie Kauffman (sobre todo Eternal Sunshine of the Spotless Mind y Being John Malkovich) y, en la secuencia de stop-motion, podría haber “algo” del animador checo Jan Svankmajer. Pero, sin embargo, en ese fragmento que es el más interesante del corto, las metáforas siguen sin funcionar. La imagen más memorable, que es la del protagonista comiéndose el diario, también está mal trabajada: en un año como el 2009, comerse un diario como Clarín con una tapa que hace referencia al conflicto del campo tiene una serie de connotaciones que el corto no se encarga de justificar.

Cristian Sema

(Alumno de 2º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: Remoto control

2009-12-05T14:26:00.000-03:00

Enemigo público

Remoto control, de Natalí Landin, con Natalí Landin, Javier Díaz y Bernabé Rivarola, 9’ 45’’, 2º año 2009

Un trastorno obsesivo compulsivo amenaza cada vez a más personas que, al afirmar que son vigiladas desde el televisor (o incluso desde la radio), arrojan el aparato por el balcón o la ventana.

Con la cuota justa de humor e ironía, Natalí Landin consigue apoyarse en un tema actual para satirizarlo, para burlarse de algo que está presente en lo cotidiano y que es imposible de ignorar: la televisión ocupa un rol cada vez mayor en la sociedad, al punto que podría decirse que es productora-creadora de lo real. Remoto control toma a este medio como principal protagonista, cediéndole varias veces el total del espacio del plano.

Hay además una especial atención a los movimientos de cámara, que acompañan muy bien las diferentes situaciones. Mención especial para la escena casi onírica en la que los “otros” protagonistas se convierten en los (¿afortunados?) ganadores de un televisor nuevo. El presentador del programa de concursos parece salido de un circo y al mismo tiempo roza lo pesadillezco, creando una atmósfera que sorprende y perturba al espectador.

Al principio del corto, un noticiero alimenta la paranoia local al anunciar que cualquier persona, “por más normal que parezca”, puede padecer este trastorno; nadie está a salvo. Esto también alimenta la paranoia del propio espectador, que no puede evitar buscar síntomas en los personajes.

El mayor mérito de la directora es el de tratar un tema actual partiendo de algo clásico al demonizar a la televisión, que ha sido y continuará siendo por excelencia, el enemigo del cine.

M. Sol Salaberría.

(Alumna de 2 º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: En la cama

2009-12-05T12:30:00.000-03:00

En la cama, de Magdalena Grili, con Mariana Salinas y Julieta Araujo, 7’25’’, 2º año 2009.

En un mismo mar

We are just two lost souls swimming in a fish bowl

Year after year

Running over the same old ground

What have we found?

Same old fears

Whish you were here, Pink Floyd.

En cinco líneas de Borges se encuentra la inspiración para el pequeño espacio de un corto. De igual manera, en una pintura (poema visual delimitado por la brevedad del espacio) se inspira En la cama de la directora Magdalena Grili, obra homónima a la pintura de Toulouse-Lautrec.

Un encantador doble discurso que sirve de collage que reconstruye y reformula la historia detrás del cuadro, la elección del blanco y negro para el discurso de la realidad y el “estar despiertos” contrasta con el colorido y musical universo del sueño de la chica. Aquí resalta el trabajo de maquillaje, acorde con el reflejo del agua y la paleta multicolor representada en los momentos del sueño.

Y están todos esos momentos en que se cruza con el amor sin saberlo, todos los momentos en que el despertador, el teléfono o el timbre de la puerta le despiertan sin dejarle ver el rostro de ese amor musical. Sin necesidad de diálogos o intertítulos, basta el buen sonido musical y el ruido del agua o de la cotidianeidad. Bastan las expresiones de la protagonista al despertar, el gesto de un beso en el cuello, la mirada y la sonrisa en el final. Todas pinceladas que recomponen la visión de la pintura de Lautrec y expresan la placidez que se encuentra en ella.

¿Qué tiene esta historia sobre el amor entre dos chicas que la diferencia de las que han pasado en las demás ediciones? Ausencia de desnudos injustificados, de escenas de pasión tórrida o románticas en exceso, presencia de sencillez y del gesto indispensable que comprende que a buen entendedor, pocas palabras. Finalmente, alguien que lleva la creación con ojos de espectador. Y elige a la protagonista por su radiante sonrisa.

Norya García

(Alumna de 2º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: Échenle Sal y Sr. López

2009-12-04T15:00:00.001-03:00

Buenos augurios

Dos directores, ya conocidos por la crítica, presentaron sus nuevas obras en la competencia de 3º año. Sonia Bertotti, ex Rouge, actual Échenle sal y Jerónimo Clemente, ex Heart in a Box (criticada acá), actual Sr. López. Ellos supieron llamar nuestra atención con su originalidad y estilo particular. ¿Podrán sostener sus anteriores obras? La diferencia está en el tipo de soporte y la cantidad de metraje utilizado. El vértigo de intentar expresar una idea en pocos metros, es equiparable a manejar por primera vez material fílmico, con cámara Bolex en dudoso estado de conservación. Con 120 mts. de fílmico color y un año más de experiencia, la situación cambia, aunque no disminuye su dificultad. Bajo estas condiciones, ambos superan las expectativas sospechadas.

Rouge fue un gran catalizador de polémica para la interna crítica, imponiéndole efusión a la cobertura. Fue criticada a favor acá

Y en contra acá. Logró que el 2009 nos encuentre tarareando aquel electro pop pegadizo del principio. Este corto se había manifestado con tanta fuerza, que el decaimiento del ritmo y la imposición de algunos símbolos innecesarios, terminaron ubicándome al frente de la corriente adversaria minoritaria. Sin embargo, fue uno de los tres cortos esperados con ansias. Bernabé Rivarola, Ex Nacimiento de una Noción, actual El sueño de Coleridge encabezaba esta lista, con óptimos resultados como atestiguan esta y esta nota.

En Bertotti, su fuerza estética se vigoriza con el color, y el rojo “rouge” es una constante. El uso de la comida se convierte en una tendencia, a la vez conceptual. Vale la rectificación con Échenle sal, un corto con su marca de autor incluida. La repulsión ante el grotesco masticar en Rouge, pasa a formar parte de la trama en esta oportunidad. Los planos detalle que la caracterizan, junto al sonido inferido, son llevados al paroxismo. Llegan a su climax aquí el fetichismo por los objetos y contar sin palabras a través de las imágenes, en continuidad con el anterior corto por ciertos tópicos formales. El montaje antes ejercía su fuerza al comienzo, decayendo en lagunas negras al final. Ahora se mantiene e impone un ritmo constante, y su clausura se vuelve efectiva. Las imágenes en Rouge se repetían como recurso, ahora se vuelven efectivas para narrar. Y la música, esta vez más adulta, menos estridente y efectista, demuestra una maduración.

En el balance final de cortos 2008, muchos destacaron a Rouge en su propio ranking. Mientras tanto, mi puesto principal era para Heart in a Box “Una representación interior lograda a través de una propuesta estética original y precisa”. Se sentían ideas, desarrollo y buen gusto al momento de filmar. Pero Sr. López ya trasciende todos los niveles emocionales. Jerónimo Clemente supo aprovechar cada metro de fílmico, y superó el nivel del festival. Me animo a pronosticar un futuro favorable para el director, que se demuestra como un profesional del medio. Pero también, para el corto, gracias a la buena calidad fotográfica, las actuaciones, pero sobre todo, a la construcción del relato. Una pieza única, inmune a la falla. La narración se vuelve satisfactoria por contar sin instancias obsoletas, con un timing in crescendo que glorifica un final sutil y macabro, que cierra la historia con coordenadas precisas. Escenas como la del cabaret, en donde un show expone un sistema bizarro de elección de damas, que con cierto desgano y poca gracia se mueven para ser elegidas, sorprenden por su ingenio, a la vez, por la impecable presentación del lugar y los personajes.

Rivarola, Bertotti y Clemente proyectan un futuro óptimo, que es grato vislumbrar. Sus nombres por ahora resuenan en un círculo escueto, más tarde quizás sean algunos de los encargados de darle una vuelta de tuerca más al cine nacional. La mejor forma de terminar una carrera de crítica de cine es encontrando este modo verdadero y original de filmar.

Soledad Bianchi

Festival de cine Cievyc 09: En caso de Zombies

2009-12-04T11:54:00.003-03:00

En caso de Zombies. De Hernán Lowenstein, con Martín Otegui y Lizan Tadgom, 5´33´´, 3º año, 2009.

Zombies honestos

Sin duda la virtud de este corto no es el cuidado por el detalle y posiblemente me acusen con razón de contradecirme con mi nota sobre Enajenados. Como bien marcó -e hizo notar- Adrián Zorgno en su nota sobre esta película, hay sombras del camarógrafo, faroles fuera de lugar y una inexplicable división en cuatro de la pantalla al estilo video de fiesta de 15.

A cambio de eso hay falta de snobismo, placer notorio en lo realizado y algunos chistes realmente divertidos. Todas estas características, aparentemente menores, son extrañísimas dentro del panorama general. Lowenstein, con su terrorífico nombre, es uno de los pocos directores de este festival que juega con los géneros y parece haber visto algunas películas. En su corto del año pasado (que puede verse aquí) se acercaba al terror pero no lograba alejarse de lo que supuestamente debe ser una película independiente. Ahora parece despojado de esas ataduras.

Muchos directores de la escuela parecen tener un switch por el que se ponen en “modo arte” cuando filman. Creen en el arte como lo vende la televisión. Como algo separado del mundo cotidiano. Una entidad superior que nos transporta al mundo espiritual donde todo es sublime, grandilocuente y solemne. No parecen encontrar nada hermoso, disfrutable o divertido en la vida real. A falta de placeres reales cunde la afectación. Las miradas al cielo, los ceños fruncidos, los gritos desgarradores, los mundos oníricos.

Nada de esto caracteriza a En caso de zombies. El director no busca en lo que le dijeron que era el arte o el cine, no piensa en lo que debe ser. Busca en lo que él disfruta, en lo que lo hace feliz. Tiene confianza en poder compartir ese placer con un espectador. Gracias a ese espíritu despojado logra divertir.

La historia no está bien llevada y los detalles no están trabajados. Un ejemplo de esta falta de trabajo es el cajón con botiquines para emergencias. “En caso de zombies”, “En caso de invasión extraterrestre”, “En caso de guerra”. Sin duda ese chiste ya está hecho y cabía enriquecerlo, pensar algo más. No se hizo. Pero la anécdota es sumamente ingeniosa y divertida. Dos jóvenes que arreglan un encuentro para suicidarse al haber sido mordidos por unos zombies. La discusión sobre dónde se encuentran de estos dos condenados a muerte es graciosísima. El “venite y lo hacemos acá” quedará entre las grandes frases del festival.

También divierte mucho la acusación de gay de uno de los personajes hacia el otro. Se puede ver (o inventar) una cita a Río Rojo y su ambigua discusión sobre el tamaño de los revólveres, en la frase “me la acordaba más grande el arma”.

Posiblemente Lowenstein no gane nunca un Oscar ni sea inmolado en el altar de los artistas sublimes, pero seguramente dan ganas de ir a tomarse una cerveza con él. Es más de lo que se puede decir de la gran mayoría.

Ignacio Izaguirre

Festival de cine Cievyc 09: Sr. López

2009-12-04T11:39:00.001-03:00

Sr. López, de Jerónimo Clemente, con Claudio Rissi y Alejandra Tossi, 17´ 00´´, 3º año 2009.

Todos los caminos conducen a Clavel.

Un viaje, un hombre y una búsqueda. El señor López (Claudio Rissi) emprende un camino hacia Roca para encontrar a su hija Clavel (Alejandra Tossi). La luz del día ilumina el amarillo del auto, del teléfono público, y de los carteles, las líneas y hasta las pequeñas flores al costado de la ruta. Este color denota la intención de búsqueda del personaje; todos los elementos con los que él intenta acercase a su hija son amarillos. De pronto su Citroën se descompone dejándolo varado en medio de la nada... Y así, como en un crepúsculo de verano, el amarillo se reemplaza por el rojo de la vieja Ford que lo llevará al próximo pueblo.

La luz roja, que proviene de un cabaret, se refleja en el rostro del personaje como invitándolo a entrar;

un poco desconcertado se sienta en una mesa y alguien le trae un vaso de algo que podría ser un daiquiri de frutilla. El hombre centra su mirada en una de las prostitutas que esta bailando; ella es la que más resalta dentro del grupo y no justamente por su belleza. El color lo invade poco a poco hasta que se entrega y cae en la tentación. El rojo del corpiño y el gris de la camisa del personaje, se mezclan en la cama de la habitación, hasta que un timbre -al igual que el despertador lo había hecho en el auto- lo mete de nuevo en la realidad; una realidad que no es simple de digerir. El rojo que era pecado era también sangre. La tarde se hizo noche y la oscuridad cruzó a Clavel con su padre; y en la cara de López, el negro de la noche convirtió el rojo sangre en espanto. La imagen nos devuelve a la ruta y a aquel Citroën amarillo que, remolcado por una grúa, esta vez va en dirección contraria al personaje. La búsqueda terminó.

Dejando pasar que la cámara se movió justo en la parte más importante del corto; el relato muestra, por medio de una muy bien lograda puesta en escena, cómo todos los caminos conducen a Clavel... Lástima que el Sr. López lo descubrió un poco tarde.

Sol Moschetti

(Alumna de 1º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: Par de ases

2009-12-04T11:37:00.001-03:00

Desde la oscuridad

Par de ases, de Víctor Postiglione, con Amancay Kazgudenian, Alberto Mosquera, 2009, 11’ 46’’.

Los tonos oscuros predominan en este mundo del hampa italiano que Postiglione sitúa en la Rosario de 1934. Se da el placer de jugar en un ambiente plagado de sombras proyectadas en las paredes. Hace uso de la mejor versión del expresionismo y del noir: tanto desde la estética como desde la historia. La acción de un encuentro sexual o una persecución son dejadas en un fuera de campo que únicamente se plasma en las sombras de la noche rosarina. Este procedimiento le niega al espectador el disfrute de ver los actos en toda su expresión. Luego dará lo mejor de sí en una batalla circular donde confluyen todas las características de ese entorno –el juego, las mujeres y el crimen- expresadas a través de las imágenes. Pero la verdadera acción, el disparador de todo lo ocurrido en la historia, al igual que el mundo criminal, se mueve entre las sombras. Los hilos de una trama mayor permanecen ocultos hasta el momento indicado.

El trabajo de Postiglione se convierte en una evocación de historia y cine: el estereotipo de la mafia italiana manchado por el deseo de vendetta lo abarca por completo. La presencia de negrura se advierte particularmente en la prenda de vestir de un personaje. Este aparece de blanco -símbolo de pureza- para luego virar hacia atavíos negros evidencia de su “sed de mal” que lo lleva a perpetrar su plan.

La oscuridad se vuelva cada vez mayor hasta fundir en negro la pantalla que no sólo envuelve al cortometraje sino también al espectador en el mar ennegrecido de la sala.

Nicolás Ponisio.

(Alumno de 2° año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: Boy meets girl. Boy gets girl. Boy loses bill

2009-12-03T18:15:00.002-03:00

Boy meets girl. Boy gets girl. Boy loses bill, de Mariano Nesci, con Evan Bluestein, Miguel Goya, Sol López Brochero, Santiago Macchi, Roberto Zimmerman, Cynthia Riso, Santiago Insua, Delfina Danelotti, Gustavo Liwko, Eduardo Narvay, Fernando Fuscaldo, Nicolás Gruber, 15´00´´, 1º año 2009.

Vote for Pedro

De Sellers a Chaplin. Boy meets girl… no amontona referencias a la comedia en vano. Es evidente que el director del corto quería dejar en claro todas las influencias trabajadas en el mismo. Algunas referencias pecan de redundantes, como el plano detalle del cartelito con el nombre Pedro Sellers del protagonista. Pudo haberle jugado en contra pero sin embargo el corto se afirma en el desarrollo. La historia se narra con facilidad y no se ensucia con movimientos de cámara virtuosos o jugados. Todo es funcional a la energía cinética de los personajes en pantalla. La suma de gags suman color, los chistes funcionan en un contexto de puesta en escena simple pero correcta y con personajes bien logrados. La poca claridad en la resolución de los conflictos sobre el final quizás afecte esa simplicidad lograda con pequeños sketchs a lo largo del corto, que se pierde al tratar de unificarlos y cerrar todas las historias al mismo tiempo. Genera incomodidad y hasta puede verse como un descuido por parte del director, aunque un minutito más tarde descubramos que se estaba preparando el terreno para un falso final, que daría lugar a la mejor escena del corto. Ese as en la manga sigue siendo efectivo aun habiendo empastado la claridad de la narración.

Carente de solemnidad el corto se atreve a contar una historia, a jugarse por un género, dialogar con el mismo evidenciando sus clichés, y usar a los más grandes como referencia para después desangelizarlos y bajarlos al nivel de lo filmado, con un simple Pedro. El corto es consciente de la precariedad y la hace propia. Demuestra que para el humor no hacen falta grandes producciones ni grandes guiones. El humor al que apunta Boy meets girl… es al más al más intuitivo, estimula lo sensible. Boy meets girl… rescata esa comedia que divierte y entretiene a todos sin discriminar.

Germán González

(Alumno de 2º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: El muro de Máxima

2009-12-03T13:30:00.002-03:00

El muro de Máxima, de Juan Manuel Cardozo, con Tamara Giubi y Gustavo Taeada, 12’ 27’’, 1º año 2009

El triunfo del amor en tiempos sin revolución

El muro de Máxima se destaca por el ritmo. Las imágenes corren sin digresiones, las elipsis y sobreimpresiones hacen entretenido el relato. Máxima trama algo, y la duda prevalece hasta la resolución de los acontecimientos, en tanto el suspenso se mantiene constante. La elección de los encuadres es funcional al drama, sin exasperar la cámara con bruscos movimientos, sin forzar las acciones, sino dejándole a los cortes esa responsabilidad. El sonido, tanto el directo como el extradiegético, se escucha, se entiende y potencia el sentido. La fotografía se vuelve fallida, quizás por el exceso de ganancia ante la falta de luz. De este modo, las imágenes se cubren con un ruido molesto. Sin embargo, la intención narrativa se evidencia a través de este procedimiento, con el contraste de colores cálidos para el socialismo, fríos para la locura. Con la luz de tubo no alcanza, pero en este caso, no parece ser un gran problema: las imágenes se distinguen, aunque afecte la continuidad. Las actuaciones se destacan: perfecta química entre los actores, quienes demuestran un acatamiento satisfactorio y voluntarioso a las consignas del director. Gustavo Tabeada, protagonista también en El regreso y Tamara Giubi, son los responsables de desprender las emociones pretendidas.

El viaje a Venezuela de Javier, quien desea militar políticamente, desata la locura de Máxima, que ve en este éxodo la posibilidad de una estadía permanente en el lugar. En ella no existe frivolidad, ni materialismo, su actitud no proviene de una idea contra revolucionaria: se genera a partir de su egoísmo. No tiene intenciones de compartir su amor con nadie, menos con un ideal. Sus necesidades se descubren antes del conflicto. Mientras comen, cree escuchar a Javier diciéndole “Te amo”, pero él permanece en silencio, síntoma que precipita su locura -el principio de la pérdida de conciencia de la realidad-. Luego deviene el desastre. Revolución de valija, golpe de martillo en la cabeza, ventanas tapiadas, cerraduras electrificadas. Gran momento de acción. El conflicto se resuelve: el encierro funciona alegóricamente. La imposibilidad de generar movimiento -símbolo permanente de las utopías-, ante las ataduras que impone Máxima, quien de esta manera representa el sistema conservador.

El tópico revolucionario aparece saturado y así la consigna pierde vigor. Si la idea era exponer la ideología del protagonista, esto se logra excesivamente, tanto como con la imagen de la manteca rebosante en el pan. Quizás con los diálogos, la canción de Víctor Jara y una sola foto de El Che alcanzaban para hacer palpable la propuesta. Un poco más de sutileza y el corto hubiese ganado efectividad.

Soledad Bianchi

(Alumno de 2º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: El sueño de Coleridge

2009-12-03T09:44:00.002-03:00

El sueño de Coleridge, de Bernabé Rivarola, con Bernabé Rivarola y William Tsu, 8’ 40’’, 2º año 2009

El nacimiento de un estilo

El año pasado, Bernabé Rivarola presentó El nacimiento de una noción, corto que sorprendió por su creatividad y por su mezcla de actualidad, artificio y cinefilia.

Cuando algo así sucede, cuando el trabajo de un director se destaca, se genera una cierta expectativa respecto a su próxima obra; y no sólo eso, sino que además se le exige un plus, algún extra que sostenga su arte anterior y al mismo tiempo se anime a ir un paso más allá.

El sueño de Coleridge, su corto de este año, también se destaca. Se destaca una vez más por su creatividad y su manera de narrar, pero sobre todo porque se nota que quien está detrás de la cámara es Rivarola. Quien haya visto su primer trabajo podrá reconocer su presencia casi de inmediato, y eso no es fácil de lograr en tan poco tiempo. Otra vez recurre al cine mudo, a los característicos intertítulos y a lentes que deforman. Una vez más los personajes se rodean de un decorado artificial cercano al expresionismo. Hay un estilo que se repite, es cierto, pero que se repite deliberadamente. La similitud entre ambos cortos supera el paso al fílmico y demuestra que aquí hay algo personal.

Como bien dijo Soledad Bianchi, en El nacimiento… había una autoconsciencia que se evidenciaba desde el título. Que no suceda lo mismo en El sueño de Coleridge no significa que este elemento se deje de lado. Por el contrario, éste es aún más autoconsciente, entregándole al espectador ese plus que seguramente esperaba. Como se expresa al principio del corto, quizás la clave esté en el último: un hombre sueña con el hombre que soñó un poema, y al final ese sueño se convierte en guión, y luego en película. Para un director, y sobre todo para uno tan autoconsciente como Rivarola demostró ser hasta ahora, esa clave, ese último, no podía ser otro que el cine.

M. Sol Salaberría

(Alumna de 2 º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Otra crítica sobre este corto

Festival de cine Cievyc 09: Sobre el amor de las almas

2009-12-02T13:00:00.001-03:00

Sobre el amor de las almas, de Karina Huertas, con Miguel Israilovich y Josefina Vitón, 15’, 3º año 2009

Sobre la sensibilidad

Basado en L’ amour, de la novelista y directora Marguerite Duras, éste es un corto con pretensiones, para el grato gusto popular. Partiendo de la afirmación borgeana, "Ignoro la frecuentada novela de la que fue extraído este film: culpa feliz que me ha permitido seguirlo, sin la continua tentación de superponer el espectáculo actual a la recordada lectura, para verificar coincidencias”, el espectador puede (sin la menor culpa) adentrarse en la película.

En el principio, varios planos fundidos a negro, inconclusos e intercalados con créditos cuya fuente poco y nada tiene que ver con la delicadeza que propone. Porque si este corto es sobre algo, ese algo es la belleza, la sensualidad de la realidad y la idealización de la soledad. Y este mundo es mostrado en un blanco y negro granuloso (o ruidoso, según corresponda), con planos de ritmo acompasado y estética naturalista (con respecto al sonido de las olas y la iluminación poco invasiva).

La belleza, o el amor a lo simple, es un factor pleno que ejerce su poder en la escena de la pareja sentada a la mesa: ella come con la mano, él la mira. Tienen un pequeño diálogo y ella lo acaricia. Y nada más. Porque no se necesita nada más. Ese mismo factor (el de lo bello que no tiene por qué explicarse) invade el plano del barco encallado en la playa: ese barco que, dependiendo de quien lo mire, puede ser o no ser nada. Ese barco encallado, como el protagonista (el poeta desdichado), no puede evitar su estado. No pueden evitar estar atrapados en sus propias necesidades: el barco del mar, el protagonista del mar y de esa mujer.

El fragmento de mundo de Huertas necesitaba de planos como estos, necesitaba de la pluma con que el muchacho escribe, necesitaba esa botella de agua sobre la mesa. Necesitaba que las palabras respeten ese ambiente de incertidumbre y trabajen para conseguir la sensibilidad pretendida.

Diana González

(Alumna de 1º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: First day of life

2009-12-02T11:43:00.000-03:00

First day of life, de Agustina Arcondo, con Marc Allin Raphael y Federico Praml, 11´59’’, 1º año 2009

Le premier jour

Luego de un par de travesuras, la diosa griega Calisto fue transformada por Zeus en la Osa Mayor, una constelación circumpolar: orbita alrededor del Polo Norte sin que, desde ese hemisferio, se la vea bajar del horizonte.

El Calisto angloparlante de First day of life orbita siempre alrededor de una chica que ve pasar todos los días desde el balcón. Sin embargo su timidez y el desconocimiento del español le impiden bajar hacia ella.

La película relata el enamoramiento de él y su aprendizaje del idioma para poder hablarle. Lo malo es que lo hace durante larguísimos e innecesarios doce minutos. Para acometer este lapso de tiempo se incurre en cabalgatas de montaje, cambios del blanco y negro al color, imágenes oníricas que sólo repiten las de la vigilia, llamativos ralentis, secuencias de montaje con sus dibujos y algunos otros experimentos que no recuerdo. Por un momento el dibujo nos hace pensar que Calisto está enamorado de su amigo y no de la peatona cotidiana. Pero es sólo una riqueza involuntaria causada por el pelo corto.

Debe admitirse que, a pesar de todo, el espectador que logre transitar todo el cortometraje terminará deseando que se quede con la chica. Cuando finalmente él se anime a acercarse a ella se descubrirá que los doce minutos precedentes preparaban un chiste. No es un mal chiste, pero seguramente se podía contar en menos tiempo.

Ignacio Izaguirre

(Alumno de 2º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: ¿Dónde esta el maestro?

2009-12-02T11:36:00.002-03:00

Ficha técnica: ¿Dónde esta el maestro?, de Luis Urquiza, con Ricardo Piazza y Tatin Ponce, 16´25”, 3° año 2009

Pugliese, Pugliese, Pugliese

“Sólo cuando hay vacío, hay espacio para la creación”, dice la voz en off de un anciano al comienzo del corto. No se puede imaginar cuánto espacio vacío había para llenarlo con semejante creación. Impecable por donde se lo mire, esta fábula moderna logra que el espectador se dé cuenta de cómo valora lo que posee recién cuando lo pierde. Son tres los protagonistas: los ciudadanos de la República de Villa Crespo, el montaje y la música. El combo montaje-música es lo que realmente mueve al relato, le confiere una fluidez tal, que logra que ni un momento pesado o tedioso se filtre en la pantalla. Los ciudadanos (sin duda gente con muy buena predisposición, que prestaron su tiempo y hasta trabajos para hacer el corto) son los que dan a esta historia el toque justo de gracia y autenticidad. Algo para destacar es como al principio se usa una secuencia de cámara subjetiva, para hacer que el espectador, ya desde el comienzo, forme parte del mundo donde se desarrolla la acción.

Eso sí, como no hay perfecto sin defecto, hay que resaltar un par de (mínimos) detalles: se notan ciertos temblequeos de la cámara (casi, casi imperceptibles), en especial en la escena de la disquería; y cuando los sonidos en primer plano se funden con el sonido ambiente, desconcierta un poco, porque en lugar de “fundirse”, parecería que el ambiente se los tragara.

“Si no hay vacio, mi misión es crearlo”, cierra el anciano del principio. Solo se puede pedir que, al hacerlo, no decida llevarse este corto.

Exequiel Reydó

(Alumno de 1° año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: El topo Roger

2009-12-02T10:41:00.001-03:00

El topo Roger, de Julián Babicz, con Leandro Achenbach, María Paz Scafú, Agustina Tavolaro, Leila Sada, 10’ 20’’, 1º año 2009.

El invisible Roger

El cortometraje de Julián Babicz El topo Roger presenta tres tipos de ambientes: un cuarto, un living y un comedor crean el hogar de Nicolás (Leandro Achenbach). Un espacio tan pequeño que, captado por la cámara, pareciera ser claustrofóbico (sobre todo en las escenas que transcurren en la habitación de Nicolás). Pero para el director, ese espacio cerrado es suficiente. Le brinda lo necesario para crear un relato en torno a una figura imaginaria. El topo en cuestión. Una entidad que, tal vez influenciada por recuerdos de la infancia del director, adopta como identidad la de dos personajes infantiles (El topo Gigio y Roger Rabbit).

En un momento del corto, una mirada subjetiva se asocia a la visión del director: la mirada “pertenece” a Nicolás, pero al ser una observación libidinosa (una toma que se detiene en los exuberantes pechos de la madre) plantea la visión de alguien más... pero el complejo de Edipo decide mantenerse fuera de la narración. Es de destacar que el premio a la mejor actuación se lo podría llevar sin duda alguna el amigo topo; los niños del corto en ocasiones actúan como si estuvieran memorizando los diálogos. Pero después de todo son justamente niños y se lo puede pasar por alto. Pero lo mismo sucede con la madre del protagonista (María Paz Scafú) y eso sí no se puede obviar. Como tampoco el hecho de que no es el topo lo que rompe la realidad del relato sino la aparición de esta madre, una chica de aproximadamente veintiún años que bien podría personificar a la hermana de Nicolás.

A pesar de estas fallas el cortometraje entretiene y divierte al espectador. Si bien no se destaca por su puesta de cámara o la utilización de la fotografía, sin dudas la historia es la que se lleva el gran papel principal. Con la sencillez de un juego con sables láser o la caída de un par de copas, Babicz vuelve real al topo Roger, uno puede imaginárselo y hasta ver al personaje dando vueltas por los escenarios. Sin necesidad de una aparición corpórea, se logra crear la fantasía de la misma manera que James Stewart lo hacía con su viejo amigo de orejas largas.

Nicolás Ponisio

(Alumno de 2º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: El regreso

2009-12-01T20:30:00.000-03:00

Los árboles no desaparecen

El regreso, de Pablo Carabajal, con Gustavo Tabeada, Facundo de Nevares, 12’, 1º año 2009.

En El regreso se sobreexplica la separación, pero no sus causas. Imágenes cálidas acompañan al protagonista en un viaje revelador, exteriorizado bajo un impulso invisible, puesto en escena con agilidad. Los planos se dedican a narrar con un relato austero, que fracciona la acción, pero sin quitarle intensidad. Los encuadres son parte de una búsqueda estética fundamentada en lo natural, cuya continuidad refuerza la percepción de las causas. Se logra un universo de incertidumbre gracias a un montaje sin excesos que impulsa un desarrollo sutil, abocado sin distracciones a la historia. El guión se encarga de explicar, pero también denota con la inclusión sensorial, sonora y visual, acentuando otro nivel de representación.

Un arquitecto en el comienzo de su carrera profesional planea casarse, pero antes del gran paso deberá enfrentar una realidad oculta. Los árboles y el sonido de sus hojas, serán los guías en su regreso al pasado, los que lo ayudan a recuperarlo. La foto en dos partes reunidas por la casualidad del destino, será el catalizador de esta necesidad. El plano sonoro de árboles moviéndose por el viento presentado en los títulos, se repite al encontrar la foto. Ambos elementos funcionan en conjunto, generando la necesidad de recobrar su identidad. La decisión de no tomarse el colectivo, de darle la espalda a la cotidianidad, es la que hace virar su viaje hacia el recuerdo. La inspiración lo invade, cuya proyección desprende un anhelo oculto. Entonces el entorno se vuelve mágico y único, con la cámara desplazándose hacia el ensueño, con una estética resuelta a imponer el retroceso temporal momentáneo, que se vuelve claro, entre los árboles, su sonido y el viento.

El divague lo envuelve y, sin darse cuenta, llega a ocho cuadras de lo visualizado en aquel momento de profundo recuerdo. El ida y vuelta, la duda, presentada ante dos oficiales inquisidores, terminan de evidenciar el secreto. Quizás los mismos que le quitaron su apellido biológico, sean los que ahora se lo devuelven por medio del documento de identidad, que se vuelve auténtico. El paso de Álvarez a Conti, será fundamental para que Carlos se entregue al nuevo camino. Pero los árboles, que permanecen intactos ante el tiempo, serán los propulsores reales para lograr su objetivo. El encuentro final de Carlos Alvarez, a quien de chico llamaban Carlitos Conti, con su madre biológica, culmina su regreso a un pasado robado. Luego del abrazo más esperado, la cámara panea los árboles hasta un cielo sobreexpuesto, que funde a blanco los límites entre lo natural y místico del destino.

Un gran trabajo en los detalles, en los sub-textos, en las implicancias de un tema difícil, tratado con sensibilidad. Mención especial para los actores, la fotografía, pero sobre todo, para las ideas.

Soledad Bianchi

Festival de cine Cievyc 09: En caso de zombies

2009-12-01T16:15:00.001-03:00

En caso de zombies, de Hernán Lowenstein, con Martín Otegui y Lizán Tadgom, 5’33’’, 3º año 2009

Reviviendo Bariloche

Hacer terror no es sencillo. Pocos nos tomamos en serio al género, y esto es por las dificultades que posee. Hay que pensar que si voy a ver un corto de fantasmas, el director debe lograr que yo crea en ellos. El manejo de un verosímil logra que los espectadores podamos o no dormir con la luz apagada. Pero no todo es imagen y shock, hay que distender al espectador con un poco de guión para que no seamos atosigados con tanta presión. En estos casos, generalmente, oriente prioriza la investigación y occidente el humor.

En este corto, lo que tenemos es un gran momento de distensión al proponer diálogos adolescentes y un maravilloso cajón repleto de tópicos del género. Aunque no logro descifrar si las sombras del camarógrafo, la iluminación dentro del auto y los efectos de video de egresados son parte de esa distensión. O si ese día Edenor fue muy generoso con el voltaje en las calles o los protagonistas de esta historia tardaron de la noche a la mañana para recorrer cinco cuadras o 500 metros (tachar lo que no corresponda).

Tal vez aquí, el verdadero terror no sean los zombies sino las elipsis temporales que cobran vida propia.

Adrián Zorgno

(Alumno de 1º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09: El sueño de Coleridge

2009-12-01T11:03:00.003-03:00

El sueño de Coleridge, de Bernabé Rivarola, con William Tsu, Federico Weinzettel, 8’40’’, 2º año 2009.

La máquina de los sueños

Ya Calderón de la Barca lo dijo y todos estuvieron de acuerdo. “La vida es sueño y los sueños, sueños son.” Inspirado y apoyado en el texto de Borges sobre Kubla Khan (poema de Samuel Taylor Coleridge), El sueño de Coleridge, llega el corto homónimo del director de El nacimiento de una noción, Bernabé Rivarola (pueden leer la crítica que hiciera el año pasado Soledad Bianchi aqui). Interesante, lúdico, con humor, con entendimiento hacia los escritores -esos trabajadores que dependen de las musas y de todo aquello que las asista- y, finalmente, con corolario de sueños.

Es la historia de cómo un sueño soñado acerca de otros que soñaron, puede ser también el sueño de soñar algo y hacerlo realidad. ¿Complicado? Sin pretender ser Borges, es más o menos así como lo plantea el texto que da inicio al corto: un hombre -lector de Kubla Khan, poema cuyo autor escribió luego de un sueño opiáceo sobre otro que soñó un palacio- sueña sin saber que estos otros dos soñaron. En el corto sucede algo parecido. Un hombre sueña con el hombre que soñó el poema de Kubla Khan. La ironía de la vida y de cómo los sueños se disipan como la palabra, están dibujados en esta parte. Dibujados porque el sueño es un dibujo de excelentes detalles sobre el juego onírico, y continúa siendo una producción impecable como su anterior corto. Detalles como las hojitas en el gorro del pijama de Samuel, son tan equiparables al magnífico “do peso” del intertítulo.

La siguiente parte es el despertar y escribir el sueño acerca del que soñaba el poema. Una manera de llevar a la pantalla aquello que Borges mencionaba: quizá la clave esté en el último. En el último que sueñe con los soñadores, o en el último sueño. ¿Dónde podría terminar esta cadena? Es infinita.

Un corto bien logrado, una estructura comprensible, coherente, que no carece de humor y que al final sigue soñando. Porque el verdadero sueño aquí es que todo sea presentado en pantalla. Así como el soñador soñado buscaba desesperado el final de su poema, el sueño preciado, aquí, es llegar a la pantalla y transformar la palabra en esta nueva forma del sueño: la ilusión del cine. No por nada al cinematógrafo se le llamó alguna vez "the dream-machine".

Sería interesante que para el tercer festival de este director, experimentara con un estilo diferente al mantenido tanto en su primer corto como en su segundo trabajo. No se debería olvidar que los sueños pueden expresarse en color.

Quizá la clave esté en que el último sea el primero de muchos, y que así sea.

Norya García

(Alumna de 2º año de la carrera de Crítica y Periodismo)

Festival de cine Cievyc 09

2009-11-29T16:59:00.001-03:00

Festival de Mar del Plata: La mentira tiene patas cortas (y nariz larga)

2009-11-20T12:23:00.002-03:00

Música en espera, 2009

Dirección: Hernán A. Goldfrid
Nacionalidad: Argentina
Intérpretes: Diego Peretti, Natalia Oreiro, Norma Aleandro

Ezequiel Font (Diego Peretti), dedicado a realizar música para películas, está buscando un leitmotiv para una escena y cree hallarla en la musiquita de interno de la central telefónica del banco. Paula (Natalia Oreiro), sub gerente del banco, está en los últimos días de embarazo. Su madre (Norma Aleandro) llega de España y aun no se anima a decirle que su novio se rajó desde “la noticia”. Mientras Ezequiel se escabulle entre los cubículos del banco buscando la melodía, las dos historias se unen. El pasa al papel de novio para que Paula pueda seguir con su secreto y a cambio lo deje buscar entre los internos.

Cuando un músico es el protagonista de una película, se debe dar una importancia suprema al sonido. Más aun si el músico en cuestión está en búsqueda de Una música. La película logra un leitmotiv constante que obliga al silbido ni bien se sale de la sala. El gran problema de sonido que tiene nuestro cine, aquí se supera inmensamente. Aunque sólo en una escena deja mucho que desear la dicción de Peretti: cuando están por besarse por primera vez, la música acompaña el momento pero el crescendo de la misma opaca el remate del personaje. Sin embargo, son sólo unas décimas en contra de un guión excelente con silencios y puteadas muy cuidados que no caen en un argentinismo falso o la repetición tediosa.
La sección del festival “A sala llena” fue un buen refugio para resguardar esta comedia romántica que representa al cine argentino que vale la pena ver.

Adrián Zorgno

Festival de Mar del Plata: Ben y Andrew hacen una porno (Día de miércoles)

2009-11-17T14:17:00.000-03:00

Título original: Humpday

País: Estados Unidos

Año: 2009

Duración: 94’

Director: Lynn Shelton

Reparto: Mark Duplass, Alycia Delmore, Joshua Leonard

El catálogo del festival presenta a Humpday como una película que podría ser parte de “la factoría Apatow; como una posible secuela de Supercool (Superbad, Greg Mottola, 2007)”. Quien haya escrito la reseña seguramente quiso hacer interesante la película. Y lo consigue, al menos hasta que uno se enfrenta con ella.

Si bien es cierto que Apatow es partidario de la amistad entre los hombres, poco tienen en común sus protagonistas con los de Lynn Shelton. Después de un comienzo prometedor en el que Ben (Mark Duplass) y Andrew (Joshua Leonard) se reencuentran luego de muchos años sin verse y deciden hacer una película porno, la historia avanza sin sorpresas. Los personajes atraviesan situaciones tan predecibles como ellos, sin generar demasiadas expectativas en el espectador, que espera una comedia entretenida pero se encuentra con un reciclaje de clichés sin mucho sentido.

Quizás alguna “vuelta de tuerca” podría haberla salvado del naufragio, pero tendremos que quedarnos con la intriga. En Harmony y yo (Harmony and me, Bob Byington, 2009), otra de las películas proyectadas en el festival, un personaje le pregunta a otro si vio esas películas en las que llega un momento en el que a uno ya no importa lo que les sucede a los personajes. Humpday es una de esas películas.

M. Sol Salaberría.

Festival de Mar del Plata: La aventura del pendeviejo.

2009-11-17T11:38:00.002-03:00

Sam tiene una banda, una vida despreocupada, sale con amigos, duerme y toma cerveza como la mayoría de los adolescentes que aún no saben qué hacer con su futuro. Lo que lo diferencia del resto, es que él tiene más de treinta años.

True Adolescents (Craig Johnson, 2009) es una película acerca del viaje que este hombre (interpretado por Mark Duplass) y dos verdaderos adolescentes (Breth Loehr y Carr Thompson) hacen para que Sam madure y sus acompañantes descubran la amistad y su propia sexualidad. Todo esto acompañado con el contacto de la naturaleza, que los pondrá a prueba.

Durante los primeros quince minutos el film parece que fuera a ser una típica comedia punk-rock. Los títulos iniciales, acompañados por la música de The Blakes, se acercan a un estilo entre el arte de Lichtenstein y la tipografía de los Sex Pistols. Pero por suerte, la película de Johnson no se estanca en una comedia en la cual un adulto rockero instruye sobre música a un par de chicos. No, eso ya se vio y el director lo sabe.

La temática punkie se va alejando a medida que los personajes se adentran más en ese bosque costero que transforma al film en una especie de Deliverance (John Boorman, 1972) teenager… o no tanto. Un encuentro con dos extraños (hippies) hará que los personajes se pierdan y entren en conflicto con la naturaleza. Casi como el encuentro de Lewis (Burt Reynolds) y cía. con los campiranos de turno. Un herido y una noche friolenta son algunos de los elementos aventureros que están presentes en la historia, pero sin olvidar que se trata de una comedia, y que el humor, en menor o mayor dosis, acompaña estos sucesos.

Al finalizar el viaje, y ya de regreso en la ciudad, el personaje de Ed (John Voight) en Deliverance prometía jamás volver a ese lugar. En el caso de True Adolescents, Sam también promete no volver, pero no volver a llevar una vida de adolescente. Sin embargo, mientras que a Ed el espectador le podía creer esa promesa debido a las nefastas situaciones vividas, a Sam, como buen adolescente, no se le puede creer del todo y la intromisión de un fundido a negro impide que se sepa si la cumple o no.

Nicolás Ponisio.

Festival de Mar del Plata: Familia en cautiverio

2009-11-17T10:43:00.002-03:00

Título original: Dogtooth

Origen: Grecia

Año: 2009

Duración: 94’

Director: Yorgos Lanthimos

Reparto: Christos Sterngiolou, Michelle Valley, Aggeliki Papoulia.

Es normal que un padre quiera velar por la seguridad de su familia, pero ¿hasta dónde es capaz de llegar para conseguirlo?

En Dogtooth, un padre llega al extremo de mantener a sus tres hijos encerrados en su propia casa, sin ningún tipo de contacto con el exterior. A su vez, se ocupa de organizar extraños juegos y actividades para mantenerlos activos y menos pendientes de la situación que viven.

En cierta forma, no son sólo ellos los encerrados. Lanthimos también logra encerrar al espectador en este submundo claustrofóbico y, al mismo tiempo, regalarles a ambos ciertos momentos de respiro al permitirles salir al parque de la casa. Los planos al aire libre dan esa sensación de alivio que escasea dentro del hogar.

El mayor mérito del director, sin embargo, es el de mostrar la manera en que, a pesar de todo, estos adolescentes son arrastrados por la curiosidad y el deseo. El factor que desencadena el conflicto será Christina, una mujer que representa el contacto con lo que tantos años les fue prohibido. Sin necesidad de derribar las cuatro paredes que delimitan su mundo privado, conocerán el engaño, la violencia, el sexo, y hasta la corrupción. El mayor mérito de Lanthimos es demostrar que, muchas veces, el remedio puede ser peor que la enfermedad.

M. Sol Salaberría.

Festival de Mar del Plata: UNA FAMILIA MUY (A)NORMAL

2009-11-16T10:53:00.001-03:00

Dirección: Felix van Groeningen
Nacionalidad: Bélgica / Francia
Intérpretes: Kenneth Vanbaeden, Valentijn Dhaenens

Dicen que todas las familias se parecen; ésta no. Los Strobbe son una familia de fracasos. Cuatro hermanos afectos a la bebida. Una hermana golpeada por su marido. Un padre alcohólico. Una madre que intenta llevar lo mejor que puede la familia. Y el protagonista, un hijo no deseado por su madre, error de uno de los hermanos de la familia, que a pesar de sus escasos trece años, poco se distingue de sus tíos.
La historia es un vaivén entre la adolescencia y adultez de Gunther, el sobrino de la familia. La única oveja blanca, cuyas pasiones, que van más allá del sexo y el alcohol, mueven los hilos del resto de los miembros de su arcaica familia. Aún así son un clan muy unido y quién quiera cambiar debe irse, por eso el protagonista deberá abandonar el ámbito familiar para progresar.

Pero el destino y el apellido no dejarán en paz a Gunther y cometerá los mismos errores de su padre: un hijo no deseado y un fracaso constante. Cuando consigue superar su fracaso admite en su relato: (hablando de su hijo) “Trato de ser un buen tío para él”. Porque nunca tuvo una figura paterna sino un tío o un hermano mayor, ya que su abuela hizo las partes de madre y padre para él.

Una película sobre las familias, tomar decisiones y madurar. De cómo la vida nos juega una mala pasada haciendo de la adolescencia la edad de las decisiones que repercutirán en el futuro, cuando no se tiene aún la conciencia suficiente como para saber cuál tomar.

Adrián Zorgno

Festival de Mar del Plata: El perseguidor

2009-11-15T20:00:00.000-03:00

El perseguidor. De Victor Cruz, con Marita Ballesteros, Alejo Mango y Alejandro Lifschitz. Argentina. 85´

El perseguidor es una película con un montón de buenas ideas e intenciones que, por alguna razón, tiene algo de fallido. Parecería que a pesar de sus buenos recursos la película nunca lograra trasponer el velo de irrealidad propio de toda ficción.

Hay dos historias que se mezclan. Una es ordinaria: el conflicto de una pareja madura. La otra es extra-ordinaria: un hombre filma todo lo que hace esta pareja sin razón aparente y ellos terminan asesinándolo. Lo interesante de la película es que en lugar de dejarse seducir por la historia extraordinaria, la usa para contar el conflicto más cotidiano.

Tampoco tiene miedo de abrir subtramas que quedan irresueltas: no sabremos quién es el amante de Lola (Marita Ballesteros), la hija de ambos habla de una casa que será muy grande para ella y su propia hija, esbozando un conflicto del que tampoco sabremos nada. Este recurso le da aire a la película y la hace parecer más grande, más instalada en el mundo real, evitando regodearse en lo pequeño de su producción.

A excepción de la sobreestetizada escena en la que Lola concreta su infidelidad, el director elude ponerse delante del conflicto. La puesta en escena del punto de vista omnisciente no es totalmente distinta a la del punto de vista del perseguidor y su cámara. Entendemos que hay un cambio de estilo, pero no se lo sobreactúa. La cámara omnisciente también se mueve, tampoco utiliza el encuadre más cómodo, también parece estar espiando. Esta transición poco acentuada permite que la historia avance sin que nos distraigamos en admirar el cambio de estilo.

Así se recibe sin estridencias el giro hacia el cine de género del final, con la utilización del fuera de campo y el juego con la luz y la oscuridad. Queda la sensación de que todo esto podría dar lugar a una gran película que no es esta.

Sensación apoyada por la humildad, honestidad e inteligencia con que Víctor Cruz respondió las preguntas luego de la proyección.

Ignacio Izaguirre

Festival de Mar del Plata: DE CÓMO ME GANÉ UNA CICATRIZ EN EL PARIETAL IZQUIERDO… O LA NOSTALGIA DE NO HABER VISTO NUNCA UNA DE MIS PELICULAS FAVORITA

2009-11-15T18:00:00.000-03:00

Sed de mal (Touch of evil, 1958)

Director: Orson Welles
Nacionalidad: Estados Unidos
Intérpretes: Orson Welles, Charlton Heston, Janet Leigh.

Entré para revolver libros viejos. Quedé impactado con la cantidad de papel impreso que iba del piso al cielo raso. Al final de ese traveling horizontal lo vi. Mis sensaciones pasaron de impacto a proféticas, reveladas. En el último estante me miraba. Un juguete de la infancia donado por error. Un cáliz perdido. Yo lo disfrutaba en mp3, creía que lo conocía. Pero allí estaba. Como testamento de que mis oídos me engañaban. Manipulado, digitalizado, mal parido. Me miraba y me condenaba. Sólo atiné a decir “me lo llevo”. “¿Cuál?” preguntó la anciana. Y señalándolo como un desafío dije: “el vinilo de Creedence Clearwater Revival, Cosmos factory”.
Días antes, al leer la programación del Festival, una revelación similar se hizo presente delante de mis narices: Sed de mal de Orson Welles. Mientras, en soliloquio, decía “ya la vi, ya la conozco”, un Welles de 150 kilos me golpeó con su bastón. Desde ese día, una pavloviana cicatriz me recuerda que hasta no ver en pantalla grande el perfecto traveling con el que inicia esta película, he visto poco. O tal vez nada. Verlo en 29” en el sillón de casa un domingo a la tarde, no me da derecho a decir “ya la vi, ya la conozco”.

Una bomba es plantada. Una explosión florece. Un detective (Quinlan/Welles) pone evidencia falsa. Un fiscal lo persigue. Todo pasa en la frontera EEUU/México. Esta dualidad será representativa en la trama, en la cámara y en Welles. La civilización y la barbarie se distinguen geográficamente, pero sus personajes son inversos. El detective Quinlan representa a la civilización, la modernidad, la ley establecida, pero como personaje representa la barbarie, lo deforme, lo no-definido. México no tiene reglas, la mafia domina el territorio salvaje. Pero el esbelto Vargas (Heston) es un representante honesto y prolijo. Sed de mal es un ying-yang. México es negro, pero tiene su punto blanco: Vargas. EEUU es blanco, pero tiene su punto negro: Quinlan. Un ángel del infierno contra un demonio del cielo.

Todo lo que construye el director con la cámara, lo destruye como actor. Los posicionamientos perfectos y manieristas, poéticos, son destruidos con la mala ortografía que representa Quinlan en pantalla. Gordo, deforme, viscoso. Las tinieblas por las que se mueve la película están llenas de barroquismo. Aun donde puede verse poco por la acumulación de objetos, se lo ve todo. La dualidad wellesiana fluye en cada fotograma que filmó, pero acá cita a su primera obra maestra. El bastón (cane, en inglés) remite a Citizen Kane. En el bastón que Quinlan olvida en la escena del crimen y vaticina su caída reside la habilidad de Welles como director. Este monstruo cinematográfico jamás olvida su bastón. La autoría, evidente ya en su primera película, es el apoyo donde residió toda su obra futura. De olvidarse el bastón en una de sus películas, de dejarlo todo en ellas, yo no habría podido haber visto hoy Sed de mal. Y, aunque tarde, me siento orgulloso de poder reconocer esta obra. Porque si hoy se proyectó en el ciclo “Omisiones de la Academia”, significa que en su momento no todos pudieron reconocerla.

Adrián Zorgno.

Festival de Mar del Plata: Why does my soul feel so bad?

2009-11-15T15:32:00.002-03:00

Hace cinco años, el guionista Charlie Kaufman y el director Michel Gondry se unían para crear la posibilidad de hacer desaparecer los recuerdos dolorosos en Eternal Sunshine of the Spotless Mind a través de la ciencia médica y la tecnología. Esa máquina a la cual ingresaba Joel Barish (Jim Carrey) para olvidar a Clementine (Kate Winslet) evolucionó. De semejarse a un secador de pelo de peluquería pasó a convertirse en una resonancia magnética para que las personas puedan quitarse, literalmente, el alma. El conejillo de indias esta vez es Paul Giamatti interpretándose a si mismo en Cold Souls (Sophie Barthes, 2009).

La originalidad fìlmica y de guión que estaba constantemente en el film de Gondry, no se hace presente en esta película. La historia de Barthes entretiene y posee momentos muy divertidos (siempre gracias a la actuación de Giamatti) pero el espectador que haya visto Eternal Sunshine… no puede dejar de pensar en las similitudes que tienen ambos films.

Barthes no sólo trabaja con una invención futurista que aliviana la angustia y el dolor sino que también plantea la idea de no poder vivir sin sufrimiento. Resalta que con la ausencia de recuerdos… perdón, del alma, el dolor es aún mayor. Y que sin ese sentimiento característico del ser humano, no son frías las almas, sino las personas.

Nicolás Ponisio.